A fines de setiembre de 2024, recibí un llamado del señor Juan Britos desde la ciudad de Lambaré, Paraguay. Si bien es cierto que resido en Paraguay desde 1995, también es cierto que algunos lugares como Lambaré, no conocía.
El señor: padre de un ex alumno graduado de mi Escuela de Música y de la Licenciatura en Música de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Nacional de Asunción, había ideado un proyecto de crear una Orquesta infanto-juvenil comenzando por la preparación de los niños a través de una Camerata. La idea me pareció muy válida e hicimos cita para que me pasara a buscar por la ciudad de San Lorenzo donde resido y donde mi Escuela de Música tiene su sede central, un sábado por la tarde. En el trayecto hacia el barrio de Villa Angélica de Lambaré me expuso su idea, anhelos y proyectos. Al llegar al lugar, extremadamente sencillo me encontré con un grupo de más de 20 niños sentaditos ordenadamente, con ojitos ansiosos. Había también padres, madres, responsables del lugar y un par de concejales que me recibieron muy amablemente. Después de hablar unos minutos comenzó el trabajo con los niños y al término del encuentro las caritas estaban sonrojadas, alegres y sonrientes y algunos vinieron a abrazarme. Habían marchado, saltado, corrido, cantado con movimientos rítmicos y se les entregaron algunos dulces al final. Todos estaban muy contentos. Quedamos en reunirnos el siguiente sábado.
Así comenzó un trabajo encarnizado musical y social para los niños de San Rafael, Puerto Pabla y Villa Angélica, barrios de la ciudad de Lambaré, Paraguay. La evolución era evidente y los niños asistían secundados por sus padres cada sábado. Muy pronto comenzaron a manifestarse los talentos en el teclado (que nos prestaban). Entonces tuve la idea de invitarlos a participar del Concierto de clausura de mi Escuela de Música reconocida por el Ministerio de Educación y Cultura del Paraguay desde 1995. Para que la mayoría pudiera asistir y participar tuve la idea de crear la Orquesta de Cartón. Si, con cartones de huevos, finales de rollos de papel higiénico y cocina y cajas que yo buscaba en el supermercado que se convirtieron en cajas peruanas, tambores, elementos para los cantos, sonajeros e instrumentos de percusión. Para que el sonido fuera mucho más presente, pinté cada cartón con tempera de colores. Los niños en su algarabía nunca vieron cartones, sino instrumentos que por primera vez tenían en sus manos y se manifestaban con gran alegra. Ni un solo cartón fue destruido, lo utilizaban y los volvían a poner en su lugar. Y así llegó el gran día de nuestro concierto.
ANDANTE
El 16 de noviembre de 2024, los niños de San Rafael, Puerto Pabla y Villa Angélica de la ciudad de Lambaré, Paraguay pisaron por primera vez el Auditorio de la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay. Yo había colocado sus instrumentos en cada silla y al tenerlos en sus manos se sintieron “en casa”. Todos estaban preciosamente arreglados y todos vinieron a abrazarme con cariño. La presentación de los que pudieron interpretar al piano y el grupo completo fue impecable. Toda la Orquesta de Cartón interpretó la Marcha Radetsky de J. Strauss en la bonita versión de la Orquesta de André Rieu (a quien jamás he podido contactar para que les envíe un saludo a los niños)
Al final fueron largamente ovacionados y la alegría de todos esos niños es indescriptible y mágico.
Entonces se presentó la Directora de la Orquesta Sinfónica Nacional y nos dijo allí delante de toda la audiencia que, por el maravilloso trabajo realizado nos regalaba un piano para que los niños pudieran seguir sus avances musicales. Mi emoción era tan intensa que no pude contener las lágrimas. Todos aplaudían a rabiar y todos nos marchamos felices e ilusionados por los acontecimientos vividos, esperando recibir tan magnífico e inesperado regalo.
POST LUDIO
El 10 de diciembre de 2024 estuve presente en el auditorio de la Orquesta Sinfónica Nacional para recibir dicho regalo prometido. Cuando estaba ya el acto casi comenzado (porque eran cinco pianos en total destinados también a otras instituciones), apareció inopinadamente un personaje que me presentaron rápido como el intendente de Lambaré. La persona no saludó ni se presentó por tanto hasta el día de hoy desconozco quién es. Cuando me llamaron para la entrega, esta persona se levanta y se coloca a mi lado. Pensé que era un gesto de amabilidad y por tanto para la foto, sonreí. Entonces nos dijeron que nos pongamos de pie detrás de cada piano. La persona en cuestión se colocó a mi lado y eso ya no me cayó tan bien. Entonces de manera brusca e insolente me dice: “tiene que darme ese documento porque este piano es para la Municipalidad de Lambaré!”. Yo respondo al toque: ”NO!, disculpe este piano es para los niños del Proyecto Camerata Infanto-Juvenil de Lambaré y nos fue otorgado en este mismo salón el 16 de noviembre”. No entregué la carpeta y la tuve entre mis manos hasta que nos llamaron para firmar la entrega. Ahí me dijeron que “no se ´podía entregar a una institución privada y que tenía que ir a la Municipalidad para que de allí nos entregaran para usufructo de los niños”. El personaje evidentemente de pocas luces y menos educación se manifestó con una sonrisa socarrona y tuvimos un intercambio de palabras que sería largo enumerar. El caso es que delante de toda la gente que se encontraba en el salón, este personaje impresentable desapareció con el piano de los niños sin dejar un agradecimiento, un saludo, una palabra que corrobore lo que me habían dicho. ¡Nada!
Como imaginan el piano nunca fue entregado a sus verdaderos dueños. El piano que nos “regalaron” fue arbitrariamente sustraído y utilizado políticamente como un “logro” del intendente que NUNCA hizo nada a favor de los niños. Se lo invitó al Concierto y brilló por su ausencia. JAMAS fue a ver como trabajamos y a llevar algo a los niños.¡ NADA!
Cuando les expliqué a los niños lo sucedido, bajaron sus cabecitas doblegados por la tristeza, Vi lágrimas en algunos ojitos. Vi tristeza en otros. Vi desilusión en las caras de los padres. Acá se violaron los derechos de esos niños a recibir un precioso regalo que sin lugar a dudas hubieran utilizado para poder manifestarse musicalmente como solo ellos saben hacerlo
Así es que seguimos con nuestra Orquesta de Cartón. Como eso es desechable nadie va a querer apropiarse y los niños se preparan para emocionar al público con sus Villancicos y sus instrumentos de cartón.
Lo importante es que vamos a honrar y alabar a un Niño que al nacer cambió al mundo en un antes y un después y que seguramente se alegrará de escuchar a niños tan pobres como ÉL cantándole con alegría porque como dice el Villancico “El tamborilero,”… “somos pobres también y solo tenemos un viejo tambor” e instrumentos de cartón…
NOTA:
Si algún lector generoso desea ayudar de alguna manera para que podamos comprar instrumentos o enviar instrumentos como violines, guitarras, contrabajos, cellos, flautas, oboes, violas, cuadernos de papel pentagramado, lápices, borradores, lápices de colores, marcadores y mucho más por favor se ponen en contacto conmigo, que soy la Directora General del Proyecto. Les dejo mi correo electrónico porque aún ni una cuenta tenemos para envíos de dinero o pueden enviar a través de Western Unión. Me escriben a mi correo y les doy todas las coordenadas. ¡Gracias sinceras!
macisnerosrueda@gmail.com
En nombre de los niños que conforman la Camerata Infanto-Juvenil de Lambaré y en el mío propio les deseamos a todos
Un escándalo se desató en la Asamblea Nacional de Ecuador luego de que se presentara en uno de sus salones un grupo de bailarinas de tecnocumbia.
En redes sociales se viralizó un video en el que se ve a la agrupación dando su exhibición e incluso a otras dos personas bailando detrás de las bailarinas, cuestión que recibió duras críticas de la ciudadanía, obligando al Parlamento a aclarar lo sucedido.
La Asamblea Nacional, en su comunicado, responsabilizó de este hecho al legislador Hernán Zapata, de la bancada oficialista Acción Democrática Nacional (ADN), movimiento del presidente de la República, Daniel Noboa.
Según el Parlamento, el asambleísta organizó el evento “en reconocimiento a los maestros artesanos en la rama de la belleza, peluquería y cosmetología”.
No obstante, señaló que “en ningún momento” el parlamentario informó a la Administración de la Asamblea que participaría un grupo de tecnocumbia; por tanto, indicó que desde las instancias competentes, el Parlamento “analizará esta conducta” y “se adoptarán los correctivos del caso”.
Desde la bancada ADN emitieron un comunicado en el que señalan que el evento tuvo como “único objetivo” reconocer el invaluable aporte de los maestros artesanos, pero reconocen que el ‘show’ del grupo de tecnocumbia “no estaba contemplado en la agenda inicialmente aprobada”.
Por su parte, Zapata, en otro comunicado, asumió su “responsabilidad” por lo ocurrido. “Lamento profundamente la alteración del género musical aprobado para este acto (…) Si bien la tecnocumbia es una expresión cultural relevante, este momento no formaba parte del enfoque original del homenaje”, dijo.
La cantante transgénero Mina Caputo, exintegrante de la banda de metal alternativo Life of Agony, decidió destransicionar “por completo” y volverá a ser un hombre, después de más de una década de haberse declarado mujer.
La artista estadounidense, que cambiará su nombre nuevamente a Keith Caputo, dio a conocer la noticia la semana pasada a través de un video de 13 minutos que publicó en su cuenta de Instagram*. Asegura que ha estado sin hormonas desde hace “6 o 7 años” y que tiene programada una cirugía para el próximo enero con el fin de remover sus “senos falsos”. “Estaré físicamente destransicionada por completo en el 2025. No puedo esperar. Me siento tan libre”, dijo.
Mina, que cumplirá 51 años el próximo mes, afirma que se curó de la disforia de género (conocida antes como ‘trastorno de identidad de género’) que ha sufrido “durante más de 40 años”. “No le desearía la disforia de género ni a mi peor enemigo. Es una de las cosas más incómodas por las que he pasado en mi vida, y estoy muy feliz de que se haya acabado”, manifestó.
Caputo comenzó su transición a mujer en el 2008 y se declaró públicamente transgénero en el 2011. Hizo su debut como Mina en su álbum solista del 2013, ‘As Much Truth As One Can Bear’. En el 2016, en medio de las grabaciones con Life of Agony del disco ‘A Place Where There’s No More Pain’, decidió detener los tratamientos hormonales. “El hecho de que me haya involucrado con lo femenino no me convirtió en una mujer biológica, nunca. Nunca. Y nunca lo seré. Puedo tener todo el maquillaje, todas las cirugías”, comenta en su video.
La miembro fundador y exlíder de Life of Agony señala que decidió hacer pública la grabación hablando de su identidad sexual en respuesta a comentarios de varios de sus seguidores sobre su apariencia. “Estoy haciendo este video porque mucha gente me está criticando y diciendo que me veo fea y que parezco un hombre y toda esa mierda. Y es como, cariño, soy un hombre. Siempre he sido un hombre. No estás acostumbrado a oír hablar a gente auténtica. Estás acostumbrado a que la gente te escupa mentiras sobre su identidad”, explicó.
Por otro lado, Mina expresó su rechazo a la “transición médica y especialmente quirúrgica de los niños”, y a los tratamientos con hormonas, sustancias que calificó de “repugnantes”. “Ni siquiera puedo empezar a contarles cuántos efectos secundarios sufrí […] Sé lo que las hormonas le hacen al cuerpo. Sé lo que me hicieron a mí. Castraron mi alma. No solo te castran físicamente, sino mental, espiritual, emocional e intelectualmente […] Cuando salí del armario por primera vez, pensé que iba a ser libre. Al final, te enjaulas con eso”, aseveró.
A los cuatro años, Ludwig von Beethoven aprendió a tocar el piano con su padre alcohólico. Se ganó la reputación de virtuoso cuando se mudó a Viena a los 22 años. Alrededor de los 28 años, su audición comenzó a declinar. La sordera progresó y se convirtió en total cuando tenía 44 años.
Beethoven no dejó de componer ni siquiera cuando estaba perdiendo la audición. Encontró formas de sortear su discapacidad y la aprovechó al máximo. Aprendió a sentir las notas musicales detectando las vibraciones del piano. Se ponía un lápiz en la boca y usaba el otro extremo para tocar la caja de resonancia mientras componía. Cortó las patas del piano para sentir las vibraciones del sonido en el suelo.
Escribió su famosa Novena Sinfonía completamente sordo. En su estreno, Beethoven insistió en dirigir la pieza. El público estalló en estruendosos aplausos al final.
Por desgracia, Beethoven no escuchó nada.
“No estaba dirigiendo. Había un verdadero director y Beethoven estaba allí arriba moviendo las manos como si estuviera dirigiendo. (La orquesta recibió instrucciones de ignorarlo). Cuando la orquesta terminó, Beethoven estaba varios compases por detrás. Alguien se acercó y lo giró para que viera al público que aplaudía atronadoramente. No se puede dirigir cuando no se puede escuchar la música. Es la razón por la que Beethoven dejó de tocar el piano. Lo asombroso es que compuso esas obras maestras “escuchándolas” solo en su mente… ¡Qué genio!”
Vienen dos a la mente inmediatamente, una se lanzó técnicamente en 1969, lo que la convierte en una canción de los años sesenta. Pero recibió una difusión significativa en los años 70 y fue particularmente popular entre las tropas estacionadas en Vietnam.
“Fortunate Son” de Credence Clearwater Revival. En realidad, trata sobre el reclutamiento durante la guerra de Vietnam. Es decir, la letra hace referencia a ciertos jóvenes físicamente aptos en edad de reclutamiento cuyas familias son ricas o tienen conexiones políticas y que aparentemente están exentos de manera extraoficial. El cantante John Fogerty fue un veterano de la era de Vietnam. Y su sencillo de 1970, “Run Through The Jungle”, fue una referencia un poco más obvia a Vietnam.
[…“No soy yo, no soy yo, no soy el hijo de ningún millonario, no, no, no soy yo, no soy yo, no soy el hijo de ningún senador, no, no soy yo, no soy yo, no soy un afortunado, no, no”…]
“What’s Going On” (1971) de Marvin Gaye (1939 – 1984) que en realidad trataba de lo mismo. Solo que en lugar de centrarse en la cantidad desproporcionada de jóvenes empobrecidos que eran reclutados, se centra en la cantidad desproporcionada de negros que eran reclutados. En 1967, los estadounidenses negros representaban solo el 11% de la población de Estados Unidos, pero los negros representaban el 16,3% de todos los reclutas. Los soldados negros también representaban el 23% de las tropas de combate de Vietnam, en comparación con el 11% de la población civil. Así que claramente había algo sucediendo.
[“Madre, madre, sois demasiados los que lloráis. Hermano, hermano, hermano. Sois demasiados los que estáis muriendo. Sabéis que tenemos que encontrar una manera de traer algo de amor aquí hoy, sí”…]
Así que ambas canciones hablaban de la situación desastrosa que se vivía con el reclutamiento durante la guerra de Vietnam. La moraleja es que, si eras pobre, estabas jodido. Si eras pobre y negro, estabas doblemente jodido y con una cereza encima. Y a todos aquellos que se quejan de que las “minorías” están “sobrerrepresentadas” en los medios, solo recordad lo sobrerrepresentados que estaban realmente los negros en Vietnam.
Una fuerte ola de críticas hacia la ópera ‘Sancta’, clasificada para mayores de edad y llena de audaces advertencias, se estrenó el sábado en la Ópera de Stuttgart.
La ópera se basa en la obra del compositor Paul Hindemith, que fue incluida en el repertorio de la entidad cultural un siglo después de que su creador afrontara una fuerte indignación por el texto del fruto de su imaginación, tachado de “blasfemo”.
Sin embargo, después de las dos primeras actuaciones, el servicio de visitantes tuvo que atender a un total de 18 personas, algunas de las cuales tenían náuseas, mientras que en tres casos fue necesario llamar a un médico, según Sebastian Ebling, el portavoz oficial de la obra.
Los actos sexuales explícitos, escenas de amor lésbico, representaciones de abuso sexual y la ridiculización de ritos cristianos encabezan la lista de desencadenantes que tiene que afrontar su público.
Sin embargo, la entidad cultural recomienda el espectáculo a un público que “busca atrevidamente nuevas experiencias teatrales”, ya que, según Ebling, además del uso de algunos medios teatrales, el arte escénico “no es falso sino real”.
A pesar de las quejas por parte del público, Ebling aseguró que las cinco veladas previstas no serán canceladas, y expresó que confía en que la mayoría de los asistentes eran conscientes “en lo que se metían”.
Antes de Stuttgart, la producción se realizó en Schwerin, “con entradas agotadas”, donde no se registró ninguna emergencia médica.
El decano de Stuttgart, Christian Hermes, lanzó muy duras críticas hacia la ópera y afirmó que la obra representa “ingenuos, por no decir cursi, sueños sexuales-espirituales de redención”.
“Los involucrados y visitantes son llevados brutalmente hasta y más allá de los límites de lo estética y psicológicamente tolerable, se violan obscenamente los sentimientos religiosos […] y se juega deliberadamente con la salud mental de las personas”, comentó Hermes, sumándose así a algunos internautas que tacharon la opera de “degeneración” y “escoria”.
Esta noche en la ciudad portuaria de Gdansk, Polonia, en la costa del Mar Báltico se llevará a cabo un Concierto multitudinario donde miles de personas recibirán un tratamiento de Musicoterapia social a la manera de las Heterofonías de los albores de la humanidad cuando todo el pueblo se reunía para dar rienda suelta a las manifestaciones emocionales que de alguna manera no habían podido expresar en la vida cotidiana.
En efecto, esta noche se presenta la Orquesta Johann Strauss, con numerosas obras musicales y solistas destacados, dirigidos por el célebre violinista holandés André Rieu. Estos conciertos multitudinarios son presentados a lo largo y a lo ancho del mundo desde Israel hasta Japón y desde Canadá hasta la Argentina. En general la orquesta se produce una o dos veces e incluso han llegado a programarse hasta seis conciertos en una misma ciudad debido al interés enorme que suscitan y la calidad interpretativa tanto de la orquesta en sí, como de sus solistas y de su talentoso Director.
Todo comenzó a mediados de 1987 cuando André Rieu reunió a cerca de 12 músicos y comenzaron los ensayos para hacer su primera presentación en enero de 1988. El trabajo musical se basa en la interpretación de valses vieneses, de ahí su denominación de “Rey del vals”, pero con el correr del tiempo se han ido incluyendo músicas de películas, folklóricas, románticas, góspel, actuales y pop.
Este talentoso Director de Orquesta, incluye en sus presentaciones a cantantes, instrumentistas, niños, célebres intérpretes, grupos musicales, artistas que son muy apreciados en sus países, patinadores y bailarines sin manifestar jamás ningún tipo de discriminación de sexo, religión, color de piel o proveniencia- El solo requisito para actuar con la orquesta es ser excelente en lo que se presenta. La orquesta realiza sus en sayos en la ciudad de Maastricht, Holanda, donde el señor Rieu nació hace casi 75 años. La orquesta fue sumando músicos hasta el número de 60 y luego 75 y actualmente se compone de más de 100 instrumentistas, coro y solistas. Entre sus cantantes actuales se encuentra la joven y talentosísima Emma Kok, también originaria de Maastricht y que padece una rara enfermedad denominada gastroparesia*. La joven de 16 años se ha convertido en la estrella fulgurante del elenco y las muestras de entusiasmo a su entrada al escenario son verdaderamente apoteósicas. El Maestro Rieu, dueño de un carisma innegable y de un dominio de su instrumento absoluto, preconiza la importancia de la multiculturalidad entre sus músicos y su filosofía de trabajo es:
Andre Rieu
” Si venimos de diferentes culturas y trabajamos unidos el resultado es magnífico. Si así se trabajara en los países, la paz reinaría en el mundo”.
Sus conciertos de Vrijthof y de Navidad en Maastricht son un fenómeno musical poco igualado en el mundo sonoro, aún por los más grandes artistas de la juventud actual. Su discografía alcanza más de 40 millones de discos vendidos y sus presentaciones se repiten por millones en Youtube y en los cines de todo el mundo.
Pero porqué lo he dado en llamar “Musicoterapia social”? porque estos magníficos conciertos logran causar en sus oyentes expresiones espontáneas de emoción , lágrimas, estados amorosos, bailes, cantos, alegría desbordante, declaraciones de amor , gritos de júbilo, movimientos corporales, acompañamiento de los cantos que se suceden en el escenario, y expresiones de sorpresa. Los asistentes de estos conciertos multitudinarios conservan largamente en sus oídos los cantos y la alegría que manifiestamente recibieron durante el mismo.
Tal es el éxito de estas presentaciones que desde que comienza el año hasta que termina, la orquesta programa más de cien conciertos y todos a miles de asistentes que forma parte activa de los mismos, hablando con el Director cantando, haciendo bromas, aplaudiendo, bailando, saltando, gritando, silbando, llorando o riendo a mandíbula batiente. Toda la performance va en un crescendo absoluto hasta terminar en un paroxismo excepcional. Que no deja a nadie indiferente. Por eso es una Musicoterapia social, porque actúa en las emociones de los asistentes.
El Maestro Rieu además de ser un extraordinario violinista y un carismático director, es un magnífico ser humano que se preocupa por llevar alegría y bienestar a la gente en general, como cuando reunió a más de dos mil estudiantes en Maastricht para que practicaran RCP y muchas veces sus presentaciones son a beneficio de alguna institución que necesite ayuda.
Por eso creo firmemente que sería el candidato ideal a ser presentado para obtener el Premio Nobel de la Paz 2025. A su equipo de managers de ocuparse. Nosotros el público en general aplaudiremos una vez más cuando alcance dicho galardón a más del centenar de premios ya logrados y de su estrella en el paseo de la fama de Hollywood.
La familia judía Karnofsky, que emigró de Lituania a Estados Unidos, se apiadó del niño de 7 años y lo llevó a su casa.
Allí permaneció y pasó la noche en esta casa de familia judía, donde por primera vez en su vida fue tratado con amabilidad y ternura.
Cuando se fue a la cama, la señora Karnovski le cantó canciones de cuna rusas, que él cantó con ella.
Posteriormente aprendió a cantar y tocar varias canciones rusas y judías.
Con el tiempo, este niño se convirtió en el hijo adoptivo de esta familia.
El señor Karnofsky le dio dinero para comprar su primer instrumento musical, como era costumbre en las familias judías.
Más tarde, cuando se convirtió en músico y compositor profesional, utilizó estas melodías judías en composiciones como St. James’s Hospital y Go Down Moses.
El pequeño creció y escribió un libro sobre esta familia judía, que lo adoptó en 1907. Y hablaba con orgullo yiddish con fluidez.
En memoria de esta familia y hasta el final de su vida, lució la Estrella de David y dijo que en esta familia aprendió “a vivir una vida real y con determinación”.
El nombre de este niño era Louis Armstrong. Este niño se llamaba Louis “Satchmo” Armstrong. Louis Armstrong hablaba con orgullo yiddish con fluidez y “Satchmo” en yiddish significa “mejillas grandes”, un apodo que algunos dicen que le dio la Sra. Karnofsky.
La historia tiene una notoria tendencia a aplicar una capa de pintura a sus personajes, y Mozart no es una excepción. Cuando imaginamos a Mozart, probablemente evocamos la imagen de un compositor sereno, un hombre de gustos refinados y presencia distinguida, un genio armoniosamente casado con su arte. ¿La realidad? Era un ser humano como el resto de nosotros, con todas las peculiaridades traviesas y el humor crudo que rara vez aparecen en los libros de texto.
Primero, hablemos del elefante en la habitación: sus cartas. Oh hombre, las letras. Están plagados de un lado de Wolfgang que habría enloquecido a la FCC (Comisión Federal de Comunicaciones). Tenemos a un compositor brillante bromeando sobre las heces, lo cual no tiene absolutamente ningún sentido y sí lo tiene al mismo tiempo. Históricamente nos ha encantado esconder esas cositas debajo de la alfombra para mantener la dignidad del “sabio prodigioso”.
Y hablando de sabios, Mozart fue representado como una especie de canalizador divino de la música, cuyas notas flotaban en su cerebro desde las propias musas. Esto pasa por alto su intenso y riguroso entrenamiento por parte de un padre notoriamente estricto desde muy joven. El hombre trabajó duro, un hecho que a veces se pasa por alto en favor de una narrativa más romántica de que “apenas tuvo que intentarlo”.
Su situación financiera es otra pieza que los historiadores de alguna manera han logrado tergiversar. El tipo no era del tipo de la alta sociedad, que vivía en un lujo opulento; eso habría sido más propio de su patrón. Luchó, buscó trabajos y, a menudo, estaba estresado por el dinero. Al igual que muchos de nosotros aquí en Portland tratando de ganarnos la vida, es la vieja historia del artista en apuros, excepto que esta se desarrolla con pelucas empolvadas y plumas.
Y está la cuestión de su relación con otros compositores. A las películas y las historias les encanta enfrentarlo a sus contemporáneos, como Salieri, creando un escenario “versus”. La dramatización de su relación por parte de ‘Amadeus’ no le hizo ningún favor a la historia, distorsionando la rivalidad profesional en un cóctel letal de obsesión y venganza. Salieri era, en realidad, un brillante compositor y Mozart, de hecho, le admiraba.
Todo esto ha dado lugar a un ícono monumental de perfección, un compositor no contaminado por los vicios y banalidades de la vida mortal. Pero al hacerlo, hemos despojado a Wolfgang Amadeus Mozart de su humanidad, hemos impedido que se conozca su historia completa y tal vez hemos hecho que sus logros sean un poco menos notables.
La historia, en su afán por idolatrar, a menudo deja de lado las imperfecciones. Pero son los defectos, las meteduras de pata y los chistes subidos de tono entre los ajustes de la peluca empolvada los que hacen que Mozart sea más intrigante, más identificable y, honestamente, mucho más genial.
El 9 de marzo de 1997, el conocido rapero Christopher “Notorious B.I.G.” Wallace fue asesinado a tiros por un tirador que pasaba desde un vehículo. A pesar de los problemas con la ley debido al tráfico de drogas durante su infancia en Nueva York, Wallace se convirtió en uno de los artistas de rap más influyentes del mundo casi instantáneamente cuando fue descubierto por Sean “Puff Daddy/P. Diddy” Combs y comenzó a grabar con el sello de Combs, Bad Boy Records. Pronto, se convirtió en la pieza central de la ahora famosa rivalidad en la industria del rap “Costa Este vs. Costa Oeste” entre Bad Boy Records y el sello de Marion “Suge” Knight con sede en California, Death Row Records.
Wallace se inspiró en la sensación del rap nocturno Tupac Shakur, cuyo álbum en solitario debutó sólo tres años antes que el de Wallace y ya lo había consolidado como uno de los raperos más influyentes de todos los tiempos. Aunque Shakur era un artista de la costa oeste, él y Wallace desarrollaron una estrecha amistad que duró hasta que Shakur fue asaltado y baleado en el vestíbulo del Quad Recording Studio de Bad Boy el 30 de noviembre de 1994. Wallace y Combs habían invitado a Tupac al estudio para grabaron una canción con ellos y estaban arriba en el momento del ataque, lo que llevó a Shakur a convencerse de que habían orquestado todo el asunto como parte de la creciente rivalidad entre sellos. Después de este evento, la disputa se volvió cada vez más hostil, centrándose en golpes de ida y vuelta entre Knight y Combs, así como entre Wallace y Shakur. Las tensiones estallaron cuando Shakur fue asesinado a tiros en Las Vegas el 7 de septiembre de 1996. No estaba claro si el tiroteo fue parte de la rivalidad costera o el resultado de una pelea aparentemente sin relación en la que Shakur había estado esa misma noche, pero el daño fue hecho; Los afiliados de Death Row (corredor de la muerte) estaban indignados y asumieron que alguien de Bad Boy era sin duda el culpable.
Sólo seis meses después, Wallace estaba en Los Ángeles para presentar un premio en los Soul Train Music Awards de 1997 y promover el lanzamiento de su nuevo álbum, Life After Death (Vida después de la Muerte). Después de asistir a una fiesta en el Petersen Automotive Museum de Los Ángeles la noche del 8 de marzo de 1997, Combs y el séquito de Wallace partieron en tres GMC Suburbans para regresar a su hotel. Mientras el auto de Wallace estaba detenido en una intersección, fue emboscado por dos vehículos; uno se detuvo en el lado del pasajero donde estaba sentado Wallace y le disparó cuatro veces antes de alejarse a toda velocidad. Murió poco después de la medianoche del día 9.
El asesinato de Wallace sigue oficialmente sin resolverse. A diferencia del asesinato de Tupac Shakur, donde la policía no pudo perseguir debido en gran parte a la falta de cooperación de los involucrados, muchos testigos se presentaron para dar información sobre el ataque a Wallace. Los relatos coinciden en que el tirador era un hombre negro, que conducía un Toyota Land Cruiser blanco y vestía un traje azul y pajarita como los que usan los miembros de la Nación del Islam. De alguna manera, a pesar de estas pistas prometedoras y de la abrumadora probabilidad de que Suge Knight ordenara el tiroteo como represalia por la muerte de Shakur, la policía no logró ningún avance en la investigación. Esto se alineaba con los rumores preexistentes de que Death Row Records pagaba en secreto a miembros del LAPD y les proporcionaba seguridad personal mientras estaban fuera de servicio. Un testigo, el guardaespaldas de Combs, testificó haber visto al tirador acechar a Combs y Wallace en la fiesta VIBE, mientras que otros invitados afirmaron que el tirador se estaba asociando con oficiales de LAPD allí, implicando directamente a LAPD como cómplice en el asesinato de Wallace. Sin embargo, el departamento centró sus investigaciones en las conexiones con la pandilla callejera Crips hasta que el caso se resolvió.
No surgió nada de estas acusaciones policiales hasta 2005, cuando la familia de Wallace presentó una demanda contra la policía de Los Ángeles por su participación en el tiroteo de Wallace. Aunque el juicio fue declarado nulo cuando el testigo principal del demandante fracasó, el juez afirmó que había pruebas suficientes que implicaban a varios agentes corruptos de connivencia con afiliados del corredor de la muerte y de ocultar pruebas en el caso, incluida la identidad del presunto tirador. La familia volvió a presentar su demanda en 2007, pero fue desestimada por segunda vez por un tecnicismo procesal.
En 2011, el FBI hizo públicos los archivos originales del caso. Esto incluyó el informe de la autopsia, que mostró que aunque Wallace recibió cuatro disparos, solo una de ellas fue fatal.
Cualquier intento de describir la historia del jazz en un formato lineal es engañoso porque el jazz no ocurrió, ni ocurre, de esa manera. Un estilo de música conocido por su improvisación y espíritu, nació en Nueva Orleans, pero tomó vida en innumerables direcciones nuevas. Free jazz, cool jazz, bebop, post-bop y electro swing: todos estos y más tienen raíces ricas y enredadas que desafían la delimitación y la definición. Aquí hay una muestra de esas raíces desde perspectivas geográficas y musicales, y un vistazo a algunos de los músicos de jazz que defendieron el género.
Aunque la historia de la música jazz es complicada y a menudo debatida, el único punto en el que los historiadores coinciden de manera confiable es la geografía de los orígenes del jazz. El jazz comenzó como un sonido exclusivamente estadounidense, forjado en el crisol de culturas del sur, particularmente en Nueva Orleans. La ciudad portuaria era una mezcla de cultura criolla y tradiciones africanas, salpicadas de influencias europeas.
Estas influencias culturales y tradiciones musicales informaron el nuevo estilo de música originalmente conocido como “jass”. Desarrollado por la comunidad afroamericana, el naciente género musical se popularizó y se extendió, adoptado por músicos de otras etnias y lugares. Los Ángeles, Denver, Baltimore, Nueva York e incluso las ciudades mineras de Colorado se convirtieron en centros de música jazz. En los locos años veinte, el jazz era el sonido de la década y su popularidad floreció en todo Estados Unidos y el extranjero.
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Si bien el género combina los estilos de muchas tradiciones musicales, dos estilos musicales clave influyeron en el jazz temprano: el blues y el ragtime. El estilo más informal de la música blues y los ritmos sincopados del ragtime se mezclaron en el jazz, junto con otras influencias históricas. Los gritos de campo y las canciones de trabajo de los esclavos africanos en Estados Unidos, los himnos y evangelios del sur de Estados Unidos y las populares bandas de música de Nueva Orleans contribuyeron al desarrollo del jazz.
En los primeros años del jazz y a medida que creció hacia estilos más específicos como el swing y el jazz orquestal, los compositores y músicos de jazz desempeñaron papeles monumentales en la historia del jazz. Estas son sólo algunas de estas figuras legendarias.
Louis Armstrong, trompetista y vocalista de jazz de renombre mundial que popularizó el swing. Fletcher Henderson, arreglista, director de orquesta y pianista que fue pionero del jazz de big band (Grandes Bandas). Duke Ellington, pianista de jazz y maestro compositor que aportó innovación, sabor y profundidad emocional al jazz. Charles Parker, Jr., también conocido como “Bird” o “Yardbird”, saxofonista, director de banda y compositor que lideró el desarrollo del bebop. Count Basie, pianista, organista, director de orquesta y compositor de jazz que popularizó las big band y el jazz orquestal.
Las influencias de estos artistas todavía se sienten en el jazz hoy en día, incluso cuando el género continúa evolucionando y creciendo. “Lo peor que podría pasar”, dice Ted Gioia, “es que el jazz acabe como la orquesta sinfónica, donde vas a un concierto y casi todo lo que tocan tiene 100 años… La historia siempre debe moderarse con una comprensión de cómo utilizamos estas canciones y sonidos para revitalizar el ecosistema musical en el que vivimos actualmente”.
El 11 de octubre de 1971 ve el lanzamiento de “Imagine” de John Lennon, una de las canciones más influyentes del siglo XX. Lennon comenzó a escribirla cuando aún era miembro de los Beatles, en un momento en que la banda había alcanzado una popularidad sin precedentes, pero luchaba por hacer frente a su nueva realidad. La letra idealista y utópica de la canción estuvo fuertemente influenciada por la esposa de Lennon, la artista conceptual Yoko Ono. Más tarde afirmaría que la letra y el concepto fueron tomados de Grapefruit, un libro de poesía de Ono, y ella recibió oficialmente un crédito de escritura conjunta en 2017.
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Poco más de un año después de la ruptura de los Beatles, Lennon grabó “Imagine” en una sola sesión en la finca de campo de él y Ono, Tittenhurst Park, con el productor Phil Spector. A diferencia de otros lanzamientos de Lennon de esa época, como “Give Peace a Chance”, “Power to the People” y “Happy Xmas (War is Over)”, la canción no contenía un mensaje político abierto. No obstante, líneas como “Imagina a toda la gente / compartiendo todo el mundo” encarnaban una visión utópica radical, así como el deseo de Lennon y muchos otros de poner fin a la guerra de Vietnam y volver al humanismo optimista que había definido gran parte de la guerra de Vietnam. la década anterior.
La canción y su álbum homónimo fueron un gran éxito, en última instancia, el más comercial y críticamente exitoso del catálogo en solitario de Lennon. Particularmente a la luz del asesinato de Lennon en 1980, “Imagine” se ha asociado tanto con el idealismo como con la lucha. Desde 2006, se ha jugado inmediatamente antes del lanzamiento del Times Square Ball en la víspera de Año Nuevo en la ciudad de Nueva York, y se incluyó en las ceremonias de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, así como en las ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de 2018 en Pyeongchang. . La palabra “Imagine” es el único texto que aparece en el monumento a Lennon de Strawberry Fields en Central Park, y el Aeropuerto Internacional John Lennon de Liverpool usa como lema una letra de la canción, “Above us, only sky”.
UNA VERDADERA HISTORIA NAVIDEÑA … LA ORQUESTA DE CARTÓN
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PRELUDIO
A fines de setiembre de 2024, recibí un llamado del señor Juan Britos desde la ciudad de Lambaré, Paraguay. Si bien es cierto que resido en Paraguay desde 1995, también es cierto que algunos lugares como Lambaré, no conocía.
El señor: padre de un ex alumno graduado de mi Escuela de Música y de la Licenciatura en Música de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Nacional de Asunción, había ideado un proyecto de crear una Orquesta infanto-juvenil comenzando por la preparación de los niños a través de una Camerata. La idea me pareció muy válida e hicimos cita para que me pasara a buscar por la ciudad de San Lorenzo donde resido y donde mi Escuela de Música tiene su sede central, un sábado por la tarde. En el trayecto hacia el barrio de Villa Angélica de Lambaré me expuso su idea, anhelos y proyectos. Al llegar al lugar, extremadamente sencillo me encontré con un grupo de más de 20 niños sentaditos ordenadamente, con ojitos
ansiosos. Había también padres, madres, responsables del lugar y un par de concejales que me recibieron muy amablemente. Después de hablar unos minutos comenzó el trabajo con los niños y al término del encuentro las caritas estaban sonrojadas, alegres y sonrientes y algunos vinieron a abrazarme. Habían marchado, saltado, corrido, cantado con movimientos rítmicos y se les entregaron algunos dulces al final. Todos estaban muy contentos. Quedamos en reunirnos el siguiente sábado.
Así comenzó un trabajo encarnizado musical y social para los niños de San Rafael, Puerto Pabla y Villa Angélica, barrios de la ciudad de Lambaré, Paraguay. La evolución era evidente y los niños asistían secundados por sus padres cada sábado. Muy pronto comenzaron a manifestarse los talentos en el teclado (que nos prestaban). Entonces tuve la idea de invitarlos a participar del Concierto de clausura de mi Escuela de Música reconocida por el Ministerio de Educación y Cultura del Paraguay desde 1995. Para que la mayoría pudiera asistir y participar tuve la idea de crear la Orquesta de Cartón. Si, con cartones de huevos, finales de rollos de papel higiénico y cocina y cajas que yo buscaba en el supermercado que se convirtieron en cajas peruanas, tambores, elementos para los cantos, sonajeros e instrumentos de percusión. Para que el sonido fuera mucho más presente, pinté cada cartón con tempera de colores. Los niños en su algarabía nunca vieron cartones, sino instrumentos que por primera vez tenían en sus manos y se manifestaban con gran alegra. Ni un solo cartón fue destruido, lo utilizaban y los volvían a poner en su lugar. Y así llegó el gran día de nuestro concierto.
ANDANTE
El 16 de noviembre de 2024, los niños de San Rafael, Puerto Pabla y Villa Angélica de la ciudad de Lambaré, Paraguay pisaron por primera vez el Auditorio de la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay. Yo había colocado sus instrumentos en cada silla y al tenerlos en sus manos se sintieron “en casa”. Todos estaban preciosamente arreglados y todos vinieron a abrazarme con cariño. La presentación de los que pudieron interpretar al piano y el grupo completo fue impecable. Toda la Orquesta de Cartón interpretó la Marcha Radetsky de J. Strauss en la bonita versión de la Orquesta de André Rieu (a quien jamás he podido contactar para que les envíe un saludo a los niños)
Al final fueron largamente ovacionados y la alegría de todos esos niños es indescriptible y mágico.
Entonces se presentó la Directora de la Orquesta Sinfónica Nacional y nos dijo allí delante de toda la audiencia que, por el maravilloso trabajo realizado nos regalaba un piano para que los niños pudieran seguir sus avances musicales. Mi emoción era tan intensa que no pude contener las lágrimas. Todos aplaudían a rabiar y todos nos marchamos felices e ilusionados por los acontecimientos vividos, esperando recibir tan magnífico e inesperado regalo.
POST LUDIO
El 10 de diciembre de 2024 estuve presente en el auditorio de la Orquesta Sinfónica Nacional para recibir dicho regalo prometido. Cuando estaba ya el acto casi comenzado (porque eran cinco pianos en total destinados también a otras instituciones), apareció inopinadamente un personaje que me presentaron rápido como el intendente de Lambaré. La persona no saludó ni se presentó por tanto hasta el día de hoy desconozco quién es. Cuando me llamaron para la entrega, esta persona se levanta y se coloca a mi lado. Pensé que era un gesto de amabilidad y por tanto para la foto, sonreí. Entonces nos dijeron que nos pongamos de pie detrás de cada piano. La persona en cuestión se colocó a mi lado y eso ya no me cayó tan bien. Entonces de manera brusca e insolente me dice: “tiene que darme ese documento porque este piano es para la Municipalidad de Lambaré!”. Yo respondo al toque: ”NO!, disculpe este piano es para los niños del Proyecto Camerata Infanto-Juvenil de Lambaré y nos fue otorgado en este mismo salón el 16 de noviembre”. No entregué la carpeta y la tuve entre mis manos hasta que nos llamaron
para firmar la entrega. Ahí me dijeron que “no se ´podía entregar a una institución privada y que tenía que ir a la Municipalidad para que de allí nos entregaran para usufructo de los niños”. El personaje evidentemente de pocas luces y menos educación se manifestó con una sonrisa socarrona y tuvimos un intercambio de palabras que sería largo enumerar. El caso es que delante de toda la gente que se encontraba en el salón, este personaje impresentable desapareció con el piano de los niños sin dejar un agradecimiento, un saludo, una palabra que corrobore lo que me habían dicho. ¡Nada!
Como imaginan el piano nunca fue entregado a sus verdaderos dueños. El piano que nos “regalaron” fue arbitrariamente sustraído y utilizado políticamente como un “logro” del intendente que NUNCA hizo nada a favor de los niños. Se lo invitó al Concierto y brilló por su ausencia. JAMAS fue a ver como trabajamos y a llevar algo a los niños.¡ NADA!
Cuando les expliqué a los niños lo sucedido, bajaron sus cabecitas doblegados por la tristeza, Vi lágrimas en algunos ojitos. Vi tristeza en otros. Vi desilusión en las caras de los padres. Acá se violaron los derechos de esos niños a recibir un precioso regalo que sin lugar a dudas hubieran utilizado para poder manifestarse musicalmente como solo ellos saben hacerlo
Así es que seguimos con nuestra Orquesta de Cartón. Como eso es desechable nadie va a querer apropiarse y los niños se preparan para emocionar al público con sus Villancicos y sus instrumentos de cartón.
Lo importante es que vamos a honrar y alabar a un Niño que al nacer cambió al mundo en un antes y un después y que seguramente se alegrará de escuchar a niños tan pobres como ÉL cantándole con alegría porque como dice el Villancico “El tamborilero,”… “somos pobres también y solo tenemos un viejo tambor” e instrumentos de cartón…
PrisioneroEnArgentina.com
Diciembre 17, 2024
Tecnocumbia en el Parlamento de Ecuador
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En redes sociales se viralizó un video en el que se ve a la agrupación dando su exhibición e incluso a otras dos personas bailando detrás de las bailarinas, cuestión que recibió duras críticas de la ciudadanía, obligando al Parlamento a aclarar lo sucedido.
La Asamblea Nacional, en su comunicado, responsabilizó de este hecho al legislador Hernán Zapata, de la bancada oficialista Acción Democrática Nacional (ADN), movimiento del presidente de la República, Daniel Noboa.
Según el Parlamento, el asambleísta organizó el evento “en reconocimiento a los maestros artesanos en la rama de la belleza, peluquería y cosmetología”.
No obstante, señaló que “en ningún momento” el parlamentario informó a la Administración de la Asamblea que participaría un grupo de tecnocumbia; por tanto, indicó que desde las instancias competentes, el Parlamento “analizará esta conducta” y “se adoptarán los correctivos del caso”.
Desde la bancada ADN emitieron un comunicado en el que señalan que el evento tuvo como “único objetivo” reconocer el invaluable aporte de los maestros artesanos, pero reconocen que el ‘show’ del grupo de tecnocumbia “no estaba contemplado en la agenda inicialmente aprobada”.
Por su parte, Zapata, en otro comunicado, asumió su “responsabilidad” por lo ocurrido. “Lamento profundamente la alteración del género musical aprobado para este acto (…) Si bien la tecnocumbia es una expresión cultural relevante, este momento no formaba parte del enfoque original del homenaje”, dijo.
PrisioneroEnArgentina.com
Diciembre 4, 2024
Cantante trans afirma que se curó de la disforia de género. Volverá a ser hombre
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La artista estadounidense, que cambiará su nombre nuevamente a Keith Caputo, dio a conocer la noticia la semana pasada a través de un video de 13 minutos que publicó en su cuenta de Instagram*. Asegura que ha estado sin hormonas desde hace “6 o 7 años” y que tiene programada una cirugía para el próximo enero con el fin de remover sus “senos falsos”. “Estaré físicamente destransicionada por completo en el 2025. No puedo esperar. Me siento tan libre”, dijo.
Mina, que cumplirá 51 años el próximo mes, afirma que se curó de la disforia de género (conocida antes como ‘trastorno de identidad de género’) que ha sufrido “durante más de 40 años”. “No le desearía la disforia de género ni a mi peor enemigo. Es una de las cosas más incómodas por las que he pasado en mi vida, y estoy muy feliz de que se haya acabado”, manifestó.
La miembro fundador y exlíder de Life of Agony señala que decidió hacer pública la grabación hablando de su identidad sexual en respuesta a comentarios de varios de sus seguidores sobre su apariencia. “Estoy haciendo este video porque mucha gente me está criticando y diciendo que me veo fea y que parezco un hombre y toda esa mierda. Y es como, cariño, soy un hombre. Siempre he sido un hombre. No estás acostumbrado a oír hablar a gente auténtica. Estás acostumbrado a que la gente te escupa mentiras sobre su identidad”, explicó.
Por otro lado, Mina expresó su rechazo a la “transición médica y especialmente quirúrgica de los niños”, y a los tratamientos con hormonas, sustancias que calificó de “repugnantes”. “Ni siquiera puedo empezar a contarles cuántos efectos secundarios sufrí […] Sé lo que las hormonas le hacen al cuerpo. Sé lo que me hicieron a mí. Castraron mi alma. No solo te castran físicamente, sino mental, espiritual, emocional e intelectualmente […] Cuando salí del armario por primera vez, pensé que iba a ser libre. Al final, te enjaulas con eso”, aseveró.
PrisioneroEnArgentina.com
Noviembre 30, 2024
Beethoven
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A los cuatro años, Ludwig von Beethoven aprendió a tocar el piano con su padre alcohólico. Se ganó la reputación de virtuoso cuando se mudó a Viena a los 22 años. Alrededor de los 28 años, su audición comenzó a declinar. La sordera progresó y se convirtió en total cuando tenía 44 años.
Escribió su famosa Novena Sinfonía completamente sordo. En su estreno, Beethoven insistió en dirigir la pieza. El público estalló en estruendosos aplausos al final.
Por desgracia, Beethoven no escuchó nada.
“No estaba dirigiendo. Había un verdadero director y Beethoven estaba allí arriba moviendo las manos como si estuviera dirigiendo. (La orquesta recibió instrucciones de ignorarlo). Cuando la orquesta terminó, Beethoven estaba varios compases por detrás. Alguien se acercó y lo giró para que viera al público que aplaudía atronadoramente. No se puede dirigir cuando no se puede escuchar la música. Es la razón por la que Beethoven dejó de tocar el piano. Lo asombroso es que compuso esas obras maestras “escuchándolas” solo en su mente… ¡Qué genio!”
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 21, 2024
Canciones clásicas de rock de los años 70 que tenían mensajes políticos ocultos
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Vienen dos a la mente inmediatamente, una se lanzó técnicamente en 1969, lo que la convierte en una canción de los años sesenta. Pero recibió una difusión significativa en los años 70 y fue particularmente popular entre las tropas estacionadas en Vietnam.
“Fortunate Son” de Credence Clearwater Revival. En realidad, trata sobre el reclutamiento durante la guerra de Vietnam. Es decir, la letra hace referencia a ciertos jóvenes físicamente aptos en edad de reclutamiento cuyas familias son ricas o tienen conexiones políticas y que aparentemente están exentos de manera extraoficial. El cantante John Fogerty fue un veterano de la era de Vietnam. Y su sencillo de 1970, “Run Through The Jungle”, fue una referencia un poco más obvia a Vietnam.
“What’s Going On” (1971) de Marvin Gaye (1939 – 1984) que en realidad trataba de lo mismo. Solo que en lugar de centrarse en la cantidad desproporcionada de jóvenes empobrecidos que eran reclutados, se centra en la cantidad desproporcionada de negros que eran reclutados. En 1967, los estadounidenses negros representaban solo el 11% de la población de Estados Unidos, pero los negros representaban el 16,3% de todos los reclutas. Los soldados negros también representaban el 23% de las tropas de combate de Vietnam, en comparación con el 11% de la población civil. Así que claramente había algo sucediendo.
Así que ambas canciones hablaban de la situación desastrosa que se vivía con el reclutamiento durante la guerra de Vietnam. La moraleja es que, si eras pobre, estabas jodido. Si eras pobre y negro, estabas doblemente jodido y con una cereza encima. Y a todos aquellos que se quejan de que las “minorías” están “sobrerrepresentadas” en los medios, solo recordad lo sobrerrepresentados que estaban realmente los negros en Vietnam.
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 16, 2024
Ópera con escenas sexuales deja boquiabierto al público en Alemania
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La ópera se basa en la obra del compositor Paul Hindemith, que fue incluida en el repertorio de la entidad cultural un siglo después de que su creador afrontara una fuerte indignación por el texto del fruto de su imaginación, tachado de “blasfemo”.
Sin embargo, después de las dos primeras actuaciones, el servicio de visitantes tuvo que atender a un total de 18 personas, algunas de las cuales tenían náuseas, mientras que en tres casos fue necesario llamar a un médico, según Sebastian Ebling, el portavoz oficial de la obra.
Los actos sexuales explícitos, escenas de amor lésbico, representaciones de abuso sexual y la ridiculización de ritos cristianos encabezan la lista de desencadenantes que tiene que afrontar su público.
Sin embargo, la entidad cultural recomienda el espectáculo a un público que “busca atrevidamente nuevas experiencias teatrales”, ya que, según Ebling, además del uso de algunos medios teatrales, el arte escénico “no es falso sino real”.
A pesar de las quejas por parte del público, Ebling aseguró que las cinco veladas previstas no serán canceladas, y expresó que confía en que la mayoría de los asistentes eran conscientes “en lo que se metían”.
Antes de Stuttgart, la producción se realizó en Schwerin, “con entradas agotadas”, donde no se registró ninguna emergencia médica.
El decano de Stuttgart, Christian Hermes, lanzó muy duras críticas hacia la ópera y afirmó que la obra representa “ingenuos, por no decir cursi, sueños sexuales-espirituales de redención”.
“Los involucrados y visitantes son llevados brutalmente hasta y más allá de los límites de lo estética y psicológicamente tolerable, se violan obscenamente los sentimientos religiosos […] y se juega deliberadamente con la salud mental de las personas”, comentó Hermes, sumándose así a algunos internautas que tacharon la opera de “degeneración” y “escoria”.
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 13, 2024
LA MUSICOTERAPIA SOCIAL
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Esta noche en la ciudad portuaria de Gdansk, Polonia, en la costa del Mar Báltico se llevará a cabo un Concierto multitudinario donde miles de personas recibirán un tratamiento de Musicoterapia social a la manera de las Heterofonías de los albores de la humanidad cuando todo el pueblo se reunía para dar rienda suelta a las manifestaciones emocionales que de alguna manera no habían podido expresar en la vida cotidiana.
En efecto, esta noche se presenta la Orquesta Johann Strauss, con numerosas obras musicales y solistas destacados, dirigidos por el célebre violinista holandés André Rieu. Estos conciertos multitudinarios son presentados a lo largo y a lo ancho del mundo desde Israel hasta Japón y desde Canadá hasta la Argentina. En general la orquesta se produce una o dos veces e incluso han llegado a programarse hasta seis conciertos en una misma ciudad debido al interés enorme que suscitan y la calidad interpretativa tanto de la orquesta en sí, como de sus solistas y de su talentoso Director.
Todo comenzó a mediados de 1987 cuando André Rieu reunió a cerca de 12 músicos y comenzaron los ensayos para hacer su primera presentación en enero de 1988. El trabajo musical se basa en la interpretación de valses vieneses, de ahí su denominación de “Rey del vals”, pero con el correr del tiempo se han ido incluyendo músicas de películas, folklóricas, románticas, góspel, actuales y pop.
Este talentoso Director de Orquesta, incluye en sus presentaciones a cantantes, instrumentistas, niños, célebres intérpretes, grupos musicales, artistas que son muy apreciados en sus países, patinadores y bailarines sin manifestar jamás ningún tipo de discriminación de sexo, religión, color de piel o proveniencia- El solo requisito para actuar con la orquesta es ser excelente en lo que se presenta. La orquesta realiza sus en sayos en la ciudad de Maastricht, Holanda, donde el señor Rieu nació hace casi 75 años. La orquesta fue sumando músicos hasta el número de 60 y luego 75 y actualmente se compone de más de 100 instrumentistas, coro y solistas. Entre sus cantantes actuales se encuentra la joven y talentosísima Emma Kok, también originaria de Maastricht y que padece una rara enfermedad denominada gastroparesia*. La joven de 16 años se ha convertido en la estrella fulgurante del elenco y las muestras de entusiasmo a su entrada al escenario son verdaderamente apoteósicas. El Maestro Rieu, dueño de un carisma innegable y de un dominio de su instrumento absoluto, preconiza la importancia de la multiculturalidad entre sus músicos y su filosofía de trabajo es:
” Si venimos de diferentes culturas y trabajamos unidos el resultado es magnífico. Si así se trabajara en los países, la paz reinaría en el mundo”.
Sus conciertos de Vrijthof y de Navidad en Maastricht son un fenómeno musical poco igualado en el mundo sonoro, aún por los más grandes artistas de la juventud actual. Su discografía alcanza más de 40 millones de discos vendidos y sus presentaciones se repiten por millones en Youtube y en los cines de todo el mundo.
Pero porqué lo he dado en llamar “Musicoterapia social”? porque estos magníficos conciertos logran causar en sus oyentes expresiones espontáneas de emoción , lágrimas, estados amorosos, bailes, cantos, alegría desbordante, declaraciones de amor , gritos de júbilo, movimientos corporales, acompañamiento de los cantos que se suceden en el escenario, y expresiones de sorpresa. Los asistentes de estos conciertos multitudinarios conservan largamente en sus oídos los cantos y la alegría que manifiestamente recibieron durante el mismo.
Tal es el éxito de estas presentaciones que desde que comienza el año hasta que termina, la orquesta programa más de cien conciertos y todos a miles de asistentes que forma parte activa de los mismos, hablando con el Director cantando, haciendo bromas, aplaudiendo, bailando, saltando, gritando, silbando, llorando o riendo a mandíbula batiente. Toda la performance va en un crescendo absoluto hasta terminar en un paroxismo excepcional. Que no deja a nadie indiferente. Por eso es una Musicoterapia social, porque actúa en las emociones de los asistentes.
El Maestro Rieu además de ser un extraordinario violinista y un carismático director, es un magnífico ser humano que se preocupa por llevar alegría y bienestar a la gente en general, como cuando reunió a más de dos mil estudiantes en Maastricht para que practicaran RCP y muchas veces sus presentaciones son a beneficio de alguna institución que necesite ayuda.
Por eso creo firmemente que sería el candidato ideal a ser presentado para obtener el Premio Nobel de la Paz 2025. A su equipo de managers de ocuparse. Nosotros el público en general aplaudiremos una vez más cuando alcance dicho galardón a más del centenar de premios ya logrados y de su estrella en el paseo de la fama de Hollywood.
¡Por mucha más Musicoterapia social en el mundo!
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 30, 2024
Satchmo
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La familia judía Karnofsky, que emigró de Lituania a Estados Unidos, se apiadó del niño de 7 años y lo llevó a su casa.
Allí permaneció y pasó la noche en esta casa de familia judía, donde por primera vez en su vida fue tratado con amabilidad y ternura.
Cuando se fue a la cama, la señora Karnovski le cantó canciones de cuna rusas, que él cantó con ella.
Posteriormente aprendió a cantar y tocar varias canciones rusas y judías.
Con el tiempo, este niño se convirtió en el hijo adoptivo de esta familia.
El señor Karnofsky le dio dinero para comprar su primer instrumento musical, como era costumbre en las familias judías.
Más tarde, cuando se convirtió en músico y compositor profesional, utilizó estas melodías judías en composiciones como St. James’s Hospital y Go Down Moses.
El pequeño creció y escribió un libro sobre esta familia judía, que lo adoptó en 1907. Y hablaba con orgullo yiddish con fluidez.
En memoria de esta familia y hasta el final de su vida, lució la Estrella de David y dijo que en esta familia aprendió “a vivir una vida real y con determinación”.
El nombre de este niño era Louis Armstrong. Este niño se llamaba Louis “Satchmo” Armstrong. Louis Armstrong hablaba con orgullo yiddish con fluidez y “Satchmo” en yiddish significa “mejillas grandes”, un apodo que algunos dicen que le dio la Sra. Karnofsky.
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Febrero 18, 2024
Mozart, enaltecido
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La historia tiene una notoria tendencia a aplicar una capa de pintura a sus personajes, y Mozart no es una excepción. Cuando imaginamos a Mozart, probablemente evocamos la imagen de un compositor sereno, un hombre de gustos refinados y presencia distinguida, un genio armoniosamente casado con su arte. ¿La realidad? Era un ser humano como el resto de nosotros, con todas las peculiaridades traviesas y el humor crudo que rara vez aparecen en los libros de texto.
Primero, hablemos del elefante en la habitación: sus cartas. Oh hombre, las letras. Están plagados de un lado de Wolfgang que habría enloquecido a la FCC (Comisión Federal de Comunicaciones). Tenemos a un compositor brillante bromeando sobre las heces, lo cual no tiene absolutamente ningún sentido y sí lo tiene al mismo tiempo. Históricamente nos ha encantado esconder esas cositas debajo de la alfombra para mantener la dignidad del “sabio prodigioso”.
Y hablando de sabios, Mozart fue representado como una especie de canalizador divino de la música, cuyas notas flotaban en su cerebro desde las propias musas. Esto pasa por alto su intenso y riguroso entrenamiento por parte de un padre notoriamente
estricto desde muy joven. El hombre trabajó duro, un hecho que a veces se pasa por alto en favor de una narrativa más romántica de que “apenas tuvo que intentarlo”.
Su situación financiera es otra pieza que los historiadores de alguna manera han logrado tergiversar. El tipo no era del tipo de la alta sociedad, que vivía en un lujo opulento; eso habría sido más propio de su patrón. Luchó, buscó trabajos y, a menudo, estaba estresado por el dinero. Al igual que muchos de nosotros aquí en Portland tratando de ganarnos la vida, es la vieja historia del artista en apuros, excepto que esta se desarrolla con pelucas empolvadas y plumas.
Y está la cuestión de su relación con otros compositores. A las películas y las historias les encanta enfrentarlo a sus contemporáneos, como Salieri, creando un escenario “versus”. La dramatización de su relación por parte de ‘Amadeus’ no le hizo ningún favor a la historia, distorsionando la rivalidad profesional en un cóctel letal de obsesión y venganza. Salieri era, en realidad, un brillante compositor y Mozart, de hecho, le admiraba.
Todo esto ha dado lugar a un ícono monumental de perfección, un compositor no contaminado por los vicios y banalidades de la vida mortal. Pero al hacerlo, hemos despojado a Wolfgang Amadeus Mozart de su humanidad, hemos impedido que se conozca su historia completa y tal vez hemos hecho que sus logros sean un poco menos notables.
La historia, en su afán por idolatrar, a menudo deja de lado las imperfecciones. Pero son los defectos, las meteduras de pata y los chistes subidos de tono entre los ajustes de la peluca empolvada los que hacen que Mozart sea más intrigante, más identificable y, honestamente, mucho más genial.
PrisioneroEnArgentina.com
Enero 26, 2024
“Notorious B.I.G.”
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El 9 de marzo de 1997, el conocido rapero Christopher “Notorious B.I.G.” Wallace fue asesinado a tiros por un tirador que pasaba desde un vehículo. A pesar de los problemas con la ley debido al tráfico de drogas durante su infancia en Nueva York, Wallace se convirtió en uno de los artistas de rap más influyentes del mundo casi instantáneamente cuando fue descubierto por Sean “Puff Daddy/P. Diddy” Combs y comenzó a grabar con el sello de Combs, Bad Boy Records. Pronto, se convirtió en la pieza central de la ahora famosa rivalidad en la industria del rap “Costa Este vs. Costa Oeste” entre Bad Boy Records y el sello de Marion “Suge” Knight con sede en California, Death Row Records.
Wallace se inspiró en la sensación del rap nocturno Tupac Shakur, cuyo álbum en solitario debutó sólo tres años antes que el de Wallace y ya lo había consolidado como uno de los raperos más influyentes de todos los tiempos. Aunque Shakur era un artista de la costa oeste, él y Wallace desarrollaron una estrecha amistad que duró hasta que Shakur fue asaltado y baleado en el vestíbulo del Quad Recording Studio de Bad Boy el 30 de noviembre de 1994. Wallace y Combs habían invitado a Tupac al estudio para grabaron una canción con ellos y estaban arriba en el momento del ataque, lo que llevó a Shakur a convencerse de que habían orquestado todo el asunto como parte de la creciente rivalidad entre sellos. Después de este evento, la disputa se volvió cada vez más hostil, centrándose en golpes de ida y vuelta entre Knight y Combs, así como entre Wallace y Shakur. Las tensiones estallaron cuando Shakur fue asesinado a tiros en Las Vegas el 7 de septiembre de 1996. No estaba claro si el tiroteo fue parte de la rivalidad costera o el resultado de una pelea aparentemente sin relación en la que Shakur había estado esa misma noche, pero el daño fue hecho; Los afiliados de Death Row (corredor de la muerte) estaban indignados y asumieron que alguien de Bad Boy era sin duda el culpable.
Sólo seis meses después, Wallace estaba en Los Ángeles para presentar un premio en los Soul Train Music Awards de 1997 y promover el lanzamiento de su nuevo álbum, Life After Death (Vida después de la Muerte). Después de asistir a una fiesta en el Petersen Automotive Museum de Los Ángeles la noche del 8 de marzo de 1997, Combs y el séquito de Wallace partieron en tres GMC Suburbans para regresar a su hotel. Mientras el auto de Wallace estaba detenido en una intersección, fue emboscado por dos vehículos; uno se detuvo en el lado del pasajero donde estaba sentado Wallace y le disparó cuatro veces antes de alejarse a toda velocidad. Murió poco después de la medianoche del día 9.
El asesinato de Wallace sigue oficialmente sin resolverse. A diferencia del asesinato de Tupac Shakur, donde la policía no pudo perseguir debido en gran parte a la falta de cooperación de los involucrados, muchos testigos se presentaron para dar información sobre el ataque a Wallace. Los relatos coinciden en que el tirador era un hombre negro, que conducía un Toyota
Land Cruiser blanco y vestía un traje azul y pajarita como los que usan los miembros de la Nación del Islam. De alguna manera, a pesar de estas pistas prometedoras y de la abrumadora probabilidad de que Suge Knight ordenara el tiroteo como represalia por la muerte de Shakur, la policía no logró ningún avance en la investigación. Esto se alineaba con los rumores preexistentes de que Death Row Records pagaba en secreto a miembros del LAPD y les proporcionaba seguridad personal mientras estaban fuera de servicio. Un testigo, el guardaespaldas de Combs, testificó haber visto al tirador acechar a Combs y Wallace en la fiesta VIBE, mientras que otros invitados afirmaron que el tirador se estaba asociando con oficiales de LAPD allí, implicando directamente a LAPD como cómplice en el asesinato de Wallace. Sin embargo, el departamento centró sus investigaciones en las conexiones con la pandilla callejera Crips hasta que el caso se resolvió.
No surgió nada de estas acusaciones policiales hasta 2005, cuando la familia de Wallace presentó una demanda contra la policía de Los Ángeles por su participación en el tiroteo de Wallace. Aunque el juicio fue declarado nulo cuando el testigo principal del demandante fracasó, el juez afirmó que había pruebas suficientes que implicaban a varios agentes corruptos de connivencia con afiliados del corredor de la muerte y de ocultar pruebas en el caso, incluida la identidad del presunto tirador. La familia volvió a presentar su demanda en 2007, pero fue desestimada por segunda vez por un tecnicismo procesal.
En 2011, el FBI hizo públicos los archivos originales del caso. Esto incluyó el informe de la autopsia, que mostró que aunque Wallace recibió cuatro disparos, solo una de ellas fue fatal.
PrisioneroEnArgentina.com
Enero 6, 2024
Jazz
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Cualquier intento de describir la historia del jazz en un formato lineal es engañoso porque el jazz no ocurrió, ni ocurre, de esa manera. Un estilo de música conocido por su improvisación y espíritu, nació en Nueva Orleans, pero tomó vida en innumerables direcciones nuevas. Free jazz, cool jazz, bebop, post-bop y electro swing: todos estos y más tienen raíces ricas y enredadas que desafían la delimitación y la definición. Aquí hay una muestra de esas raíces desde perspectivas geográficas y musicales, y un vistazo a algunos de los músicos de jazz que defendieron el género.
Aunque la historia de la música jazz es complicada y a menudo debatida, el único punto en el que los historiadores coinciden de manera confiable es la geografía de los orígenes del jazz. El jazz comenzó como un sonido exclusivamente estadounidense, forjado en el crisol de culturas del sur, particularmente en Nueva Orleans. La ciudad portuaria era una mezcla de cultura criolla y tradiciones africanas, salpicadas de influencias europeas.
Estas influencias culturales y tradiciones musicales informaron el nuevo estilo de música originalmente conocido como “jass”. Desarrollado por la comunidad afroamericana, el naciente género musical se popularizó y se extendió, adoptado por músicos de otras etnias y lugares. Los Ángeles, Denver, Baltimore, Nueva York e incluso las ciudades mineras de Colorado se convirtieron en centros de música jazz. En los locos años veinte, el jazz era el sonido de la década y su popularidad floreció en todo Estados Unidos y el extranjero.
Si bien el género combina los estilos de muchas tradiciones musicales, dos estilos musicales clave influyeron en el jazz temprano: el blues y el ragtime. El estilo más informal de la música blues y los ritmos sincopados del ragtime se mezclaron en el jazz, junto con otras influencias históricas. Los gritos de campo y las canciones de trabajo de los esclavos africanos en Estados Unidos, los himnos y evangelios del sur de Estados Unidos y las populares bandas de música de Nueva Orleans contribuyeron al desarrollo del jazz.
En los primeros años del jazz y a medida que creció hacia estilos más específicos como el swing y el jazz orquestal, los compositores y músicos de jazz desempeñaron papeles monumentales en la historia del jazz. Estas son sólo algunas de estas figuras legendarias.
Louis Armstrong, trompetista y vocalista de jazz de renombre mundial que popularizó el swing.
Fletcher Henderson, arreglista, director de orquesta y pianista que fue pionero del jazz de big band (Grandes Bandas).
Duke Ellington, pianista de jazz y maestro compositor que aportó innovación, sabor y profundidad emocional al jazz.
Charles Parker, Jr., también conocido como “Bird” o “Yardbird”, saxofonista, director de banda y compositor que lideró el desarrollo del bebop.
Count Basie, pianista, organista, director de orquesta y compositor de jazz que popularizó las big band y el jazz orquestal.
Las influencias de estos artistas todavía se sienten en el jazz hoy en día, incluso cuando el género continúa evolucionando y creciendo. “Lo peor que podría pasar”, dice Ted Gioia, “es que el jazz acabe como la orquesta sinfónica, donde vas a un concierto y casi todo lo que tocan tiene 100 años… La historia siempre debe moderarse con una comprensión de cómo utilizamos estas canciones y sonidos para revitalizar el ecosistema musical en el que vivimos actualmente”.
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Noviembre 23, 2023
Imagine
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El 11 de octubre de 1971 ve el lanzamiento de “Imagine” de John Lennon, una de las canciones más influyentes del siglo XX. Lennon comenzó a escribirla cuando aún era miembro de los Beatles, en un momento en que la banda había alcanzado una popularidad sin precedentes, pero luchaba por hacer frente a su nueva realidad. La letra idealista y utópica de la canción estuvo fuertemente influenciada por la esposa de Lennon, la artista conceptual Yoko Ono. Más tarde afirmaría que la letra y el concepto fueron tomados de Grapefruit, un libro de poesía de Ono, y ella recibió oficialmente un crédito de escritura conjunta en 2017.
[ezcol_2fifth]Poco más de un año después de la ruptura de los Beatles, Lennon grabó “Imagine” en una sola sesión en la finca de campo de él y Ono, Tittenhurst Park, con el productor Phil Spector. A diferencia de otros lanzamientos de Lennon de esa época, como “Give Peace a Chance”, “Power to the People” y “Happy Xmas (War is Over)”, la canción no contenía un mensaje político abierto. No obstante, líneas como “Imagina a toda la gente / compartiendo todo el mundo” encarnaban una visión utópica radical, así como el deseo de Lennon y muchos otros de poner fin a la guerra de Vietnam y volver al humanismo optimista que había definido gran parte de la guerra de Vietnam. la década anterior.
[/ezcol_2fifth] [ezcol_3fifth_end] [/ezcol_3fifth_end]La canción y su álbum homónimo fueron un gran éxito, en última instancia, el más comercial y críticamente exitoso del catálogo en solitario de Lennon. Particularmente a la luz del asesinato de Lennon en 1980, “Imagine” se ha asociado tanto con el idealismo como con la lucha. Desde 2006, se ha jugado inmediatamente antes del lanzamiento del Times Square Ball en la víspera de Año Nuevo en la ciudad de Nueva York, y se incluyó en las ceremonias de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, así como en las ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de 2018 en Pyeongchang. . La palabra “Imagine” es el único texto que aparece en el monumento a Lennon de Strawberry Fields en Central Park, y el Aeropuerto Internacional John Lennon de Liverpool usa como lema una letra de la canción, “Above us, only sky”.
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