El ballet se originó en las cortes del Renacimiento italiano del siglo XV. Los hombres y mujeres nobles disfrutaban de fastuosos eventos, especialmente celebraciones de bodas, donde el baile y la música creaban un espectáculo elaborado. Los maestros de danza enseñaban los pasos a la nobleza y la corte participaba en las representaciones. En el siglo XVI, Catalina de Medici, una noble italiana, esposa del rey Enrique II de Francia y gran mecenas de las artes, comenzó a financiar el ballet en la corte francesa. Sus elaborados festivales alentaron el crecimiento del ballet de cour, un programa que incluía danza, decoración, vestuario, canciones, música y poesía. Un siglo después, el rey Luis XIV ayudó a popularizar y estandarizar esta forma de arte. Bailarín apasionado, interpretó muchos papeles, incluido el del Rey Sol en el Ballet de la nuit. Su amor por el ballet impulsó su elevación de un pasatiempo para aficionados a una actividad que requería formación profesional.
En 1661, se había abierto una academia de danza en París y, en 1681, el ballet pasó de las cortes al escenario. La ópera francesa Le Triomphe de l’Amour incorporó elementos de ballet, creando una larga tradición de ópera y ballet en Francia. A mediados del siglo XVIII, el maestro de ballet francés Jean Georges Noverre se rebeló contra el artificio del ballet de ópera, creyendo que el ballet podía valerse por sí solo como una forma de arte. Sus nociones (que el ballet debería contener movimientos expresivos y dramáticos que revelaran las relaciones entre los personajes) introdujeron el ballet d’action, un estilo dramático de ballet que transmite una narrativa. La obra de Noverre se considera la precursora de los ballets narrativos del siglo XIX.
Los primeros ballets clásicos como Giselle y La Sylphide se crearon durante el Movimiento Romántico en la primera mitad del siglo XIX. Este movimiento influyó en el arte, la música y el ballet. Se ocupaba del mundo sobrenatural de los espíritus y la magia y a menudo mostraba a las mujeres pasivas y frágiles. Estos temas se reflejan en los ballets de la época y se denominan ballets románticos. Este es también el período de tiempo en el que bailar sobre las puntas de los pies, conocido como trabajo de puntas, se convirtió en la norma para las bailarinas. Se introdujo el romántico tutú, una falda amplia hecha de tul hasta la pantorrilla.
La popularidad del ballet se disparó en Rusia y, durante la segunda mitad del siglo XIX, los coreógrafos y compositores rusos lo llevaron a nuevas alturas. El Cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes de Marius Petipa, de Petipa y Lev Ivanov, representan el ballet clásico en su forma más grandiosa. El objetivo principal era mostrar al máximo la técnica clásica (trabajo de puntas, extensiones altas, precisión de movimiento y giro hacia afuera de las piernas desde la cadera). En la historia se coreografiaron secuencias complicadas que muestran pasos, saltos y giros exigentes. El tutú clásico, mucho más corto y rígido que el tutú romántico, se introdujo en esta época para revelar las piernas de la bailarina y la dificultad de sus movimientos y juego de pies.
A principios del siglo XX, los coreógrafos rusos Sergei Diaghilev y Michel Fokine comenzaron a experimentar con el movimiento y el vestuario, yendo más allá de los límites de la forma y la historia del ballet clásico. Diaghilev colaboró con el compositor Igor Stravinsky en el ballet La consagración de la primavera, una obra tan diferente —con su música disonante, su historia de sacrificio humano y sus movimientos desconocidos— que provocó disturbios en el público. El coreógrafo y fundador del New York City Ballet, George Balanchine, un ruso que emigró a Estados Unidos, cambiaría aún más el ballet. Introdujo lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, una expansión de la forma clásica. Muchos también lo consideran el mayor innovador del ballet contemporáneo “sin trama”. Sin un argumento definido, su propósito es utilizar el movimiento para expresar la música e iluminar las emociones y el esfuerzo humanos. Hoy el ballet es multifacético. Formas clásicas, historias tradicionales e innovaciones coreográficas contemporáneas se entrelazan para producir el carácter del ballet moderno.
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El ballet se originó en las cortes del Renacimiento italiano del siglo XV. Los hombres y mujeres nobles disfrutaban de fastuosos eventos, especialmente celebraciones de bodas, donde el baile y la música creaban un espectáculo elaborado. Los maestros de danza enseñaban los pasos a la nobleza y la corte participaba en las representaciones. En el siglo XVI, Catalina de Medici, una noble italiana, esposa del rey Enrique II de Francia y gran mecenas de las artes, comenzó a financiar el ballet en la corte francesa. Sus elaborados festivales alentaron el crecimiento del ballet de cour, un programa que incluía danza, decoración, vestuario, canciones, música y poesía. Un siglo después, el rey Luis XIV ayudó a popularizar y estandarizar esta forma de arte. Bailarín apasionado, interpretó muchos papeles, incluido el del Rey Sol en el Ballet de la nuit. Su amor por el ballet impulsó su elevación de un pasatiempo para aficionados a una actividad que requería formación profesional.
Los primeros ballets clásicos como Giselle y La Sylphide se crearon durante el Movimiento Romántico en la primera mitad del siglo XIX. Este movimiento influyó en el arte, la música y el ballet. Se ocupaba del mundo sobrenatural de los espíritus y la magia y a menudo mostraba a las mujeres pasivas y frágiles. Estos temas se reflejan en los ballets de la época y se denominan ballets románticos. Este es también el período de tiempo en el que bailar sobre las puntas de los pies, conocido como trabajo de puntas, se convirtió en la norma para las bailarinas. Se introdujo el romántico tutú, una falda amplia hecha de tul hasta la pantorrilla.
La popularidad del ballet se disparó en Rusia y, durante la segunda mitad del siglo XIX, los coreógrafos y compositores rusos lo llevaron a nuevas alturas. El Cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes de Marius Petipa, de Petipa y Lev Ivanov, representan el ballet clásico en su forma más grandiosa. El objetivo principal era mostrar al máximo la técnica clásica (trabajo de puntas, extensiones altas, precisión de movimiento y giro hacia afuera de las piernas desde la cadera). En la historia se coreografiaron secuencias complicadas que muestran pasos, saltos y giros exigentes. El tutú clásico, mucho más corto y rígido que el tutú romántico, se introdujo en esta época para revelar las piernas de la bailarina y la dificultad de sus movimientos y juego de pies.
A principios del siglo XX, los coreógrafos rusos Sergei Diaghilev y Michel Fokine comenzaron a experimentar con el movimiento y el vestuario, yendo más allá de los límites de la forma y la historia del ballet clásico. Diaghilev colaboró con el compositor Igor Stravinsky en el ballet La consagración de la primavera, una obra tan diferente —con su música disonante, su historia de sacrificio humano y sus movimientos desconocidos— que provocó disturbios en el público. El coreógrafo y fundador del New York City Ballet, George Balanchine, un ruso que emigró a Estados Unidos, cambiaría aún más el ballet. Introdujo lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, una expansión de la forma clásica. Muchos también lo consideran el mayor innovador del ballet contemporáneo “sin trama”. Sin un argumento definido, su propósito es utilizar el movimiento para expresar la música e iluminar las emociones y el esfuerzo humanos. Hoy el ballet es multifacético. Formas clásicas, historias tradicionales e innovaciones coreográficas contemporáneas se entrelazan para producir el carácter del ballet moderno.
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Noviembre 30, 2023