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  Por Bella Watts.

Hijo de un viajante que vendía alimentos y de una madre que creía que, al casarse por debajo de ella, traicionaba sus vínculos con la nobleza romana, Fellini creció creyendo que pertenecía a Roma. A finales de la década de 1930 se mudó allí con su madre y su hermano. Sin embargo, sólo Federico se quedó, sobreviviendo vendiendo dibujos animados, chistes e historias a la revista de humor Marc’Aurelio. Durante la Segunda Guerra Mundial, Fellini escribió guiones para la serie radiofónica Cico e Pallina, protagonizada por Giulietta Masina, quien se convirtió en su esposa en 1943 y apareció en varias de sus películas durante un matrimonio de 50 años a menudo problemático. En 1944 Fellini conoció al director Roberto Rossellini y formó parte del equipo de escritores de Roma, città aperta (1945; Ciudad Abierta o Roma, Ciudad Abierta), una película pionera del neorrealismo. La contribución de Fellini al guión le valió su primera nominación al Oscar.

Fellini se convirtió rápidamente en uno de los guionistas más exitosos de Italia. Colaboró en guiones para directores como Pietro Germi (Il cammino della speranza [1950; El camino de la esperanza]), Alberto Lattuada (Senza pietà [1948; Sin piedad]) y Luigi Comencini (Persiane chiuse [1951; Detrás de las contraventanas cerradas] ]); no estaba acreditado en esta última película. Además, Fellini contribuyó a Paisà (1946; Paisan) de Rossellini e Il miracolo (1948; “El milagro”, un episodio de la película L’amore), en la que también actuó, interpretando a un vagabundo que deja embarazada a una campesina ingenua. cuando ella lo toma por la reencarnación de San José.La búsqueda de Fellini de un estilo más personal, que a menudo rayaba en los fantásticos y alienados puristas neorrealistas. Su debut como director, Luci del varietà (1950; Variety Lights), realizado en colaboración con Lattuada, está ambientado en un programa de variedades itinerante. Entusiasta del lado sórdido del mundo del espectáculo, en particular el vodevil y el circo, Fellini volvió a este medio repetidamente, comenzando con su primer largometraje independiente, Lo sceicco bianco (1952; El jeque blanco), una sátira sobre los fumetti (cómic fotográfico tiras) y sus fanáticos fanáticos. Sin embargo, su primer éxito comercial y de crítica, I vitelloni (1953; Spivs o The Young and the Passionate), exhibió poca fantasía. Basada en su propia adolescencia en Rímini, refleja fielmente el aburrimiento de la vida provinciana, que lo llevó a Roma.

Con La strada (1954; “The Road”), Fellini volvió al mundo del espectáculo. Estaba protagonizada por Anthony Quinn como Zampanò, un “hombre fuerte” itinerante brutal pero falso, y Masina como la niña abandonada que lo ama. La película se rodó en lugares desolados entre Viterbo y Abruzzi, pueblos humildes y caminos de piedra que pretendían reflejar la aridez moral del personaje de Quinn, poniendo de relieve la naturaleza dulce y perdonadora de Gelsomina de Masina. Un éxito comercial, La strada ganó un Premio de la Academia a la mejor película extranjera y el tema lastimero de Nino Rota se convirtió en un éxito. Los productores ofrecieron presentar a Masina como Gelsomina en una secuela, pero Fellini le dio un pequeño papel sólo en la cínica Il bidone (1955; “The Swindle”), que presentaba a Broderick Crawford como el líder de una banda de estafadores que se hacen pasar por sacerdotes. para robar al campesinado. Masina afirmó su calidad de estrella en Le notti di Cabiria (1957; Nights of Cabiria), desarrollando el personaje secundario que interpretó en Lo sceicco bianco, una prostituta romana de buen carácter que es optimista incluso cuando es humillada y estafada por el hombre que espera. casar. Una de las películas más simpáticas de Fellini, ganó un Oscar a la mejor película extranjera e inspiró la comedia musical de Broadway de 1966 Sweet Charity y la película del mismo nombre de 1969.

La dolce vita (1960; “La dulce vida”) fue la primera de muchas colaboraciones con Marcello Mastroianni, un actor que llegó a representar el alter ego de Fellini. Inspirada en titulares de periódicos y algunos escándalos de actualidad, la película denuncia exhaustivamente una Roma dominada por estrellas de cine extranjeras, periodistas corruptos y aristócratas decadentes. Condenada por la Iglesia Católica Romana pero aclamada por el público, La dolce vita aportó la palabra paparazzo (fotógrafo sin escrúpulos de la prensa amarilla) al idioma inglés y el adjetivo Felliniesque al léxico de los críticos de cine. Luego hizo su primera incursión en color, dirigiendo el segmento Le tentazioni del dottor Antonio (“La tentación del Dr. Antonio”) para el largometraje Boccaccio ’70 (1962).

Otto e mezzo (1963; 8 1/2) se encuentra entre las películas más elogiadas de Fellini y le valió al director su tercer Oscar a la mejor película extranjera. Titulada 8 1/2 por el número de películas que Fellini había realizado hasta entonces (siete largometrajes y dos cortometrajes), muestra a un famoso director (basado en Fellini e interpretado por Mastroianni) en una parálisis creativa. Acosado por guionistas discutidores, actrices importunas, una esposa lacónica y poco amorosa y su novia estúpida y risueña, se refugia en fantasías de infancia y en el sueño de una mujer perfecta y, por tanto, inalcanzable, encarnada en Claudia Cardinale.

En 1965 la salud de Fellini decayó mientras preparaba la que habría sido su obra más personal, El viaje de G. Mastorna, una visión onírica del más allá, protagonizada por Mastroianni. Obligado a abandonar el proyecto, encontró fortuitamente en el color una salida alternativa a sus fantasías. La tecnología puso en manos de Fellini las herramientas para hacer realidad las visiones que hasta entonces sólo existían en sus sueños: “Cierro los ojos”, escribió sobre sus imaginaciones nocturnas, “y comienza la fiesta”. Sus cuadernos de notas profusamente ilustrados, que registraban esos sueños, se convirtieron en su materia prima. Abrazó la fantasía aún con más entusiasmo en Giulietta degli Spiriti (1965: Julieta de los espíritus), con Masina como un simple burgués perseguido por lo sobrenatural. Fellini abordó los mitos de Roma, empleando una visión del inconsciente obtenida a través del estudio de su teórico psicoanalítico preferido, Carl Jung. Los distribuidores incorporaron el nombre de Fellini en los títulos de las películas, lo que indica la naturaleza única de su visión. Aunque técnicamente inspirado en los escritores romanos Cayo Petronio Arbiter y Lucio Apuleyo, Fellini Satyricon (1969), lo promocionó con el lema “Antes de Cristo. Después de Fellini”, en realidad celebró el movimiento hippie, que conoció por primera vez en Estados Unidos. Dos jóvenes bisexuales sin rumbo deambulan por un mundo moral y físicamente decadente de decadencia casual, representado en colores llamativos que hasta entonces nunca se habían asociado con la antigüedad. El mármol blanco dio paso a estuco desmoronado, graffitis obscenos y suciedad urbana. Sexualmente ambivalente en su vida privada, Fellini reveló en Satyricon una preocupación por la obesidad, la mutilación y el hermafroditismo que muchos encontraron inquietante. Desafortunadamente, nunca realizó su esperanza de incluir a Groucho Marx y Mae West en la película.

En Roma (1972; La Roma de Fellini), el director aplicó las herramientas de la fantasía a la capital nacional, alternando episodios de la moderna ocupación hippie de sus monumentos con sus visitas adolescentes a sus burdeles y las excavaciones que descubren lo que queda de la antigua ciudad. Un “desfile de moda eclesiástico” se burla polémicamente del Vaticano, que condenó sistemáticamente sus películas. Para Amarcord (1973), que le valió a Fellini un cuarto Oscar a la mejor película extranjera, recreó Rímini en tiempos de guerra en los estudios Cinecittà de Roma para un recuerdo nostálgico de la adolescencia bajo el fascismo, que restauró la excentricidad de sus primeros años de vida que había sido omitida en I. Vitelloni. Aunque el público tomó la película como autobiográfica, la mayoría de sus incidentes provinieron de la vida más extravagante de un amigo de la infancia.

Las exigencias del público internacional obstaculizaron las películas posteriores de Fellini. Los productores con orientación comercial, en particular su socio Dino De Laurentiis, aconsejaron un compromiso con Hollywood. Aunque quería a Mastroianni, convencieron a Fellini para que eligiera al actor estadounidense Donald Sutherland como Giacomo Casanova en Il Casanova di Federico Fellini (1976; Casanova de Fellini). La película trata a Casanova y, por delegación, a Sutherland, sin simpatía. Al repasar su vida, el gran amante ve sobre todo grotescos y humillaciones. Paradójicamente, encuentra su mayor satisfacción con un autómata realista y ingeniosamente diseñado, notablemente imitado por Adele Angela Lojodice, una pareja que, incapaz de amar, no exigía nada. Los historiadores consideran a Casanova como la última de sus grandes creaciones personales. Un mercado estadounidense en disminución para las películas extranjeras y el aumento de un público joven impaciente con temas desafiantes marginaron La città delle donne (1980; Ciudad de las mujeres), E la nave va (1983; Y el barco zarpa), Ginger e Fred (1985 ; Ginger y Fred), Intervista (1987; “Entrevista”) y La voce della luna (1990; La Voz de la Luna), su último largometraje. Unidas sólo por su talento para lo fantástico, las películas reflexionan con ironía típicamente Felliniana sobre una variedad de temas posmodernos: el papel del hombre en una sociedad cada vez más feminista, los efectos infantilizantes de la televisión, la lejanía de la creatividad artística de la realidad política y la creciente homogeneización de la cultura popular. Al mismo tiempo, Fellini, aparentemente capaz de convencerse a sí mismo de casi cualquier cosa, también dirigió anuncios de televisión para Barilla pasta, Campari Soda y el Banco di Roma.

Aunque algunos críticos emplearon Fellinian como término de burla, el lugar de Fellini en la historia del cine está asegurado. Buscó un cine personal que ofreciera una alternativa al cine comercial estándar. Su existencia creó un espacio en la conciencia pública desde que fue colonizada por numerosos artistas que huían de un mercado basado en el simple entretenimiento. Al mezclar sueño y realidad, autobiografía y fantasía, y al utilizar sus propios problemas creativos y personales como tema, Fellini también fue pionero, en Otto e mezzo, una categoría de cine psicoanalítico que inspiró a muchos y aún está siendo explorada. Sus películas fueron nominadas a 23 premios de la Academia y ganaron ocho. Fellini también recibió un Oscar a la trayectoria en 1993, el León de Oro a la carrera del Festival de Cine de Venecia en 1985 y docenas de premios de los festivales de cine más prestigiosos del mundo.

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Diciembre 7, 2023