Jean-Michel Basquiat pasó de artista callejero de graffiti a protagonista de la escena punk del centro de la ciudad a estrella del arte celebridad en solo unos pocos años de su carrera. Este ascenso vertiginoso lo llevó de dormir en las calles de la ciudad de Nueva York a hacerse amigo de Andy Warhol y entrar en el mundo del arte estadounidense de élite como uno de los pintores más célebres del movimiento artístico neoexpresionista. Si bien Basquiat murió con solo 27 años de una sobredosis de heroína, ahora se ha asociado de manera indeleble con el aumento del interés por los artistas del centro de Nueva York durante la década de 1980.
Su trabajo exploró su herencia mixta africana, latina y estadounidense a través de un vocabulario visual de signos, símbolos y figuras personalmente resonantes, y su arte se desarrolló rápidamente en escala, alcance y ambición a medida que pasaba de la calle a la galería. Gran parte de su trabajo hace referencia a la distinción entre riqueza y pobreza, y refleja su posición única como persona de color de clase trabajadora dentro del mundo del arte de las celebridades. En los años posteriores a su muerte, la atención (y el valor) de su trabajo ha aumentado constantemente, y una pintura incluso estableció un nuevo récord en 2017 por el precio más alto pagado por el trabajo de un artista estadounidense en una subasta.
El trabajo de Basquiat mezcló muchos estilos y técnicas diferentes. Sus pinturas a menudo incluían palabras y texto, sus grafitis eran expresivos y, a menudo, abstractos, y sus logotipos e iconografía tenían una profunda resonancia histórica. A pesar de la apariencia “no estudiada” de su trabajo, reunió con mucha habilidad y propósito una gran cantidad de tradiciones, prácticas y estilos dispares para crear su característico collage visual.
Muchas de sus obras de arte reflejan una oposición o tensión entre dos polos: rico y pobre, blanco y negro, experiencia interna y externa. Esta tensión y contraste reflejaron su herencia cultural mixta y sus experiencias al crecer y vivir en la ciudad de Nueva York y en Estados Unidos en general.
El trabajo de Basquiat es un ejemplo de cómo los artistas estadounidenses de la década de 1980 comenzaron a reintroducir y privilegiar la figura humana en su trabajo luego de la dominación del Minimalismo y el Conceptualismo en el mercado internacional del arte. Se consideraba que Basquiat y otros pintores neoexpresionistas establecían un diálogo con la tradición más lejana del expresionismo abstracto de la década de 1950 y el expresionismo anterior de principios de siglo.
El trabajo de Basquiat es emblemático del reconocimiento mundial del arte del punk, el graffiti y la práctica contracultural que tuvo lugar a principios de la década de 1980. Comprender este contexto y la interrelación de formas, movimientos y escenas en el reajuste del mundo del arte es esencial para comprender el entorno cultural en el que Basquiat hizo su trabajo. Las escenas subculturales, que antes se consideraban opuestas al mercado del arte convencional, se transformaron con el abrazo crítico y la celebración popular de sus artistas.
Para algunos críticos, el rápido ascenso a la fama de Basquiat y su muerte igualmente rápida y trágica por sobredosis de drogas personifican y personifican la escena artística internacional abiertamente comercial y exagerada de mediados de la década de 1980. Para muchos observadores, este período fue un fenómeno cultural que se correspondía negativamente con la economía de burbuja en gran medida artificial de la época, en detrimento de los artistas personalmente y la calidad de las obras de arte producidas.
El artista nació en Brooklyn de padres haitianos y puertorriqueños en 1960, y dejó su hogar cuando era adolescente para vivir en el Bajo Manhattan, tocando en una banda de ruido, pintando y sosteniéndose a sí mismo con trabajos ocasionales. A fines de la década de 1970, él y Al Diaz se hicieron conocidos por sus grafitis, una serie de declaraciones crípticas, como “Jugando al arte con el dinero de papá” y “Clon de 9 a 5”, con la etiqueta SAMO. En 1980, después de que un grupo de artistas del mundo del punk y el grafiti celebraran el “Times Square Show”, las pinturas de Basquiat comenzaron a atraer la atención del mundo del arte.
En el artículo de 1981 “The Radiant Child”, que ayudó a catapultar a Basquiat a la fama, el crítico René Ricard escribió: “Ya no coleccionamos arte, compramos a individuos. Esta no es una pieza de Samo. Esto es un pedazo de Samo”. Esta declaración captura el espíritu impulsado por el mercado del auge del arte de la década de 1980 que coincidió con puntos de vista polarizados en el gobierno y los medios, conocidos como las guerras culturales. En este contexto, Basquiat era muy consciente del racismo que con frecuencia se incrustaba en su recepción, ya fuera en forma de estereotipos positivos o negativos. En su trabajo, integró la crítica de un mundo del arte que lo celebraba y lo simbolizaba. Basquiat vio su propio estatus en este pequeño círculo de coleccionistas, comerciantes y escritores conectados con una historia estadounidense plagada de exclusión, invisibilidad y paternalismo, y a menudo usó su trabajo para denunciar directamente estas injusticias e hipocresías.
Antes de su trágica muerte en 1988 a la edad de veintisiete años, Basquiat expresó una energía creativa aparentemente ilimitada, produciendo aproximadamente mil pinturas y dos mil dibujos. A lo largo de las décadas, el estudio de las pinturas y los dibujos de Basquiat ha ofrecido una perspectiva texturada de la década de 1980 y, lo que es más importante, reflexiones continuas sobre la experiencia negra en un contexto estadounidense y mundial del legado de la esclavitud y el colonialismo de la supremacía blanca. Al mismo tiempo, el trabajo de Basquiat celebra las historias del arte, la música y la poesía negros, así como las tradiciones religiosas y cotidianas de la vida negra.
Muchas de las obras de Basquiat se han comparado con las composiciones expansivas e improvisadas del jazz. A menudo, los temas se acumulan a través de múltiples referencias en la superficie, emergiendo como patrones a partir de pinceladas gestuales, símbolos, inventarios, listas y diagramas. La mayoría de las imágenes en las obras de Basquiat tienen dobles y triples significados, algunos de los cuales el artista discutió y otros que dejó sin definir, quedando abiertos a la interpretación de los espectadores. Basquiat buscó y disfrutó de colisiones improbables de imágenes y palabras, flujos masivos de información y estímulos que recrearon la experiencia de estar en un mundo a su vez emocionante, inspirador, opresivo y tóxico.
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Jean-Michel Basquiat pasó de artista callejero de graffiti a protagonista de la escena punk del centro de la ciudad a estrella del arte celebridad en solo unos pocos años de su carrera. Este ascenso vertiginoso lo llevó de dormir en las calles de la ciudad de Nueva York a hacerse amigo de Andy Warhol y entrar en el mundo del arte estadounidense de élite como uno de los pintores más célebres del movimiento artístico neoexpresionista. Si bien Basquiat murió con solo 27 años de una sobredosis de heroína, ahora se ha asociado de manera indeleble con el aumento del interés por los artistas del centro de Nueva York durante la década de 1980.
El trabajo de Basquiat mezcló muchos estilos y técnicas diferentes. Sus pinturas a menudo incluían palabras y texto, sus grafitis eran expresivos y, a menudo, abstractos, y sus logotipos e iconografía tenían una profunda resonancia histórica. A pesar de la apariencia “no estudiada” de su trabajo, reunió con mucha habilidad y propósito una gran cantidad de tradiciones, prácticas y estilos dispares para crear su característico collage visual.
Muchas de sus obras de arte reflejan una oposición o tensión entre dos polos: rico y pobre, blanco y negro, experiencia interna y externa. Esta tensión y contraste reflejaron su herencia cultural mixta y sus experiencias al crecer y vivir en la ciudad de Nueva York y en Estados Unidos en general.
El trabajo de Basquiat es un ejemplo de cómo los artistas estadounidenses de la década de 1980 comenzaron a reintroducir y privilegiar la figura humana en su trabajo luego de la dominación del Minimalismo y el Conceptualismo en el mercado internacional del arte. Se consideraba que Basquiat y otros pintores neoexpresionistas establecían un diálogo con la tradición más lejana del expresionismo abstracto de la década de 1950 y el expresionismo anterior de principios de siglo.
El trabajo de Basquiat es emblemático del reconocimiento mundial del arte del punk, el graffiti y la práctica contracultural que tuvo lugar a principios de la década de 1980. Comprender este contexto y la interrelación de formas, movimientos y escenas en el reajuste del mundo del arte es esencial para comprender el entorno cultural en el que Basquiat hizo su trabajo. Las escenas subculturales, que antes se consideraban opuestas al mercado del arte convencional, se transformaron con el abrazo crítico y la celebración popular de sus artistas.
Para algunos críticos, el rápido ascenso a la fama de Basquiat y su muerte igualmente rápida y trágica por sobredosis de drogas personifican y personifican la escena artística internacional abiertamente comercial y exagerada de mediados de la década de 1980. Para muchos observadores, este período fue un fenómeno cultural que se correspondía negativamente con la economía de burbuja en gran medida artificial de la época, en detrimento de los artistas personalmente y la calidad de las obras de arte producidas.
En el artículo de 1981 “The Radiant Child”, que ayudó a catapultar a Basquiat a la fama, el crítico René Ricard escribió: “Ya no coleccionamos arte, compramos a individuos. Esta no es una pieza de Samo. Esto es un pedazo de Samo”. Esta declaración captura el espíritu impulsado por el mercado del auge del arte de la década de 1980 que coincidió con puntos de vista polarizados en el gobierno y los medios, conocidos como las guerras culturales. En este contexto, Basquiat era muy consciente del racismo que con frecuencia se incrustaba en su recepción, ya fuera en forma de estereotipos positivos o negativos. En su trabajo, integró la crítica de un mundo del arte que lo celebraba y lo simbolizaba. Basquiat vio su propio estatus en este pequeño círculo de coleccionistas, comerciantes y escritores conectados con una historia estadounidense plagada de exclusión, invisibilidad y paternalismo, y a menudo usó su trabajo para denunciar directamente estas injusticias e hipocresías.
Antes de su trágica muerte en 1988 a la edad de veintisiete años, Basquiat expresó una energía creativa aparentemente ilimitada, produciendo aproximadamente mil pinturas y dos mil dibujos. A lo largo de las décadas, el estudio de las pinturas y los dibujos de Basquiat ha ofrecido una perspectiva texturada de la década de 1980 y, lo que es más importante, reflexiones continuas sobre la experiencia negra en un contexto estadounidense y mundial del legado de la esclavitud y el colonialismo de la supremacía blanca. Al mismo tiempo, el trabajo de Basquiat celebra las historias del arte, la música y la poesía negros, así como las tradiciones religiosas y cotidianas de la vida negra.
Muchas de las obras de Basquiat se han comparado con las composiciones expansivas e improvisadas del jazz. A menudo, los temas se acumulan a través de múltiples referencias en la superficie, emergiendo como patrones a partir de pinceladas gestuales, símbolos, inventarios, listas y diagramas. La mayoría de las imágenes en las obras de Basquiat tienen dobles y triples significados, algunos de los cuales el artista discutió y otros que dejó sin definir, quedando abiertos a la interpretación de los espectadores. Basquiat buscó y disfrutó de colisiones improbables de imágenes y palabras, flujos masivos de información y estímulos que recrearon la experiencia de estar en un mundo a su vez emocionante, inspirador, opresivo y tóxico.
PrisioneroEnArgentina.com
Enero 20, 2022