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  Por Megan Zsienewsky.

Ídolos se necesitan. Siempre. Desesperadamente. Por clamor popular y necesidad individual. Cada generación parece reinventar el tenor como algo más parecido a una estrella del pop o el rock&roll que a una estrella de ópera. Los Tres Tenores (Los españoles Plácido Domingo y José Carreras, y el italiano Luciano Pavarotti). Uno de los grandes éxitos de marketing musical de finales del siglo XX, y la estrella más brillante que reconocieron en el firmamento de los tenores fue el palpitante del cine Mario Lanza. El propio Lanza afirmó que Enrico Caruso era su mayor influencia y lo interpretó en la pantalla, recordando a un público más amplio que no había nada incompatible con los tenores clásicos y la popularidad genuina, independientemente de lo que cantaran. Aunque muchas buenas divas o buenos divos dejaron su huella en las primeras grabaciones, fue la voz de tenor de Enrico Caruso la que definió la voz de principios del siglo XX. Su reputación se debía al hecho de que la gente no solo podía escucharlo en sus propios hogares, sino que su éxito se podía medir en ventas récord; fue la primera superestrella mundial de la era del gramófono. Tal celebridad no era nueva en lo que consideramos música clásica, sin embargo, no era raro en el siglo XIX que los cantantes de ópera (como Adelina Patti o Giuditta Pasta) se encontraran con el tipo de recepción que asociamos con las estrellas del pop. El hecho es que no había un equivalente de la música popular de masas de hoy, y tampoco nada como la música clásica de hoy (en el sentido de impopular). El entretenimiento popular tomó una gran variedad de formas, desde el conjuro hasta el silbido de las celebridades, pero cantar al final fue solo cantar, y los mejores cantantes eran cantantes de ópera en gran parte porque tenían las mejores melodías. Todos compartían un nivel básico de vocalidad: incluso una personalidad de vodevil tenía que tener suficiente voz para llevarla directamente al fondo de un teatro: el canturreo y los matices íntimos habilitados por el micrófono aún estaban en el futuro cuando Caruso murió en 1921.

Nunca paso a un escenario sin preguntarme si lograré terminar la ópera. El caso es que un cantante concienzudo nunca está seguro de sí mismo ni de nada. Siempre está en manos de Destiny.

Enrico Caruso

Es una lástima que el público espere de mí, siempre, la perfección que es imposible para mí alcanzar siempre. No soy una máquina. Soy un ser humano.

Enrico Caruso

Tres años antes estaba en el apogeo de su fama. Sus muchos triunfos en 1918 incluyeron un debut en el Carnegie Hall (en una de varias galas de gran éxito de recaudación de hallazgos) y la grabación de la canción patriótica ‘Over There’, que se convertiría en la grabación más vendida de un cantante de ópera para las generaciones venideras, poniéndolo junto a Al. Jolson como uno de los artistas discográficos más exitosos del siglo hasta la fecha. “Over There” ciertamente no era un aria de ópera, y aunque Caruso residió prácticamente en la Metropolitan Opera durante diecisiete años, sus discos más vendidos fueron en realidad música más ligera, como canciones napolitanas y “aires italianos”. Era su voz lo que su público quería, y comprarían lo que él quisiera grabar. Ese mismo año, Al Jolson hizo un recital de sus propias canciones con 50 miembros de la Orquesta Sinfónica de Boston, y uno o dos meses antes había seguido a Caruso en el escenario en un concierto maratón en Nueva York patrocinado por la Army Tank Corps Welfare League en ayuda de los soldados que regresaban. . Fue la primera vez que Jolson pronunció su famosa frase “No has escuchado nada todavía”, una respuesta a la conmovedora interpretación de Caruso de canciones de guerra italianas que culminaron con una interpretación de “Over There” que derribó la casa. Los dos cantantes, ambos emigrados europeos que habían conquistado América, eran entonces probablemente los cantantes más exitosos del mundo. Aunque Jolson el animador y Caruso el cantante de ópera habitaban mundos musicales diferentes, era evidente que existían circunstancias en las que sus respectivas artes podían atraer a públicos similares e incluso suceder en el mismo lugar. Los biógrafos de ambos cantantes tienden a ser bastante reticentes sobre las conexiones entre estas dos grandes estrellas, pero sabemos que apreciaron el lugar del otro en el esquema de las cosas, e incluso el canto del otro. Después de sus actuaciones para el Cuerpo de Tanques, Caruso invitó a Jolson a regresar a su habitación de hotel, y se dice que sugirió que cantaran juntos en el Met. Puede que haya estado bromeando, por supuesto, y Jolson sabía que él mismo no era un cantante de ópera, pero el hecho de que pudiera hacerse oír a través de una orquesta de 50 piezas muestra que Jolson no habría tenido ningún problema con el vasto espacio acústico del mundo. teatro de ópera más famoso. Jolson y Caruso a dúo en el escenario de la ópera no es tan improbable como podría parecer (si hubieran podido ponerse de acuerdo sobre qué cantar): dos meses después, la antigua artista de vodevil Rosa Ponselle hizo su debut en el Met junto al mismo Caruso en La Forza del  Destino, de Verdi. 

Siempre había cantado, desde que tengo memoria, por puro amor. Mi voz era de contralto y canté en una iglesia de Nápoles desde los catorce hasta los dieciocho.

Enrico Caruso

Sé que soy cantante y actor, pero para dar al público la impresión de que no soy ni lo uno ni lo otro, sino el hombre real concebido por el autor, tengo que sentir y pensar como el hombre el autor. tenía en mente.

Enrico Caruso

¿Cantantes de vodevil en el Met? ¿Caruso capaz de hacer un dueto con alguien que se hacía llamar cantante de jazz? ¿Cómo es posible que sucedan tales cosas? Antes de que la amplificación dividiera a los cantantes en cantantes de verdad y en quienes quizás no lo fueran, todos los cantantes tenían que hacerse oír en el fondo de la sala, ya fueran cantantes de ópera, animadores de vodevil o gritadores de blues. Es por eso que tantos cantantes “populares” que grababan a principios del siglo XX suenan tan forzados y estilizados; para proyectar sus voces a lo largo tuvieron que cantar con la laringe más baja que en el habla normal. Eso maximizó su eficiencia acústica y, como subproducto, les dio el sonido más rico que ahora asociamos con los cantantes clásicos. Si cantaban en inglés, también generaba las vocales más profundas asociadas con la pronunciación recibida (el acento no regional a veces llamado BBC English). Caruso y Jolson, ante la necesidad de llenar de sonido un teatro de vodevil o un teatro de ópera, adoptaron inevitablemente una técnica similar: no había otra forma de cantar en grandes teatros o salas, por lo que tenían mucho más en común vocalmente que, digamos, Plácido Domingo y Sting. Muchas personas habrían comprado los discos de ambos cantantes y es posible que no fueran muy conscientes de los diferentes géneros que luego se vio que representaban. La idea de que la música se clasificara como “popular” o “clásica” habría significado muy poco para el hombre del famoso ómnibus Clapham. Caruso no vio una gran diferencia entre un aria de Puccini y una canción folclórica napolitana; ambos eran “populares” y probablemente aparecieran uno al lado del otro en los programas de recitales. Verdi y Puccini sabían, como lo habían sabido los compositores de generaciones anteriores a ellos, que el secreto de una ópera exitosa era golpear a los apostadores con una buena melodía independiente de vez en cuando, un formato que respaldaba a una enorme industria de partituras y a la floreciente negocio discográfico. Por cada persona que escuchaba una ópera en el Met o Covent Garden, había un número potencialmente infinito de compradores de discos o personas que cantaban las arias alrededor del piano en casa, junto con las canciones “populares” de artistas como Al Jolson. Jolson era consciente de que la ópera tenía un estatus lo suficientemente alto como para que valiera la pena satirizarla, como en su hilarante (en ese momento) boceto de Pagliacci. Sabe exactamente cómo funciona el canto de ópera (era hijo de un cantor, que esperaba cosas más grandes de su absurdamente ambiciosa descendencia) pero seguramente comprendió que en realidad solo podía interpretar un papel: el de Al Jolson. Caruso fue un gran éxito en muchos roles (cuidadosamente elegidos), pero su repertorio más serio no le dio muchas oportunidades para brillar simplemente como artista.

El hecho de que pudiera conseguir un compromiso de ópera me hizo darme cuenta de que tenía dentro de mí la creación de un artista, si es que realmente me esforzaba por lograr tal fin. Cuando me convencí completamente de esto, pasé de ser un aficionado a ser un profesional en un solo día.

Enrico Caruso

Convertirse en cantante requiere trabajo, trabajo y, nuevamente, ¡trabajo! No es necesario que esté en ningún rincón especial de la tierra; No hay un lugar que pueda hacer más por usted que otros lugares. No importa tanto dónde te encuentres si tienes inteligencia y buen oído.

Enrico Caruso

Pero eso no le impidió igualar a Jolson en popularidad. No fueron solo canciones patrióticas y piruletas italianas: las grandes melodías que surgieron de las tramas realistas y el canto menos desordenado de la ópera verismo también tuvieron un éxito enorme. En el primer cuarto del siglo XX (aproximadamente entre las primeras grabaciones y las primeras transmisiones de radio) los mundos de lo que ahora consideramos clásico y popular estaban todavía tentadoramente cercanos, con la diferencia entre cantantes del calibre de Caruso y Jolson. a menudo solo uno de repertorio y un cierto tipo de participación pública. A medida que avanzaba el siglo, se polarizarían cada vez más: los compositores, divorciados del patrocinio privado pero a menudo apoyados indirectamente por el estado, podían darse el lujo de escribir música que muy pocas personas querían escuchar, mientras que el micrófono mostraba una proyección vocal natural exagerada. innecesario para aquellos emocionados por las posibilidades de una entrega vocal más sutil. Los cantantes de ópera conservaron su estilizada vocalidad con su inevitable sonoridad, creciendo en estatus pero contrayéndose en alcance con cada generación. El público masivo que había estado allí para Rossini y Verdi prefirió el impacto emocional inmediato proporcionado por los cantantes, una experiencia directa de boca a oreja que podían disfrutar con amigos en casa en lugar de desafiar el mundo estratificado de la ópera; “Clásico” pasó a significar lo contrario de “popular”. Caruso no sabría nada de esto: seguiría cantando más allá de la tumba, pero cada vez más en el lado equivocado de las crecientes divisiones entre los dos géneros. Sin embargo, el siglo XXI está comenzando a ver (y escuchar) las cosas de manera diferente, y muchos de nosotros ahora tenemos una visión más amplia del arte y los logros de Caruso. ‘Over There’ incluso ha sido saqueado para un comercial de televisión (que estoy segura de que Caruso habría disfrutado), pero Ben Watt comparando al gran tenor con Elvis Presley es una señal de tiempos más ilustrados. La era digital nos da acceso sin trabas a toda la música, sin filtros de esnobismo y tradición, y tal vez Caruso pueda ser liberado del viejo gueto clásico rancio: en su tiempo fue tan bueno como Elvis.

 

 


PrisioneroEnArgentina.com

Diciembre 4, 2021


 

 

5 thoughts on “Enrico Caruso, Superstar”

    • que cosa
    • posted on December 4, 2021

    era una genio sinigual

  1. I have my own small cd archive and photos of Enrico.

    • el avion el avion el avion el avion
    • posted on December 4, 2021

    El mejOr

    • Jesus Villa
    • posted on December 4, 2021

    El mejor tenor de todos los tiempos !!!

    • Anonymous
    • posted on December 3, 2021

    Caruso has been my singing coach for 60 years!! When I sing one can hear him at times!! I feel very thankful!!

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