Pocas cosas desconciertan más a los futuros padres que elegir el nombre correcto para su hijo, y el segundo nombre no es una excepción. Debe tener seriedad y alegría de vivir, y marcar la pauta para toda una vida de repetición en los formularios oficiales. Pero, ¿de qué sirve un segundo nombre?
Francis Albert SinatraLyndon Baines Johnson
La tradición moderna de insertar un segundo nombre (o dos) en el apodo de un niño probablemente comenzó en la Edad Media, cuando los padres daban a los bebés un nombre personalizado y el nombre de un santo como segundo nombre, seguido de un apellido. A mediados del siglo XIX, esta costumbre europea empezó a llegar a Estados Unidos, traída por inmigrantes, y empezó a adquirir un nuevo significado. Los segundos nombres inspirados en santos a veces eran reemplazados por segundos nombres no religiosos, como el apellido de soltera materna, y cuando comenzó la Guerra Civil en 1861, los segundos nombres se daban exclusivamente a discreción de los padres: cualquier nombre de su agrado era un juego limpio. – y a menudo eran de naturaleza aspiracional, con dos o tres segundos nombres. Después de todo, un nombre ficticio como Peter Aurelius Oliver Smith tiene un poco más de peso que el simple y simple Pete Smith, ¿no es así?
Domingo Faustino SarmientoLionel Andrés Messi
La idea de un segundo nombre se afianzó en los EE. UU. y, con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial en 1914, los formularios de alistamiento oficiales se convirtieron en los primeros documentos gubernamentales en solicitar el segundo nombre de los solicitantes. Los segundos nombres eran tan comunes que cuando las computadoras comenzaron a usarse rutinariamente para documentos de ciudadanos estadounidenses, fueron programadas para reconocer tres nombres. No dos. O cuatro. Solo tres. Si no se ingresaba un segundo nombre, el programa insertaría automáticamente NMI, que era una abreviatura militar de “sin inicial del segundo nombre”.
¿Y para aquellos que no tienen segundo nombre, y mucho menos inicial? La invención es la clave del éxito. Para Joanne Kathleen Rowling, más conocida como J.K. Rowling, autora de la serie de Harry Potter, el segundo nombre “Kathleen” es un afecto ficticio que aparece como por arte de magia.
Mickey Cohen, uno de los jefes de la mafia más extravagantes de la época dorada de los gánsteres estadounidenses, gobernó el inframundo de Los Ángeles con mano de hierro durante las décadas de 1940 y 1950, todo mientras salía con actrices y reinas del burlesque, socializaba con amigos famosos como Frank Sinatra, y hasta pararse a firmar autógrafos en la calle
CohenSinatraNixon
Mientras tanto, Cohen era un elegante vestidor famoso por su colección de 200 trajes hechos a mano, y cuando su casa fue bombardeada por un gángster rival en 1950, la mayor queja de Cohen fue que alrededor de 40 de sus preciosos trajes habían sido destruidos.
Y Cohen no sólo parecía un gángster rico y poderoso: se apoderó de prácticamente toda la ciudad pieza por pieza con astucia y brutalidad despiadadas. En el apogeo de sus poderes, Cohen intervino en todo, desde el juego y las drogas hasta la prostitución y la pornografía. También fue pionero en la relación lucrativa entre la mafia y los sindicatos, chantajeó a políticos y policías con la ayuda de editores de chismes e incluso ayudó a un joven advenedizo político llamado Richard Nixon a ser elegido por primera vez para el Congreso.
Lucille Desiree Ball, una de las pelirrojas más queridas del mundo del espectáculo de los Estados Unidos, nace el 6 de agosto de 1911 cerca de Jamestown, Nueva York.
A los 15 años, Ball fue a la ciudad de Nueva York para asistir a la escuela de teatro y convertirse en actriz. Sin embargo, recibió poco aliento y fue rechazada varias veces por las líneas de coro de Broadway. Después de trabajar como camarera y trabajar como modelo de sombreros, Ball fue contratada en 1933 como la chica de cigarrillos de Chesterfield. Alrededor de este tiempo, ella comenzó a interpretar papeles en películas de Hollywood. Pasó a papeles principales en docenas de películas B a fines de la década de 1930 y 1940. En 1940, Ball conoció al líder de la banda cubana Desi Arnaz mientras filmaba Too Many Girls y la pareja pronto se fugó.
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De 1947 a 1951, Ball interpretó a una esposa tonta en el programa de radio My Favorite Husband (Mi Esposo Favorito). Cuando CBS decidió lanzar la popular serie en el relativamente nuevo medio de televisión, Lucy insistió en que Arnaz fuera elegida como su esposo en la versión para televisión. Los ejecutivos de la red inicialmente discutieron contra la idea, argumentando que nadie creería que la pareja estaba casada. Sin embargo, Ball y Arnaz finalmente fueron elegidos como Lucy y Ricky Ricardo en I Love Lucy, que se emitió de 1951 a 1957 y se convirtió en una de las comedias de televisión más populares de la historia. Ella era Lucy Ricardo es la loca esposa del director de banda cubano Ricky Ricardo.
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Según el obituario de Ball en The New York Times: “Fue un evento nacional importante cuando, el 19 de enero de 1953, Lucy Ricardo dio a luz a Little Ricky en el aire la misma noche que Lucille Ball dio a luz a su segundo hijo, Desiderio Alberto Arnaz y de Acha 4to. La audiencia para el episodio se estimó en 44 millones, un récord en ese momento, y CBS dijo que 1 millón de televidentes respondieron con llamadas telefónicas de felicitación, telegramas, cartas o regalos “.
El éxito de I Love Lucy convirtió a la compañía de producción de la pareja, Desilu, en un negocio multimillonario. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, y su colaboración profesional también terminó. Arnaz murió en 1986. Ball también protagonizó varios otros programas de “Lucy”, incluyendo The Lucy Show, que se estrenó en 1962 y funcionó durante seis temporadas, y Here’s Lucy, en la que protagonizó con sus dos hijos; el programa se canceló en 1974. Un programa posterior, Life with Lucy, con Lucy como abuela, se canceló después de solo ocho episodios en 1986. Ball murió a los 77 años el 26 de abril de 1989. En 2001, el Servicio Postal de los Estados Unidos la honró con un sello conmemorativo.
En cada película, en cada acto de cabaret, en sus sketches televisivos, en sus presentaciones en concierto, sin un vaso de whiskey y un cigarrillo era dificil de reconocer a Dean Martin. Su imagen despreocupada que sujetaba una leve sonrisa exponía a un hombre bajo un leve efecto de alcohol… o no?
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Dean Martin, un suave y apuesto hijo de italianos, tenía un agudo ingenio y una atrevida presencia en el escenario que lo convirtió en uno de los artistas más respetados de Las Vegas durante casi cuatro décadas.
Nacido en Steubenville, Ohio, en 1917, Dino Paul Crocetti trabajó brevemente como crupier de blackjack en un casino ilegal. Allí, en los momentos libres, le permitían subr al escenario para contar algunos chistes e interpretar algunas canciones. En 1946, se asoció con el joven cómico Jerry Lewis para formar uno de los mejores actos de comedia musical de todos los tiempos, apareciendo en clubes nocturnos, películas y programas de radio y televisión. El dúo se clasificó como uno de los actos más populares de Las Vegas hasta que Martin, cansado del papel, se hizo a un lado en 1956 para seguir una carrera en solitario. La división duraría hasta que la pareja se reuniera brevemente más de veinte años después del teletón del fin de semana del Día del Trabajo que Lewis organizaba para la Asociación de Distrofia Muscular, y una vez más para un espectáculo en el cumpleaños de Martin en 1989.
Como solista, Martin abrió en The Sands en 1957. Su estilo relajado y fácil y su manera astuta con una balada consolidaron su estatus como uno de los artistas más populares de la ciudad del pecado. Pronto, firmó un contrato de cinco años con Sands. Martin demostró ser un cómico de primera categoría por derecho propio, y sus shows en solitario en el Copacabana siempre presentaban a una bailarina que llevaba un carrito de bebidas repleto de bourbon y botellas de whisky. “Ya no bebo, y no bebo menos”, anunciaría Martin, aunque su consumo de alcohol aparentemente excesivo fue visto más como un accesorio que como una realidad.
En su libro “Dean y Yo”, Jerry Lewis señala que Martin lucía siempre borracho, pero el nunca lo había visto mas que con un vaso de jugo de manzanas
En 1960, Martin apareció con sus amigos Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford para los legendarios espectáculos conocidos como “Summit at the Sands”. Aunque bien ensayados, estos shows de “Rat Pack” fueron aparentemente de forma improvisada.
Los payasos continuaron con el Rat Pack trabajando dos shows por noche mientras filmaban películas como Oceans 11 durante el día. A menudo se retiraban al salón para la fiesta posterior al espectáculo y, en más de una ocasión, simplemente Martin se retiraba a descansar, ya que gracias a su incondicional amistad con Sinatra, era el énico de se animaba a decirle no a La Voz.
La era de Rat Pack terminó con Sinatra rompiendo con Lawford sobre las relaciones con John F. Kennedy; El matrimonio de Lawford con la hermana del presidente estaba en problemas, y Kennedy se distanció de Sinatra por las controversias que rodeaban al cantante, incluidas sus supuestas conexiones con la mafia.
Otro factor en la desaparición de Rat Pack fue el cambio en la propiedad de Sands, con Howard Hughes asumiendo el control e imponiendo restricciones en su presupuesto y comportamiento. Sinatra se marchó en 1968, se mudó al Caesars Palace, y en 1969 Martin firmó un contrato de $ 200,000 por semana con el Riviera Hotel, donde era copropietario y consultor de entretenimiento. También tuvo ganancias provenientes de películas y televisión: filmó cuatro películas de espía cómicas “Matt Helm” y lanzó su propio programa de variedades NBC semanal. Martin también firmó un contrato a largo plazo para jugar en el Celebrity Room de 1,200 asientos en el MGM Grand Hotel en 1973.
En una entrevista de tv, una de las hijas de Martin señaló que nunca había visto a su padre borracho. Su actuación de borracho querible se había mantenido durante su carrera.
Sin embargo, en la década de 1980, la vida de Martin comenzó a tomar giros trágicos. Sus riñones comenzaron a fallar y, en 1987, se produjo un desastre cuando su hijo, Dean Paul, murió en un accidente aéreo de la Guardia Nacional Aérea de California. Martin perdió rápidamente su entusiasmo por la vida.
Culminando su enfermedad renal, se saltó la mayor parte de una gira de reunión de concierto con Sinatra y Davis, pero continuó trabajando en el MGM (para entonces renombrado como Bally) con resultados cada vez menores. Se veía demacrado y apenas reconocible. Fue en ese entonces, que casi recluido en su hogar, comenzó a tratar de ahogar el recuerdo de la muerte de su hijo en alcohol.
Martin hizo su última aparición en Las Vegas en 1990 y murió el día de Navidad de 1995. Sin embargo, dejó un legado de ser uno de los artistas más célebres para adornar un escenario, en Las Vegas o en cualquier otro lugar. Los hoteles de Las Vegas Strip atenuaron sus luces en su honor, y en 2005, una parte de Industrial Road, al oeste de Strip, pasó a llamarse Dean Martin Drive.
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Dean Martin era el tipo más agradable del mundo. Era una estrella de cine, tenía un exitoso programa de televisión, era el rey de los clubes nocturnos y era la mitad del equipo de comedia más popular en la historia del mundo del espectáculo junto a Jerry Lewis. Los discos de Dean se vendieron por millones, pero su mayor alegría en la vida fue jugar golf. Dean era un hombre muy complicado, aunque parecía ser muy simple.
No habló inglés hasta que tenía cinco años. Dean Martin creció en una familia muy italiana y nunca habló ni una palabra de Inglés hasta que cumplió cinco años. Era boy scout. Sí, Dean Martin, el chico malo, el bebedor, el hombre de las damas, era, de hecho, un boy scout. Era el baterista de la banda local de boy scouts en Estados Unidos. Steubenville, Ohio. En el pasado fue boxeador amateur. Peleando bajo el nombre de “Kid Crotchet”, Dean fue considerado un muy buen boxeador de peso welter. Su récord, según una fuente, fue de 24 victorias y 6 derrotas en 30 combates. En esos años, él y un amigo organizaban peleas en la habitación de su hotel y le ordenaban a la gente que vigilara. Supuestamente, a menudo luchaban hasta que uno de los combatientes eliminaba al otro. Cambió su nombre dos veces. Dean fue bautizado como Dino Paul Crocetti. Al entrar en el negocio del espectáculo, cambió su nombre a Dino Martini, debido a que había un popular cantante Nino Martini, Dean cambió su nombre nuevamente, esta vez por Dean Martin. Odiaba las películas de Martin y Lewis. Aunque Dean apareció en 16 películas muy divertidas con su compañero de comedia, Jerry Lewis, Dean dijo que siempre “odiaba” a Martin y Películas de Lewis. “Eran películas de Jerry Lewis”, dijo, “jugué a un idiota en cada uno”. Le encantaban sus cómics. Dean nunca fue un gran lector, pero le encantaban sus revistas de historietas. Demasiado avergonzado de comprarlos para sí mismo, hacía que Jerry los comprara para él. Jerry los entregaba a Dean en privado, luego Dean iría a su camerino o a algún lugar privado y los disfrutaría. Solo leyó un libro en toda su vida. Dean admitió que el único libro que había leído en su vida era Belleza Negra, de Anna Sewell.
Aunque pareciera mentira, Martin odiaba las fiestas. Aunque tenía la imagen de un playboy y amante de la noche, Dean siempre odiaba las fiestas. “Era tímido”, dijo con franqueza. Otra vez, Dean dijo: “Me avergonzaba la forma en que hablaba”.
Una vez, la esposa de Dean, Jeannie, estaba haciendo una fiesta en la mansión de la pareja en Beverly Hills. Como de costumbre, Dean se retiró a su habitación para ver televisión. A medida que la fiesta se hacía más fuerte, Dean llamó a la policía local, dijo que era un vecino y afirmó que había una fiesta ruidosa en la casa de Dean Martin y que la policía debía ir y hacer que se calmen. La policía se presentó y la fiesta se disolvió debido a la llamada anónima de Dean. En 1968, Dean firmó el contrato más grande en la historia del negocio del espectáculo.
Firmó un contrato de tres años por $ 34 millones para hacer tres temporadas más de su exitosa serie The Dean Martin Show. Pero este fue un contrato muy particular, ya que Dean odiaba ensayar, no tendría que presentarse en toda la semana para ensayar las situaciones de comedia del espectáculo. Un suplente se hacía cargo del papel de Dean en los ensayos, mientras que Dean jugaba al golf de lunes a jueves. Revisaba sus líneas durante la semana, pero sobre todo jugaba al golf. Luego, el viernes, se presentaba y grababa el programa. Siempre decía sus oraciones.
Sorprendentemente, quizás debido a su reputación de “chico malo”, Dean era un devoto católico que recitaba sus oraciones todas las noches antes de irse a la cama. Tenía un caso grave de claustrofobia. A Dean le aterrorizaban los espacios cerrados. Casi siempre se negaba a utilizar ascensores (“es como un ataúd allí”, dijo).
Se dice que Dean una vez caminó 18 tramos de escaleras para evitar subir en el ascensor.
En un día como hoy en 1998, el legendario cantante, actor e ícono del espectáculo Frank Sinatra muere de un ataque al corazón en Los Ángeles, a la edad de 82 años.
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Sinatra surgió de una familia italoamericana en Hoboken, Nueva Jersey, para convertirse en la primera superestrella moderna de la música popular, con una carrera que abarcó más de cinco décadas. En la primera etapa de su carrera como cantante, fue un maestro de las baladas románticas populares durante la Segunda Guerra Mundial. Después de que su atractivo comenzara a decaer a fines de la década de 1940, Sinatra se reinventó a sí mismo como un swinger suave con un estilo de canto más áspero y cansado del mundo, y comenzó una reaparición espectacular en la década de 1950.
Además de su gran éxito musical, Sinatra apareció en 58 películas; Uno de sus primeros años fue Anchors Aweigh (1945). Interpretando a un arrogante soldado italiano-estadounidense que se encuentra con una muerte violenta en From Here to Eternity (1953), coprotagonizada por Burt Lancaster y Montgomery Clift, Sinatra ganó un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto. Su carrera cinematográfica floreció después de eso, cuando interpretó a Nathan Detroit en la película musical Guys and Dolls (1955) y interpretó a un adicto a la heroína en The Man With the Golden Arm (1955), por la cual fue nominado al Oscar al Mejor Actor. . También protagonizó los musicales High Society (1956) y Pal Joey (1957) y realizó una actuación memorable como investigador del Ejército en la aclamada película The Manchurian Candidate (1962).
A fines de la década de 1950, Sinatra se había convertido en el epítome del éxito del mundo del espectáculo y la masculinidad ruda y glamorosa. Incluso dirigió su propio séquito, conocido como Rat Pack, que incluía a Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop. El grupo se formó originalmente alrededor de Humphrey Bogart, quien murió en 1957. El Rat Pack apareció por primera vez juntos en la pantalla grande en el casino de 1960, el Ocean’s Eleven. Continuaron para hacer el sargento Tres (1962), Cuatro para Texas (1963) y Robin y las Siete Campanas (1964). En la pantalla y en la vida real, los famosos terrenos donde pisaba el Pack incluían Las Vegas, Los Ángeles y Nueva York (en particular, el famoso Club Copacabana).
Sinatra trabajó de manera constante en el cine a lo largo de la década de 1960, aunque muchas de sus actuaciones parecían casi superficiales. Su último papel importante en Hollywood llegó en 1980, “The First Deadly Sin”. Un famoso rompecorazones, Sinatra se casó cuatro veces, se divorció de su novia Nancy Barbato después de una década y tres hijos (Nancy, Frank Jr. y Christina) para casarse con la actriz Ava Gardner en 1951.
Su matrimonio duró menos de dos años, y en 1966 Sinatra se casó con la actriz de 21 años Mia Farrow, 30 años menor que él; se divorciaron en 1968. En 1976, se casó con Barbara Blakely Marx (la ex esposa de Zeppo Marx), y permanecieron juntos hasta su muerte.
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Nacido el 12 de diciembre de 1915, en un departamento de Hoboken, Nueva Jersey, Francis Albert Sinatra era azul y no respiraba cuando lo sacaron de su madre con un fórceps. Se pensó que estaba muerto, el bebé fue puesto en el mostrador de la cocina mientras el médico atendía a su madre. Su abuela recogió al recién nacido, lo metió bajo un poco de agua fría y el pequeño Frank sollozó su primera canción.
Las pinzas (fórceps) dejaron su marca en el lado izquierdo de la cara de Sinatra, en forma de una cicatriz que corría desde la esquina de su boca hasta la línea de su mandíbula. En su adolescencia, fue apodado “Scarface”. También sufrió un mal caso de acné adolescente, que dejó sus mejillas picadas. Tímido por su apariencia cuando era adulto, Sinatra a menudo aplicaba maquillaje para ocultar las cicatrices. Incluso con eso, odiaba ser fotografiado en su lado izquierdo. Las inseguridades físicas no terminaron ahí. Sinatra también usó zapatos de elevador para aumentar su estatura a dos o tres pulgadas mas.
La imagen del niño malo de Sinatra comenzó con su infame foto de 1938. ¿La prueba? En una discoteca, uno de sus novias atacó a su futura esposa, Nancy, y luego arrestaron a Frank dos veces, una por seducir a una menor (que finalmente no lo era) y otra vez por adulterio.
En la década de 1940, Frank, o Frankie, como se le conocía, se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes de Estados Unidos. No le quitó nada a su asombrosa voz y su capacidad para excitar a las multitudes femeninas, pero la locura del bobbysoxer que él incitó (así se llama porque los fanáticos de la escuela usaban calcetines bobby de estilo de escuela católica, rodados hasta los tobillos) tuvieron un poco de ayuda. El publicista de Sinatra, George Evans, audicionó a las chicas por lo fuerte que podían gritar, luego les pagó cinco dólares y las colocó estratégicamente en la audiencia para ayudar a estimular la emoción.
En 1945, Sinatra hizo un cortometraje, The House I Live In, que habló en contra del antisemitismo y la intolerancia racial. Irónicamente, una década más tarde, su inclinación liberal lo marcó como simpatizante comunista durante los juicios de Joseph McCarthy. Sinatra nunca testificó, pero fue más fácil para su creciente archivo del FBI. Ese archivo del FBI fue iniciado por J. Edgar Hoover, unos años más tarde, después de que un oyente de radio escribiera a la Oficina, diciendo: “El otro día activé un programa de Frank Sinatra y pensé en lo fácil que sería para los fabricantes con cierta mentalidad para crear otro Hitler aquí en América a través de la influencia de la histeria de masas “. Sinatra también había sido investigado por el FBI por haber pagado a los médicos 40,000 dólares para declararlo inútil para servir en los fuerzas armadas.
En 1946, el lanzamiento debut de Sinatra, The Voice of Frank Sinatra, ayudó a introducir tanto el álbum conceptual como el conjunto de discos en cajas (varios discos en una colección). En un momento en que los discos de larga duración aún eran novedosos, Sinatra emitió un conjunto de discos de 78 rpm con ocho canciones, todas con un tema de amores perdidos. Se vendió por una considerable cantidad de $ 2.50 (el equivalente a unos $ 30 en la actualidad). Pero el precio no impidió que encabezara las listas durante siete semanas. Dos años más tarde, se convirtió en uno de los primeros LP de vinilo de música pop de 10 “. Sinatra más tarde haría álbumes de concepto clásico como Only The Lonely e In The Wee Small Hours para Capitol Records.
La estrella de Frank cayó con fuerza a principios de los cincuenta. Estaba tan bajo en la consideración de los productores musiclaes y de filmes, que incluso intentó suicidarse. Caminando por Times Square, vio multitudes de chicas esperando para entrar en un concierto con el nuevo cantante Eddie Fisher. Sintiéndose deprimido, Sinatra volvió a su apartamento, apoyó la cabeza en la estufa y encendió el gas. Por suerte, su manager lo encontró a tiempo, tendido en el suelo, sollozando. Sinatra realizó otros tres intentos de suicidio, todos ellos en medio de su inestable relación con la actriz Ava Gardner.
Con sus amigos Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford, Sinatra dirigió a la pandilla de Las Vegas conocida como el Rat Pack. El nombre fue acuñado por la actriz Lauren Bacall años antes para describir un círculo de bebedores de Hollywood que incluía a su entonces esposo Humphrey Bogart y Sinatra. Los muchachos en el Rat Pack en realidad se referían a sí mismos con un nombre diferente: The Summit, jugando en una reunión cumbre de 1960 en París entre los principales líderes mundiales.
James Bond tiene sus martinis, agitados no revueltos. Y para Ol ‘Blue Eyes (Viejos ojos azules), el cóctel de elección fue una mezcla de cuatro cubitos de hielo, dos dedos del whisky de Jack Daniel’s y un chorrito de agua. “Esta es una bebida de caballeros”, dijo una vez. Y si quieres sostener la bebida como Frank, no toques el borde. Tápalo en tu mano, aislado por una servilleta de cóctel.
Sinatra en realidad tuvo dos éxitos llamados “Nueva York, Nueva York”. El primero fue en 1949, de la película On the Town, y fue escrito por Leonard Bernstein, Adolph Green y Betty Comden. Treinta años después, Sinatra interpretó su versión de “New York, New York”, de John Kander y Fred Ebb. Originalmente de la banda de sonido de la película New York, New York de Martin Scorsese. Sinatra la convirtió en una de las más importantes de su repertorio.
El 2 de Febrero de 1996, el bailarín, cantante, actor y coreógrafo Gene Kelly muere a la edad de 83 años, en su casa de Beverly Hills, California.
Nacido en Pittsburgh en 1912, Kelly se graduó con un título en economía de la Universidad de Pittsburgh durante la Gran Depresión. Con escasos empleos, él trabajaba en una escuela de baile, en parte propiedad de su madre, quien había insistido en que todos sus cinco hijos tomaran clases de música y danzas durante su infancia. Para obtener ingresos extra, formó un acto de baile con su hermano Fred, actuando en clubes nocturnos locales y producciones teatrales. En 1938, Kelly decidió probar suerte en la ciudad de Nueva York. Obtuvo su primer trabajo en Broadway en el coro de Leave It to Me, protagonizada por Mary Martin.
Inmediatamente después de su primer gran éxito en Broadway, en My Pal Joey, Kelly se dirigió a Hollywood, después de haber firmado un contrato exclusivo con el productor David O. Selznick. Selznick prestó rápidamente a Kelly a Metro-Goldwyn-Mayer, un estudio más conocido en ese momento por sus musicales de películas a gran escala. MGM puso a Kelly en su primera película, For Me and My Gal (1942), coprotagonizada por Judy Garland, y pronto compró su contrato a Selznick. Dos años más tarde, el estudio lo prestó a Columbia Pictures para que fuera coreógrafo y coprotagonista en Cover Girl, compartiendo pantalla con una Rita Hayworth, entonces desconocida. Esta película fue el primer gran éxito de Kelly en la pantalla grande y su primera colaboración con el director y coreógrafo Stanley Donen. Cover Girl presentó una secuencia innovadora en la que Kelly baila con su “alter ego”, otra imagen de sí mismo filmada por separado y combinada en una sola tira de película.
Kelly continuó su camino en el mundo del cine en su próximo gran éxito, Anchors Aweigh (1945), realizando una rutina de baile con el ratón animado Jerry de la popular serie de dibujos animados de Tom y Jerry. La secuencia de ocho minutos le costó a MGM $ 100,000 y tomó dos meses para filmar, pero se celebró como un momento de gran avance en el cine por su combinación de acción en vivo y material de archivo animado. Después de servir en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Kelly regresó a la pantalla de plata con The Pirate de 1948, nuevamente junto a Judy Garland. También hizo dos películas más con Frank Sinatra (su coprotagonista de Anchors Aweigh), incluido el éxito On the Town, que Kelly dirigió y coreografió con Donen.
En 1951, Kelly encabezó An American en París, que ganó ocho premios de la Academia, incluyendo Mejor Película. Kelly recibió un Oscar especial, en honor a su “extrema versatilidad como actor, cantante, director y bailarín, pero específicamente por su brillante logro en el arte de la coreografía”. En la cima de su carrera, Kelly consolidó su estatus icónico con Su trabajo en lo que fue posiblemente la última gran película musical, Singin’ in the Rain (1952). La película presentó una de las escenas más memorables de la historia del cine: Kelly bailando y cantando sola en la calle durante un aguacero, con solo su paraguas como soporte.
A medida que la popularidad de las películas musicales de gran presupuesto disminuía, las películas de Kelly durante la década de 1950 –Brandadoon (1954), It´s Always Fair Weather (1955) y Les Girls (1957) – alcanzaron diversos grados de éxito. Kelly y Donen se pelearon después de trabajar juntos en su última película, It´s Always Fair Weather, en parte por razones personales: la esposa de Kelly y Donen, Jeanne Coyne, se enamoró y se casó en 1960 (Kelly estaba casado con la actriz Betsy Blair). Kelly trabajó en otros proyectos destinados a elevar el perfil de la danza moderna, como Invitación a la danza sin diálogo en 1956 y un especial de televisión de la NBC, Dancing is a Men´s Game. También coreografió para el ballet en París y San Francisco.
Después de que Jeanne Coyne murió de leucemia en 1973, Kelly se centró en proyectos que lo mantendrían cerca de Los Ángeles, donde estaba criando a sus dos hijos. Al final de su carrera, continuó haciendo apariciones en películas y dirigiendo las películas ocasionalmente, como ¡Hello, Dolly! (1969). El último papel de Kelly en la pantalla grande fue en el kitsch Xanadu (1980), en el que realizó una rutina de baile en patines.
Joseph Levitch, nacido en Newark, estado de New Jersey el 16 de marzo del año 1926, dejó de existir hoy por la mañana en su hogar en Las Vegas, Nevada.
Jerry Lewis, el cómico que se convirtió en una sensación de la cultura pop con su asociación con Dean Martin para luego transformarse en un cineasta autor de clásicos como “The Nutty Professor” y “The Bellboy”, murió en Las Vegas. Tenía 91 años.
Lewis murió en su casa en Las Vegas alrededor de las 9:15 a.m. hoy por la mañana, según confirmó su agente.
Durante la mayor parte de su carrera, Lewis era una figura complicada y a veces polarizadora. Un genio cómico innegable, persiguió una visión singular y ordenó una rara cantidad de control creativo sobre su trabajo con Paramount Pictures y otros estudios. Su legado también incluye más de $ 2.5 mil millones recaudados para la Asociación de Distrofias Musculares a través del telethon anual del Día del Trabajo que él hizo un ritual del final de verano por décadas hasta que él fue relevado del trabajo que recibía en 2011.
Pero la marca registrada del humor de Lewis no siempre se portó bien para el o su bolsillo a medida que cambiaban los tiempos y las actitudes. Su reputación se agrió ligeramente cuando se vio obligado a disculparse por hacer una insinuación gay en la cámara durante el teleton de 2007, siguió haciendo bromas racistas y misóginas, y no vaciló en compartir sus opiniones políticas, a veces un tanto controversiales.
Además de sus películas más famosas, Lewis también apareció en una serie de obras cinematográficas notables, como “El rey de la comedia” de Martin Scorsese, pero fue en gran medida fuera de la pantalla en sus últimos años, que lo encontró más activo con su teletón y los esfuerzos filantrópicos. Ya en 2016, Lewis continuó actuando en Las Vegas, donde debutó por primera vez en su comedia en 1949.
El pico más alto de sus habilidades cómicas fue celebrado en Francia – recibió la Legión de Honor en 1983 -. Mucho después de que el estilo de comedia de Lewis cayó de moda. Su película final, “Max Rose”, fue proyectada en el Festival de Cine de Cannes en 2013.
Su separación con Martin en el año 1956 después de 10 años como dúo fue acrimoniosa. Esa interacción de Lewis con Martin, con su detractora de improvisación y chicanas físicas, fue un éxito instantáneo en 1946. Cuando el productor Hal Wallis los vio realizar la rutina en el Copacabana y en el Slapsie Maxie en Hollywood, vio el potencial de unos nuevos Bob Hope y Bing Crosby Y les hizo firmar un contrato.
Durante los siguientes 10 años, Martin y Lewis filmaron “My Friend Irma” en 1949 y como “The Caddy”, “La marioneta”, “Los artistas y modelos” y “Juntos ante el peligro.” Ninguna de Sus películas recaudó menos de $ 5 millones, una suma más que interesante en esos días.
En el momento de su ruptura, Martin ya tenía una próspera carrera como actor y cantante. Y pronto Lewis, tuvo que lanzarse en soledad.
Poco después de la ruptura, Lewis desarrolló un personaje más sofisticado y continuaría presentándose en Las Vegas hasta el año 2016.
“The Delicate Delinquent” y “Rock-a-Bye Baby”. Lewis incluso tuvo un disco simple que le redituó millones de ventas con la canción “Rock-a-Bye Your Baby”.
En 1976, después de 20 años sin hablarse, se produjo el emotivo reencuentro entre los ex colegas y amigos, durante la emisión del Teletón anual de Jerry Lewis, cuando Frank Sinatra, amigo de ambos, llevó como invitado sorpresa a Dean Martin.
Lewis continuó con sus obras de caridad y algunas apariciones en comedias. También prestó su voz para el programa de dibujos animados Los Simpson.
¿Por qué tenemos segundos nombres?
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Pocas cosas desconciertan más a los futuros padres que elegir el nombre correcto para su hijo, y el segundo nombre no es una excepción. Debe tener seriedad y alegría de vivir, y marcar la pauta para toda una vida de repetición en los formularios oficiales. Pero, ¿de qué sirve un segundo nombre?
La tradición moderna de insertar un segundo nombre (o dos) en el apodo de un niño probablemente comenzó en la Edad Media, cuando los padres daban a los bebés un nombre personalizado y el nombre de un santo como segundo nombre, seguido de un apellido. A mediados del siglo XIX, esta costumbre europea empezó a llegar a Estados Unidos, traída por inmigrantes, y empezó a adquirir un nuevo significado. Los segundos nombres inspirados en santos a veces eran reemplazados por segundos nombres no religiosos, como el apellido de soltera materna, y cuando comenzó la Guerra Civil en 1861, los segundos nombres se daban exclusivamente a discreción de los padres: cualquier nombre de su agrado era un juego limpio. – y a menudo eran de naturaleza aspiracional, con dos o tres segundos nombres. Después de todo, un nombre ficticio como Peter Aurelius Oliver Smith tiene un poco más de peso que el simple y simple Pete Smith, ¿no es así?
La idea de un segundo nombre se afianzó en los EE. UU. y, con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial en 1914, los formularios de alistamiento oficiales se convirtieron en los primeros documentos gubernamentales en solicitar el segundo nombre de los solicitantes. Los segundos nombres eran tan comunes que cuando las computadoras comenzaron a usarse rutinariamente para documentos de ciudadanos estadounidenses, fueron programadas para reconocer tres nombres. No dos. O cuatro. Solo tres. Si no se ingresaba un segundo nombre, el programa insertaría automáticamente NMI, que era una abreviatura militar de “sin inicial del segundo nombre”.
¿Y para aquellos que no tienen segundo nombre, y mucho menos inicial? La invención es la clave del éxito. Para Joanne Kathleen Rowling, más conocida como J.K. Rowling, autora de la serie de Harry Potter, el segundo nombre “Kathleen” es un afecto ficticio que aparece como por arte de magia.
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Julio 8, 2024
Cohen
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Mickey Cohen, uno de los jefes de la mafia más extravagantes de la época dorada de los gánsteres estadounidenses, gobernó el inframundo de Los Ángeles con mano de hierro durante las décadas de 1940 y 1950, todo mientras salía con actrices y reinas del burlesque, socializaba con amigos famosos como Frank Sinatra, y hasta pararse a firmar autógrafos en la calle
Mientras tanto, Cohen era un elegante vestidor famoso por su colección de 200 trajes hechos a mano, y cuando su casa fue bombardeada por un gángster rival en 1950, la mayor queja de Cohen fue que alrededor de 40 de sus preciosos trajes habían sido destruidos.
Y Cohen no sólo parecía un gángster rico y poderoso: se apoderó de prácticamente toda la ciudad pieza por pieza con astucia y brutalidad despiadadas. En el apogeo de sus poderes, Cohen intervino en todo, desde el juego y las drogas hasta la prostitución y la pornografía. También fue pionero en la relación lucrativa entre la mafia y los sindicatos, chantajeó a políticos y policías con la ayuda de editores de chismes e incluso ayudó a un joven advenedizo político llamado Richard Nixon a ser elegido por primera vez para el Congreso.
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La Lucille
Lucille Desiree Ball, una de las pelirrojas más queridas del mundo del espectáculo de los Estados Unidos, nace el 6 de agosto de 1911 cerca de Jamestown, Nueva York.
A los 15 años, Ball fue a la ciudad de Nueva York para asistir a la escuela de teatro y convertirse en actriz. Sin embargo, recibió poco aliento y fue rechazada varias veces por las líneas de coro de Broadway. Después de trabajar como camarera y trabajar como modelo de sombreros, Ball fue contratada en 1933 como la chica de cigarrillos de Chesterfield. Alrededor de este tiempo, ella comenzó a interpretar papeles en películas de Hollywood. Pasó a papeles principales en docenas de películas B a fines de la década de 1930 y 1940. En 1940, Ball conoció al líder de la banda cubana Desi Arnaz mientras filmaba Too Many Girls y la pareja pronto se fugó.
[ezcol_1half]De 1947 a 1951, Ball interpretó a una esposa tonta en el programa de radio My Favorite Husband (Mi Esposo Favorito). Cuando CBS decidió lanzar la popular serie en el relativamente nuevo medio de televisión, Lucy insistió en que Arnaz fuera elegida como su esposo en la versión para televisión. Los ejecutivos de la red inicialmente discutieron contra la idea, argumentando que nadie creería que la pareja estaba casada. Sin embargo, Ball y Arnaz finalmente fueron elegidos como Lucy y Ricky Ricardo en I Love Lucy, que se emitió de 1951 a 1957 y se convirtió en una de las comedias de televisión más populares de la historia. Ella era Lucy Ricardo es la loca esposa del director de banda cubano Ricky Ricardo.
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Según el obituario de Ball en The New York Times: “Fue un evento nacional importante cuando, el 19 de enero de 1953, Lucy Ricardo dio a luz a Little Ricky en el aire la misma noche que Lucille Ball dio a luz a su segundo hijo, Desiderio Alberto Arnaz y de Acha 4to. La audiencia para el episodio se estimó en 44 millones, un récord en ese momento, y CBS dijo que 1 millón de televidentes respondieron con llamadas telefónicas de felicitación, telegramas, cartas o regalos “.
El éxito de I Love Lucy convirtió a la compañía de producción de la pareja, Desilu, en un negocio multimillonario. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, y su colaboración profesional también terminó. Arnaz murió en 1986. Ball también protagonizó varios otros programas de “Lucy”, incluyendo The Lucy Show, que se estrenó en 1962 y funcionó durante seis temporadas, y Here’s Lucy, en la que protagonizó con sus dos hijos; el programa se canceló en 1974. Un programa posterior, Life with Lucy, con Lucy como abuela, se canceló después de solo ocho episodios en 1986. Ball murió a los 77 años el 26 de abril de 1989. En 2001, el Servicio Postal de los Estados Unidos la honró con un sello conmemorativo.
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Agosto 6, 2019
Dino y el mito del borracho simpático
En cada película, en cada acto de cabaret, en sus sketches televisivos, en sus presentaciones en concierto, sin un vaso de whiskey y un cigarrillo era dificil de reconocer a Dean Martin. Su imagen despreocupada que sujetaba una leve sonrisa exponía a un hombre bajo un leve efecto de alcohol… o no?
[ezcol_1half]Dean Martin, un suave y apuesto hijo de italianos, tenía un agudo ingenio y una atrevida presencia en el escenario que lo convirtió en uno de los artistas más respetados de Las Vegas durante casi cuatro décadas.
Nacido en Steubenville, Ohio, en 1917, Dino Paul Crocetti trabajó brevemente como crupier de blackjack en un casino ilegal. Allí, en los momentos libres, le permitían subr al escenario para contar algunos chistes e interpretar algunas canciones. En 1946, se asoció con el joven cómico Jerry Lewis para formar uno de los mejores actos de comedia musical de todos los tiempos, apareciendo en clubes nocturnos, películas y programas de radio y televisión. El dúo se clasificó como uno de los actos más populares de Las Vegas hasta que Martin, cansado del papel, se hizo a un lado en 1956 para seguir una carrera en solitario. La división duraría hasta que la pareja se reuniera brevemente más de veinte años después del teletón del fin de semana del Día del Trabajo que Lewis organizaba para la Asociación de Distrofia Muscular, y una vez más para un espectáculo en el cumpleaños de Martin en 1989.
Como solista, Martin abrió en The Sands en 1957. Su estilo relajado y fácil y su manera astuta con una balada consolidaron su estatus como uno de los artistas más populares de la ciudad del pecado. Pronto, firmó un contrato de cinco años con Sands. Martin demostró ser un cómico de primera categoría por derecho propio, y sus shows en solitario en el Copacabana siempre presentaban a una bailarina que llevaba un carrito de bebidas repleto de bourbon y botellas de whisky. “Ya no bebo, y no bebo menos”, anunciaría Martin, aunque su consumo de alcohol aparentemente excesivo fue visto más como un accesorio que como una realidad.
En 1960, Martin apareció con sus amigos Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford para los legendarios espectáculos conocidos como “Summit at the Sands”. Aunque bien ensayados, estos shows de “Rat Pack” fueron aparentemente de forma improvisada.
Los payasos continuaron con el Rat Pack trabajando dos shows por noche mientras filmaban películas como Oceans 11 durante el día. A menudo se retiraban al salón para la fiesta posterior al espectáculo y, en más de una ocasión, simplemente Martin se retiraba a descansar, ya que gracias a su incondicional amistad con Sinatra, era el énico de se animaba a decirle no a La Voz.
La era de Rat Pack terminó con Sinatra rompiendo con Lawford sobre las relaciones con John F. Kennedy; El matrimonio de Lawford con la hermana del presidente estaba en problemas, y Kennedy se distanció de Sinatra por las controversias que rodeaban al cantante, incluidas sus supuestas conexiones con la mafia.
Otro factor en la desaparición de Rat Pack fue el cambio en la propiedad de Sands, con Howard Hughes asumiendo el control e imponiendo restricciones en su presupuesto y comportamiento. Sinatra se marchó en 1968, se mudó al Caesars Palace, y en 1969 Martin firmó un contrato de $ 200,000 por semana con el Riviera Hotel, donde era copropietario y consultor de entretenimiento. También tuvo ganancias provenientes de películas y televisión: filmó cuatro películas de espía cómicas “Matt Helm” y lanzó su propio programa de variedades NBC semanal. Martin también firmó un contrato a largo plazo para jugar en el Celebrity Room de 1,200 asientos en el MGM Grand Hotel en 1973.
Sin embargo, en la década de 1980, la vida de Martin comenzó a tomar giros trágicos. Sus riñones comenzaron a fallar y, en 1987, se produjo un desastre cuando su hijo, Dean Paul, murió en un accidente aéreo de la Guardia Nacional Aérea de California. Martin perdió rápidamente su entusiasmo por la vida.
Culminando su enfermedad renal, se saltó la mayor parte de una gira de reunión de concierto con Sinatra y Davis, pero continuó trabajando en el MGM (para entonces renombrado como Bally) con resultados cada vez menores. Se veía demacrado y apenas reconocible. Fue en ese entonces, que casi recluido en su hogar, comenzó a tratar de ahogar el recuerdo de la muerte de su hijo en alcohol.
Martin hizo su última aparición en Las Vegas en 1990 y murió el día de Navidad de 1995. Sin embargo, dejó un legado de ser uno de los artistas más célebres para adornar un escenario, en Las Vegas o en cualquier otro lugar. Los hoteles de Las Vegas Strip atenuaron sus luces en su honor, y en 2005, una parte de Industrial Road, al oeste de Strip, pasó a llamarse Dean Martin Drive.
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Dean Martin era el tipo más agradable del mundo. Era una estrella de cine, tenía un exitoso programa de televisión, era el rey de los clubes nocturnos y era la mitad del equipo de comedia más popular en la historia del mundo del espectáculo junto a Jerry Lewis. Los discos de Dean se vendieron por millones, pero su mayor alegría en la vida fue jugar golf. Dean era un hombre muy complicado, aunque parecía ser muy simple.
No habló inglés hasta que tenía cinco años. Dean Martin creció en una familia muy italiana y nunca habló ni una palabra de Inglés hasta que cumplió cinco años. Era boy scout. Sí, Dean Martin, el chico malo, el bebedor, el hombre de las damas, era, de hecho, un boy scout. Era el baterista de la banda local de boy scouts en Estados Unidos. Steubenville, Ohio. En el pasado fue boxeador amateur. Peleando bajo el nombre de “Kid Crotchet”, Dean fue considerado un muy buen boxeador de peso welter. Su récord, según una fuente, fue de 24 victorias y 6 derrotas en 30 combates. En esos años, él y un amigo organizaban peleas en la habitación de su hotel y le ordenaban a la gente que vigilara. Supuestamente, a menudo luchaban hasta que uno de los combatientes eliminaba al otro. Cambió su nombre dos veces. Dean fue bautizado como Dino Paul Crocetti. Al entrar en el negocio del espectáculo, cambió su nombre a Dino Martini, debido a que había un popular cantante Nino Martini, Dean cambió su nombre nuevamente, esta vez por Dean Martin. Odiaba las películas de Martin y Lewis. Aunque Dean apareció en 16 películas muy divertidas con su compañero de comedia, Jerry Lewis, Dean dijo que siempre “odiaba” a Martin y Películas de Lewis. “Eran películas de Jerry Lewis”, dijo, “jugué a un idiota en cada uno”. Le encantaban sus cómics. Dean nunca fue un gran lector, pero le encantaban sus revistas de historietas. Demasiado avergonzado de comprarlos para sí mismo, hacía que Jerry los comprara para él. Jerry los entregaba a Dean en privado, luego Dean iría a su camerino o a algún lugar privado y los disfrutaría. Solo leyó un libro en toda su vida. Dean admitió que el único libro que había leído en su vida era Belleza Negra, de Anna Sewell.
Aunque pareciera mentira, Martin odiaba las fiestas. Aunque tenía la imagen de un playboy y amante de la noche, Dean siempre odiaba las fiestas. “Era tímido”, dijo con franqueza. Otra vez, Dean dijo: “Me avergonzaba la forma en que hablaba”.
Una vez, la esposa de Dean, Jeannie, estaba haciendo una fiesta en la mansión de la pareja en Beverly Hills. Como de costumbre, Dean se retiró a su habitación para ver televisión. A medida que la fiesta se hacía más fuerte, Dean llamó a la policía local, dijo que era un vecino y afirmó que había una fiesta ruidosa en la casa de Dean Martin y que la policía debía ir y hacer que se calmen. La policía se presentó y la fiesta se disolvió debido a la llamada anónima de Dean. En 1968, Dean firmó el contrato más grande en la historia del negocio del espectáculo.
Firmó un contrato de tres años por $ 34 millones para hacer tres temporadas más de su exitosa serie The Dean Martin Show. Pero este fue un contrato muy particular, ya que Dean odiaba ensayar, no tendría que presentarse en toda la semana para ensayar las situaciones de comedia del espectáculo. Un suplente se hacía cargo del papel de Dean en los ensayos, mientras que Dean jugaba al golf de lunes a jueves. Revisaba sus líneas durante la semana, pero sobre todo jugaba al golf. Luego, el viernes, se presentaba y grababa el programa. Siempre decía sus oraciones.
Sorprendentemente, quizás debido a su reputación de “chico malo”, Dean era un devoto católico que recitaba sus oraciones todas las noches antes de irse a la cama. Tenía un caso grave de claustrofobia. A Dean le aterrorizaban los espacios cerrados. Casi siempre se negaba a utilizar ascensores (“es como un ataúd allí”, dijo).
Se dice que Dean una vez caminó 18 tramos de escaleras para evitar subir en el ascensor.
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Mayo 15, 2019
Hace 21 años se silenciaba La Voz
En un día como hoy en 1998, el legendario cantante, actor e ícono del espectáculo Frank Sinatra muere de un ataque al corazón en Los Ángeles, a la edad de 82 años.
[ezcol_2fifth]Sinatra surgió de una familia italoamericana en Hoboken, Nueva Jersey, para convertirse en la primera superestrella moderna de la música popular, con una carrera que abarcó más de cinco décadas. En la primera etapa de su carrera como cantante, fue un maestro de las baladas románticas populares durante la Segunda Guerra Mundial. Después de que su atractivo comenzara a decaer a fines de la década de 1940, Sinatra se reinventó a sí mismo como un swinger suave con un estilo de canto más áspero y cansado del mundo, y comenzó una reaparición espectacular en la década de 1950.
Además de su gran éxito musical, Sinatra apareció en 58 películas; Uno de sus primeros años fue Anchors Aweigh (1945). Interpretando a un arrogante soldado italiano-estadounidense que se encuentra con una muerte violenta en From Here to Eternity (1953), coprotagonizada por Burt Lancaster y Montgomery Clift, Sinatra ganó un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto. Su carrera cinematográfica floreció después de eso, cuando interpretó a Nathan Detroit en la película musical Guys and Dolls (1955) y interpretó a un adicto a la heroína en The Man With the Golden Arm (1955), por la cual fue nominado al Oscar al Mejor Actor. . También protagonizó los musicales High Society (1956) y Pal Joey (1957) y realizó una actuación memorable como investigador del Ejército en la aclamada película The Manchurian Candidate (1962).
A fines de la década de 1950, Sinatra se había convertido en el epítome del éxito del mundo del espectáculo y la masculinidad ruda y glamorosa. Incluso dirigió su propio séquito, conocido como Rat Pack, que incluía a Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop. El grupo se formó originalmente alrededor de Humphrey Bogart, quien murió en 1957. El Rat Pack apareció por primera vez juntos en la pantalla grande en el casino de 1960, el Ocean’s Eleven. Continuaron para hacer el sargento Tres (1962), Cuatro para Texas (1963) y Robin y las Siete Campanas (1964). En la pantalla y en la vida real, los famosos terrenos donde pisaba el Pack incluían Las Vegas, Los Ángeles y Nueva York (en particular, el famoso Club Copacabana).
Sinatra trabajó de manera constante en el cine a lo largo de la década de 1960, aunque muchas de sus actuaciones parecían casi superficiales. Su último papel importante en Hollywood llegó en 1980, “The First Deadly Sin”. Un famoso rompecorazones, Sinatra se casó cuatro veces, se divorció de su novia Nancy Barbato después de una década y tres hijos (Nancy, Frank Jr. y Christina) para casarse con la actriz Ava Gardner en 1951.
Su matrimonio duró menos de dos años, y en 1966 Sinatra se casó con la actriz de 21 años Mia Farrow, 30 años menor que él; se divorciaron en 1968. En 1976, se casó con Barbara Blakely Marx (la ex esposa de Zeppo Marx), y permanecieron juntos hasta su muerte.
[/ezcol_2fifth] [ezcol_3fifth_end]Nacido el 12 de diciembre de 1915, en un departamento de Hoboken, Nueva Jersey, Francis Albert Sinatra era azul y no respiraba cuando lo sacaron de su madre con un fórceps. Se pensó que estaba muerto, el bebé fue puesto en el mostrador de la cocina mientras el médico atendía a su madre. Su abuela recogió al recién nacido, lo metió bajo un poco de agua fría y el pequeño Frank sollozó su primera canción.
Las pinzas (fórceps) dejaron su marca en el lado izquierdo de la cara de Sinatra, en forma de una cicatriz que corría desde la esquina de su boca hasta la línea de su mandíbula. En su adolescencia, fue apodado “Scarface”. También sufrió un mal caso de acné adolescente, que dejó sus mejillas picadas. Tímido por su apariencia cuando era adulto, Sinatra a menudo aplicaba maquillaje para ocultar las cicatrices. Incluso con eso, odiaba ser fotografiado en su lado izquierdo. Las inseguridades físicas no terminaron ahí. Sinatra también usó zapatos de elevador para aumentar su estatura a dos o tres pulgadas mas.
La imagen del niño malo de Sinatra comenzó con su infame foto de 1938. ¿La prueba? En una discoteca, uno de sus novias atacó a su futura esposa, Nancy, y luego arrestaron a Frank dos veces, una por seducir a una menor (que finalmente no lo era) y otra vez por adulterio.
En la década de 1940, Frank, o Frankie, como se le conocía, se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes de Estados Unidos. No le quitó nada a su asombrosa voz y su capacidad para excitar a las multitudes femeninas, pero la locura del bobbysoxer que él incitó (así se llama porque los fanáticos de la escuela usaban calcetines bobby de estilo de escuela católica, rodados hasta los tobillos) tuvieron un poco de ayuda. El publicista de Sinatra, George Evans, audicionó a las chicas por lo fuerte que podían gritar, luego les pagó cinco dólares y las colocó estratégicamente en la audiencia para ayudar a estimular la emoción.
En 1945, Sinatra hizo un cortometraje, The House I Live In, que habló en contra del antisemitismo y la intolerancia racial. Irónicamente, una década más tarde, su inclinación liberal lo marcó como simpatizante comunista durante los juicios de Joseph McCarthy. Sinatra nunca testificó, pero fue más fácil para su creciente archivo del FBI. Ese archivo del FBI fue iniciado por J. Edgar Hoover, unos años más tarde, después de que un oyente de radio escribiera a la Oficina, diciendo: “El otro día activé un programa de Frank Sinatra y pensé en lo fácil que sería para los fabricantes con cierta mentalidad para crear otro Hitler aquí en América a través de la influencia de la histeria de masas “. Sinatra también había sido investigado por el FBI por haber pagado a los médicos 40,000 dólares para declararlo inútil para servir en los fuerzas armadas.
En 1946, el lanzamiento debut de Sinatra, The Voice of Frank Sinatra, ayudó a introducir tanto el álbum conceptual como el conjunto de discos en cajas (varios discos en una colección). En un momento en que los discos de larga duración aún eran novedosos, Sinatra emitió un conjunto de discos de 78 rpm con ocho canciones, todas con un tema de amores perdidos. Se vendió por una considerable cantidad de $ 2.50 (el equivalente a unos $ 30 en la actualidad). Pero el precio no impidió que encabezara las listas durante siete semanas. Dos años más tarde, se convirtió en uno de los primeros LP de vinilo de música pop de 10 “. Sinatra más tarde haría álbumes de concepto clásico como Only The Lonely e In The Wee Small Hours para Capitol Records.
La estrella de Frank cayó con fuerza a principios de los cincuenta. Estaba tan bajo en la consideración de los productores musiclaes y de filmes, que incluso intentó suicidarse. Caminando por Times Square, vio multitudes de chicas esperando para entrar en un concierto con el nuevo cantante Eddie Fisher. Sintiéndose deprimido, Sinatra volvió a su apartamento, apoyó la cabeza en la estufa y encendió el gas. Por suerte, su manager lo encontró a tiempo, tendido en el suelo, sollozando. Sinatra realizó otros tres intentos de suicidio, todos ellos en medio de su inestable relación con la actriz Ava Gardner.
Con sus amigos Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford, Sinatra dirigió a la pandilla de Las Vegas conocida como el Rat Pack. El nombre fue acuñado por la actriz Lauren Bacall años antes para describir un círculo de bebedores de Hollywood que incluía a su entonces esposo Humphrey Bogart y Sinatra. Los muchachos en el Rat Pack en realidad se referían a sí mismos con un nombre diferente: The Summit, jugando en una reunión cumbre de 1960 en París entre los principales líderes mundiales.
James Bond tiene sus martinis, agitados no revueltos. Y para Ol ‘Blue Eyes (Viejos ojos azules), el cóctel de elección fue una mezcla de cuatro cubitos de hielo, dos dedos del whisky de Jack Daniel’s y un chorrito de agua. “Esta es una bebida de caballeros”, dijo una vez. Y si quieres sostener la bebida como Frank, no toques el borde. Tápalo en tu mano, aislado por una servilleta de cóctel.
Sinatra en realidad tuvo dos éxitos llamados “Nueva York, Nueva York”. El primero fue en 1949, de la película On the Town, y fue escrito por Leonard Bernstein, Adolph Green y Betty Comden. Treinta años después, Sinatra interpretó su versión de “New York, New York”, de John Kander y Fred Ebb. Originalmente de la banda de sonido de la película New York, New York de Martin Scorsese. Sinatra la convirtió en una de las más importantes de su repertorio.
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Mayo 14, 2019
EUGENE CURRAN KELLY
El 2 de Febrero de 1996, el bailarín, cantante, actor y coreógrafo Gene Kelly muere a la edad de 83 años, en su casa de Beverly Hills, California.
Nacido en Pittsburgh en 1912, Kelly se graduó con un título en economía de la Universidad de Pittsburgh durante la Gran Depresión. Con escasos empleos, él trabajaba en una escuela de baile, en parte propiedad de su madre, quien había insistido en que todos sus cinco hijos tomaran clases de música y danzas durante su infancia. Para obtener ingresos extra, formó un acto de baile con su hermano Fred, actuando en clubes nocturnos locales y producciones teatrales. En 1938, Kelly decidió probar suerte en la ciudad de Nueva York. Obtuvo su primer trabajo en Broadway en el coro de Leave It to Me, protagonizada por Mary Martin.
Inmediatamente después de su primer gran éxito en Broadway, en My Pal Joey, Kelly se dirigió a Hollywood, después de haber firmado un contrato exclusivo con el productor David O. Selznick. Selznick prestó rápidamente a Kelly a Metro-Goldwyn-Mayer, un estudio más conocido en ese momento por sus musicales de películas a gran escala. MGM puso a Kelly en su primera película, For Me and My Gal (1942), coprotagonizada por Judy Garland, y pronto compró su contrato a Selznick. Dos años más tarde, el estudio lo prestó a Columbia Pictures para que fuera coreógrafo y coprotagonista en Cover Girl, compartiendo pantalla con una Rita Hayworth, entonces desconocida. Esta película fue el primer gran éxito de Kelly en la pantalla grande y su primera colaboración con el director y coreógrafo Stanley Donen. Cover Girl presentó una secuencia innovadora en la que Kelly baila con su “alter ego”, otra imagen de sí mismo filmada por separado y combinada en una sola tira de película.
Kelly continuó su camino en el mundo del cine en su próximo gran éxito, Anchors Aweigh (1945), realizando una rutina de baile con el ratón animado Jerry de la popular serie de dibujos animados de Tom y Jerry. La secuencia de ocho minutos le costó a MGM $ 100,000 y tomó dos meses para filmar, pero se celebró como un momento de gran avance en el cine por su combinación de acción en vivo y material de archivo animado. Después de servir en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Kelly regresó a la pantalla de plata con The Pirate de 1948, nuevamente junto a Judy Garland. También hizo dos películas más con Frank Sinatra (su coprotagonista de Anchors Aweigh), incluido el éxito On the Town, que Kelly dirigió y coreografió con Donen.
En 1951, Kelly encabezó An American en París, que ganó ocho premios de la Academia, incluyendo Mejor Película. Kelly recibió un Oscar especial, en honor a su “extrema versatilidad como actor, cantante, director y bailarín, pero específicamente por su brillante logro en el arte de la coreografía”. En la cima de su carrera, Kelly consolidó su estatus icónico con Su trabajo en lo que fue posiblemente la última gran película musical, Singin’ in the Rain (1952). La película presentó una de las escenas más memorables de la historia del cine: Kelly bailando y cantando sola en la calle durante un aguacero, con solo su paraguas como soporte.
A medida que la popularidad de las películas musicales de gran presupuesto disminuía, las películas de Kelly durante la década de 1950 –Brandadoon (1954), It´s Always Fair Weather (1955) y Les Girls (1957) – alcanzaron diversos grados de éxito. Kelly y Donen se pelearon después de trabajar juntos en su última película, It´s Always Fair Weather, en parte por razones personales: la esposa de Kelly y Donen, Jeanne Coyne, se enamoró y se casó en 1960 (Kelly estaba casado con la actriz Betsy Blair). Kelly trabajó en otros proyectos destinados a elevar el perfil de la danza moderna, como Invitación a la danza sin diálogo en 1956 y un especial de televisión de la NBC, Dancing is a Men´s Game. También coreografió para el ballet en París y San Francisco.
Después de que Jeanne Coyne murió de leucemia en 1973, Kelly se centró en proyectos que lo mantendrían cerca de Los Ángeles, donde estaba criando a sus dos hijos. Al final de su carrera, continuó haciendo apariciones en películas y dirigiendo las películas ocasionalmente, como ¡Hello, Dolly! (1969). El último papel de Kelly en la pantalla grande fue en el kitsch Xanadu (1980), en el que realizó una rutina de baile en patines.
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Febrero 1, 2019
A MI MANERA
¡Que tiempos aquellos!
Soy del tiempo del prejuicio y la abstinencia
cuando era un atentado a su virtud
el desearlas con pasión y con vehemencia.
Pagábamos por sexo sin amor.
Soy del tiempo en que el día del debut
se recuerda con nostalgia y con vergüenza
pues sin haber penetrado su matriz
nos corríamos en mano de ramera.
Soy del tiempo del rubor y del recato.
Soy del tiempo en que ellas recibían
con vergüenza el cumplido de los machos
mientras gentiles su asiento le cedían
en el tranvía de la línea 34.
Soy del tiempo del bolero y la franela
cuando ellas percibían en el pubis
la dureza viril de su pareja.
Soy de un tiempo que jamás ya volverá,
que quizá esta juventud no lo comprenda,
y hasta habrá muchos que de él se burlarán
pero yo, la he vivido a mi manera.
Autor anónimo (conocido)
Desafío: Quién es la pluma escondida detrás de esta poesía?
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Marzo 12, 2018
Joseph Levitch, nacido en Newark, estado de New Jersey el 16 de marzo del año 1926, dejó de existir hoy por la mañana en su hogar en Las Vegas, Nevada.
Jerry Lewis, el cómico que se convirtió en una sensación de la cultura pop con su asociación con Dean Martin para luego transformarse en un cineasta autor de clásicos como “The Nutty Professor” y “The Bellboy”, murió en Las Vegas. Tenía 91 años.
Lewis murió en su casa en Las Vegas alrededor de las 9:15 a.m. hoy por la mañana, según confirmó su agente.
Durante la mayor parte de su carrera, Lewis era una figura complicada y a veces polarizadora. Un genio cómico innegable, persiguió una visión singular y ordenó una rara cantidad de control creativo sobre su trabajo con Paramount Pictures y otros estudios. Su legado también incluye más de $ 2.5 mil millones recaudados para la Asociación de Distrofias Musculares a través del telethon anual del Día del Trabajo que él hizo un ritual del final de verano por décadas hasta que él fue relevado del trabajo que recibía en 2011.
Pero la marca registrada del humor de Lewis no siempre se portó bien para el o su bolsillo a medida que cambiaban los tiempos y las actitudes. Su reputación se agrió ligeramente cuando se vio obligado a disculparse por hacer una insinuación gay en la cámara durante el teleton de 2007, siguió haciendo bromas racistas y misóginas, y no vaciló en compartir sus opiniones políticas, a veces un tanto controversiales.
Además de sus películas más famosas, Lewis también apareció en una serie de obras cinematográficas notables, como “El rey de la comedia” de Martin Scorsese, pero fue en gran medida fuera de la pantalla en sus últimos años, que lo encontró más activo con su teletón y los esfuerzos filantrópicos. Ya en 2016, Lewis continuó actuando en Las Vegas, donde debutó por primera vez en su comedia en 1949.
El pico más alto de sus habilidades cómicas fue celebrado en Francia – recibió la Legión de Honor en 1983 -. Mucho después de que el estilo de comedia de Lewis cayó de moda. Su película final, “Max Rose”, fue proyectada en el Festival de Cine de Cannes en 2013.
Su separación con Martin en el año 1956 después de 10 años como dúo fue acrimoniosa. Esa interacción de Lewis con Martin, con su detractora de improvisación y chicanas físicas, fue un éxito instantáneo en 1946. Cuando el productor Hal Wallis los vio realizar la rutina en el Copacabana y en el Slapsie Maxie en Hollywood, vio el potencial de unos nuevos Bob Hope y Bing Crosby Y les hizo firmar un contrato.
Durante los siguientes 10 años, Martin y Lewis filmaron “My Friend Irma” en 1949 y como “The Caddy”, “La marioneta”, “Los artistas y modelos” y “Juntos ante el peligro.” Ninguna de Sus películas recaudó menos de $ 5 millones, una suma más que interesante en esos días.
En el momento de su ruptura, Martin ya tenía una próspera carrera como actor y cantante. Y pronto Lewis, tuvo que lanzarse en soledad.
Poco después de la ruptura, Lewis desarrolló un personaje más sofisticado y continuaría presentándose en Las Vegas hasta el año 2016.
“The Delicate Delinquent” y “Rock-a-Bye Baby”. Lewis incluso tuvo un disco simple que le redituó millones de ventas con la canción “Rock-a-Bye Your Baby”.
En 1976, después de 20 años sin hablarse, se produjo el emotivo reencuentro entre los ex colegas y amigos, durante la emisión del Teletón anual de Jerry Lewis, cuando Frank Sinatra, amigo de ambos, llevó como invitado sorpresa a Dean Martin.
Lewis continuó con sus obras de caridad y algunas apariciones en comedias. También prestó su voz para el programa de dibujos animados Los Simpson.
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Agosto 20, 2017