El actor británico Marty Feldman no tuvo mucho éxito como joven estrella. De hecho, era un caso aislado. Luego, un accidente náutico, una afección tiroidea y un accidente de coche en su juventud le dañaron gravemente el rostro. Y sus ojos se fueron agrandando y separando, hasta que su apariencia se volvió bastante grotesca…
Si se ven fotos de Feldman de joven, en realidad era bastante guapo. Pero a medida que envejecía, su apariencia se volvió cada vez más extraña.
Y fue por esta razón, sobre todas las demás, que se hizo famoso. Sin embargo, se negó a la cirugía para parecer “normal”:
“Si aspirara a ser Robert Redford, me enderezaría los ojos y me arreglaría la nariz y acabaría como cualquier otro actor malo, con dos líneas en Kojak. Pero así, soy una novedad”.
Este hombre no era el epítome de la belleza masculina. No era una estrella de cine ruda ni un atractivo clásico, al menos no durante la mayor parte de su carrera. Y, de hecho, se benefició de ello. Y, además, recibía muchísima atención femenina, según todos sus amigos del mundo del espectáculo, ya que era un tipo encantador y seguro de sí mismo en su vida personal.
Sí, la apariencia importa. Pero, idealmente, deberías ser muy guapo, o tan gracioso que puedas ganar dinero con ello. Hay un punto ideal: o eres agradable a la vista o eres raro pero intrigante. Solo tienes que encontrar tu nicho y aprovecharlo.
La recién estrenada miniserie ‘Adolescencia’ ha expuesto la preocupación que hay sobre los ‘incels’, un colectivo que ya existía pero que ha adquirido visibilidad últimamente por el peligro que representan sus ideas, especialmente en un tiempo en el que Internet tiene amplia influencia en los adolescentes.
Los ‘incels’ (acrónimo de ‘involuntary celibate’, célibe involuntario, en inglés), son personas, principalmente hombres, que se sienten frustrados por su incapacidad para establecer relaciones románticas o sexuales, llevando a menudo a una visión negativa de las mujeres.
El origen del término se remonta a décadas atrás, en 1997, cuando una estudiante canadiense creó un sitio web para documentar sus dificultades para encontrar pareja llamado ‘Alana’s Involuntary Celibacy Project’ (El proyecto de celibato involuntario de Alana). A partir de ahí la abreviación pasó a formar parte del lenguaje que utilizaba con sus seguidores cuando compartían experiencias sobre la imposibilidad de tener una relación sentimental. Sin embargo, con el paso de los años, el término empezó a adquirir significados diferentes.
Rápidamente, esta web se convirtió en un espacio digital para personas con experiencias similares. Este grupo ha sido objeto de controversia debido a su ideología y actos violentos que fomentan la misoginia, un fuerte odio y resentimiento hacia las mujeres, culpándolas de su situación de soledad.
La serie, que está entre las más vistas de la plataforma Netflix en diversos países, aborda este fenómeno a través de personajes que representan diversas realidades sociales y emocionales. Trata el caso de Jamie, un adolescente de 13 años, acusado de haber asesinado a una compañera tras haber estado expuesto a material misógino ‘online’ y haber sido objeto de ciberacoso.
Retrata así, cómo la masculinidad tóxica puede desarrollarse en silencio, bajo un sistema digital que la refuerza y difunde. El reciente interés social por los ‘incels’ muestra una reacción a problemas contemporáneos que afectan tanto a las relaciones de género como a la salud mental y a la democracia digital.
El debate se centra en cómo la serie retrata y humaniza a estos individuos, explorando sus luchas y frustraciones. Por un lado, algunos críticos argumentan que ofrece una representación superficial que podría normalizar actitudes tóxicas.
Por otro lado, ha generado la necesidad de abordar y tomar conciencia sobre el impacto cultural, social y político de las subculturas digitales, y de la influencia en menores y jóvenes en las redes sociales. En este sentido hay quienes defienden que la serie ofrece una perspectiva necesaria sobre la soledad y la búsqueda de conexión.
Sam Elliott es un actor estadounidense conocido por su voz profunda, su personalidad robusta y su imponente presencia en cine y televisión. Nacido el 9 de agosto de 1944 en Sacramento, California, Elliott ha forjado una carrera de más de cinco décadas, ganando reconocimiento por sus papeles en westerns, dramas y películas de acción.
Elliott creció en Oregón, donde desarrolló una pasión por la actuación. Tras estudiar en el Clark College, se dedicó a Hollywood, consiguiendo papeles menores en películas como Dos hombres y un destino (1969). Sus primeros trabajos en westerns televisivos le ayudaron a consolidar su reputación como figura del vaquero, lo que le llevó a papeles más destacados.
Elliott alcanzó un amplio reconocimiento con su actuación en Salvavidas (1976), seguida de papeles destacados en Mask (1985) y Road House (1989). Su interpretación de Virgil Earp en Tombstone (1993) y del general de brigada John Buford en Gettysburg (1993) consolidó su estatus como leyenda del western. En 2018, Elliott protagonizó Ha nacido una estrella junto a Bradley Cooper y Lady Gaga, obteniendo una nominación al Óscar a Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para aportar profundidad y autenticidad a sus personajes lo ha convertido en una figura muy querida en Hollywood.
Elliott sigue cautivando al público, y recientemente protagonizó 1883, la precuela de Yellowstone. Su distintiva voz y su imponente presencia siguen siendo sus señas de identidad, convirtiéndolo en uno de los actores más respetados de la industria.
Justo cuando amanece en California, Sam Elliott se despierta, normalmente alrededor de las 5:30 a. m. Sale con su café en la mano y respira el aire fresco de la mañana. A sus 80 años, sus días son más tranquilos que antes, pero su rutina se mantiene constante. Recorre su propiedad, escuchando los sonidos de la naturaleza, antes de regresar a ver cómo está su esposa, la actriz Katharine Ross. Su matrimonio, que dura casi 40 años, se ha mantenido firme a pesar de los cambios de la vida.
El desayuno es sencillo: avena o huevos, según el día. Elliott cree en la moderación, una lección aprendida durante décadas en Hollywood. Su voz profunda e icónica aún tiene peso, aunque ahora habla con más suavidad, eligiendo cuidadosamente sus palabras. Pasa las mañanas leyendo, a veces guiones, pero a menudo libros de historia o novelas del Oeste. Valora las historias de resiliencia, de personas fuertes que se enfrentan a un mundo difícil.
Elliott ya no busca papeles activamente. Los selecciona con cuidado, atraído por guiones con determinación y autenticidad. Siente que gran parte de Hollywood ha perdido su esencia, pero comprende la industria. Cuando aparece un papel adecuado, lo acepta, como interpretar al rudo vaquero Shea Brennan en “1883”. Le recordó su pasión inicial por la actuación. Ahora es más selectivo, disfrutando de la libertad que le brinda su éxito de larga data.
Sale a caminar a media mañana, a menudo con su esposa, y sus conversaciones fluctúan entre el pasado y el presente. A veces, reflexiona sobre su juventud en Sacramento, donde su sueño de actuar parecía lejano. Recuerda los días difíciles, trabajando en la construcción mientras hacía audiciones. Siempre supo que encajaba en el western, que su voz y presencia encajaban a la perfección con el género.
Almuerza ligero, un sándwich o una ensalada. Se mantiene activo, convencido de que el movimiento es crucial para la longevidad. Sus entrenamientos se centran en mantener la fuerza, no en desarrollar músculo, para disfrutar de la vida. Estira, hace ejercicios con el propio peso corporal y se toma tiempo personal.
A menudo pasa las tardes en su rancho, haciendo pequeñas tareas o simplemente disfrutando del entorno. Valora la paz, la distancia del bullicio de Hollywood. Su hogar es su santuario, donde puede ser simplemente un hombre que vive su vida, no “Sam Elliott, el actor”.
Sus noches son relajadas. Disfruta de la música: country clásico, blues, cualquier cosa con una historia genuina. Toma una copa, a veces bourbon, a veces vino, y contempla la puesta de sol. Si él y Katharine tienen ganas, ven una película, pero rara vez la suya. Nunca ha sido de los que ven sus actuaciones repetidamente.
Su filosofía de vida ha madurado con la edad. Cree en la paciencia y en apreciar el presente. Una vez dijo: “Las mejores cosas de la vida suceden cuando no las buscas”, y todavía lo cree. Reconoce su suerte, pero sabe que la suerte no significa nada sin trabajo duro.
Al caer la noche, se relaja y se acuesta temprano. Su vida ya no se trata de perseguir el próximo gran éxito; Se trata de estar presente, disfrutar de la sencillez de una vida bien vivida.
George Richard Chamberlain, a menudo conocido como el “Rey de las Miniseries”, fue un célebre actor estadounidense cuya carrera se extendió durante décadas y dejó una huella imborrable en la televisión y el cine. Nacido el 31 de marzo de 1934 en Beverly Hills, California, Chamberlain saltó a la fama a principios de la década de 1960 como protagonista del drama médico Dr. Kildare, donde interpretó al serio y encantador Dr. James Kildare. Su papel en la serie lo convirtió en un nombre familiar y un galán, ganándose la admiración de todos y estableciéndose un lugar en Hollywood.
La carrera de Chamberlain se caracterizó por su versatilidad y su disposición a asumir papeles desafiantes. Tras el éxito de Dr. Kildare, dio el salto a la escena teatral, actuando en producciones como Hamlet y Desayuno con diamantes. Su trabajo teatral demostró su gran talento actoral y le valió elogios de la crítica. Chamberlain también incursionó en el cine, apareciendo en obras destacadas como Los Tres Mosqueteros y Las Minas del Rey Salomón. Sin embargo, su verdadero fuerte siguió siendo la televisión, donde se convirtió en sinónimo de miniseries épicas.
Con Sharon Stone en Las Minas del Rey Salomon
Chamberlain en Shogun
Con Rachel Ward en Rl Pájaro Espino
En la década de 1980, Chamberlain protagonizó dos de las miniseries más icónicas de la época: Shogun y El Pájaro Espino. Su interpretación del Padre Ralph de Bricassart en El Pájaro Espino fue particularmente memorable, capturando las complejidades del amor prohibido y la ambición. Estas actuaciones consolidaron su reputación como maestro del melodrama y le valieron elogios tanto del público como de la crítica.
Más allá de sus logros profesionales, la vida personal de Chamberlain estuvo marcada por la valentía y la resiliencia. En 2003, se declaró públicamente gay en su autobiografía, Amor Destrozado, rompiendo barreras y desafiando estereotipos en una industria que a menudo exigía conformidad. Su franqueza sobre sus dificultades e identidad inspiró a muchos y destacó la importancia de la autenticidad.
El legado de Chamberlain es de talento, perseverancia e impacto. Falleció el 29 de marzo de 2025, a la edad de 90 años, dejando tras de sí una rica obra que sigue impactando a fans de todo el mundo. Desde sus inicios como estrella de la televisión hasta sus últimos años como respetado actor y defensor, la vida y la carrera de Richard Chamberlain ejemplifican el poder del arte y la valentía de ser uno mismo. Sus contribuciones al entretenimiento y la cultura siguen siendo un testimonio de su perdurable influencia.
El artista de 90 años murió cerca de la medianoche del sábado a las afueras de Honolulu, Hawái.
El actor estadounidense Richard Chamberlain ha fallecido a la edad de 90 años a causa de las complicaciones de un derrame cerebral. El artista murió cerca de la medianoche del sábado en su casa, a las afueras de Honolulu, Hawái.
Entre 1961 y 1965, el actor alcanzó la fama al protagonizar la exitosa serie ‘Dr. Kildare’. A partir de los años 70 fue la estrella de producciones televisivas como ‘Hamlet’ y ‘El pájaro espino’. La miniserie ‘Shogun’ de 1980 también le reportó mucho éxito.
La imagen de ídolo estadounidense de matiné de Chamberlain frenó su carrera actoral en ocasiones, hasta que demostró su valía en el escenario con una aclamada producción de “Hamlet” y otras interpretaciones shakespearianas. Sin embargo, no fue suficiente para impulsarlo a una importante carrera cinematográfica. Protagonizó varias películas notables, como “Petulia”, “Los tres mosqueteros”, “Los amantes de la música” y “La última ola” de Peter Weir. Pero su fuerte siguió siendo la pantalla chica, donde interpretó a personajes de todos los tamaños, desde el inglés Eduardo VIII y el novelista F. Scott Fitzgerald hasta el héroe de la Segunda Guerra Mundial Raoul Wallenberg.
Varias actrices famosas tienen historias fascinantes, incluyendo experiencias como bailarinas exóticas antes de alcanzar la fama en Hollywood. Estas experiencias a menudo reflejan su resiliencia y determinación para triunfar en la industria del entretenimiento. Aquí hay algunos ejemplos notables:
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Lady Gaga, conocida por su personalidad audaz y talento musical, trabajó como camarera de día y bailarina exótica de noche antes de su salto al estrellato. Ha compartido abiertamente cómo esta etapa de su vida la ayudó a forjar su confianza y presencia escénica. Las actuaciones de Gaga a menudo incorporaban elementos de su pasado, mostrando su capacidad para cautivar al público.
Constance Wu, célebre por sus papeles en Crazy Rich Asians y Hustlers, también tiene una conexión con el mundo de la danza exótica. Si bien no era bailarina, se sumergió en la cultura para prepararse para su papel en Hustlers. Su dedicación a la autenticidad resalta la importancia de comprender y respetar las experiencias de los demás.
NeNe Leakes, estrella de The Real Housewives of Atlanta, trabajó como bailarina exótica bajo el nombre de “Silk” antes de su carrera televisiva. En sus memorias, describió cómo el baile la empoderó y le brindó independencia financiera durante una época difícil de su vida. La trayectoria de Leakes, del escenario a los realities, ejemplifica su determinación y carisma.
Estas historias ilustran cómo las diversas experiencias pueden contribuir al camino de una artista. El baile exótico, a menudo incomprendido, requiere habilidad, confianza y resiliencia, cualidades que sin duda han influido en las carreras de estas actrices. Sus caminos hacia la fama nos recuerdan que el éxito a menudo proviene de aceptar la propia historia y usarla como base para el crecimiento personal.
Arnold Schwarzenegger no se contuvo cuando atacó a Donald Trump durante una aparición televisiva en vivo. El icónico actor y exgobernador de California, conocido por su personalidad dura y su actitud sensata, se desató por completo contra el expresidente, y su respuesta encendida dio que hablar.
Arnold Schwarzenegger y Donald Trump han tenido una relación conflictiva, marcada por desacuerdos y críticas públicas. Schwarzenegger, exgobernador republicano de California, ha expresado abiertamente su desaprobación de Trump, en particular con respecto a las acciones y políticas de Trump.
Resultados electorales: Schwarzenegger ha criticado a Trump por su continuo rechazo a los resultados de las elecciones de 2020 y los eventos del 6 de enero de 2021.
Respaldos políticos: En las elecciones presidenciales de 2024, Schwarzenegger respaldó a Kamala Harris y Tim Walz, afirmando que cree que Trump no es apto para la reelección.
Declaraciones públicas: Schwarzenegger ha hecho varias declaraciones públicas contra Trump, enfatizando la necesidad de un cambio de liderazgo y criticando la retórica divisiva de Trump.
Predicciones: En entrevistas, Schwarzenegger ha compartido sus predicciones sobre el futuro político de Trump, expresando a menudo escepticismo sobre la capacidad de Trump para unir al país.
Partido Republicano: La postura de Schwarzenegger refleja una tendencia más amplia de algunos republicanos que se distancian de Trump y respaldan a candidatos de otros partidos.
Percepción pública: La disputa en curso entre Schwarzenegger y Trump resalta las profundas divisiones dentro del Partido Republicano y las diferentes perspectivas sobre el liderazgo de Trump.
El actor y exgobernador de California sostuvo que Trump “es el peor presidente de la historia”
El legendario actor, dos veces ganador del Oscar y autor Gene Hackman y su esposa, la pianista clásica Betsy Arakawa, fueron encontrados muertos ayer miércoles por la tarde en su casa en la comunidad de Santa Fe Summit, al noreste de la ciudad.
Hackman y su esposa
Gene Hackman, nacido como Eugene Allen Hackman el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, fue un actor versátil y célebre cuya carrera se extendió por más de cuatro décadas. Conocido por su encanto rudo y su habilidad para interpretar personajes complejos, Hackman ganó dos premios Oscar: Mejor actor por su papel de Jimmy “Popeye” Doyle en “Contacto en Francia” (1971) y Mejor actor de reparto por su papel de Little Bill Daggett en “Sin perdón” (1992)1.
Los primeros años de vida de Hackman estuvieron marcados por frecuentes mudanzas y una temporada en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Estudió interpretación en el Pasadena Playhouse, donde inicialmente se lo consideró “el menos probable de triunfar” junto con su colega actor Dustin Hoffman2. Sin embargo, el talento de Hackman pronto se hizo evidente, lo que le llevó a obtener papeles memorables en películas como “Bonnie y Clyde” (1967), “La conversación” (1974) y “Superman” (1978).
Hackman se había retirado de la actuación en 2004 y decidió centrarse en escribir novelas y disfrutar de una vida más tranquila en Santa Fe, Nuevo México, con su esposa, Betsy Arakawa. Su legado se define por su capacidad para aportar autenticidad y profundidad a sus personajes, lo que lo convierte en uno de los actores más respetados y duraderos de Hollywood.
El sheriff del condado de Santa Fe, Adan Mendoza, confirmó poco después de la medianoche del jueves que la pareja había muerto, junto con su perro.
Mendoza dijo en una entrevista el miércoles por la noche que no había indicios inmediatos de que se hubiera cometido un delito. No proporcionó una causa de muerte ni dijo cuándo podría haber muerto la pareja.
Los años 60 fueron una década vibrante para la televisión, en la que se produjeron algunos de los programas de acción y aventuras más emblemáticos que cautivaron a la audiencia y dejaron un legado duradero.Estos programas combinaban narrativas emocionantes, personajes carismáticos y una narración innovadora, estableciendo el estándar para las generaciones futuras de programación de acción y aventuras.
“El agente de CIPOL” (1964-1968) es una de las series de acción y aventuras más celebradas de los años 60. Creada por Sam Rolfe y desarrollada por Norman Felton, la serie seguía las hazañas de dos agentes secretos, Napoleon Solo (Robert Vaughn) e Illya Kuryakin (David McCallum), que trabajaban para el Comando de la Red Unida para la Aplicación de la Ley (C.I.N.C.L.E.).
Su misión era frustrar los siniestros planes de THRUSH, una organización criminal internacional.La combinación de espionaje, artilugios y bromas ingeniosas del programa, junto con su elegante representación de la era de la Guerra Fría, lo convirtieron en un fenómeno cultural.
“El agente de U.N.C.L.E.”inspiró una variedad de productos, productos derivados e incluso una adaptación cinematográfica en 2015.
“Misión: Imposible” (1966-1973) es otra serie destacada de acción y aventuras de la década de 1960. Creada por Bruce Geller, el programa narraba las misiones de la Fuerza de Misiones Imposibles (IMF), un equipo de agentes secretos encargados de llevar a cabo operaciones encubiertas.
Liderados por el enigmático Jim Phelps (Peter Graves), el equipo utilizó planes intrincados, disfraces y artilugios de alta tecnología para completar sus misiones.
Conocida por su icónica música temática, su narrativa innovadora y sus giros de trama llenos de suspenso, “Misión: Imposible” dejó una marca indeleble en el género.
La influencia del programa perdura a través de una exitosa franquicia cinematográfica protagonizada por Tom Cruise.
“Batman” (1966-1968) trajo a un héroe de cómic a la pantalla chica con una combinación única de acción, aventura y humor exagerado.
Protagonizada por Adam West como Batman y Burt Ward como Robin, la serie presentaba al dinámico dúo luchando contra una variedad de coloridos villanos en Ciudad Gótica, como El Pinguino, El Guason o El Joker.
El estilo visual distintivo del programa, la pegadiza canción principal y las frases memorables lo convirtieron en una sensación de la cultura pop.
“Batman” no solo entretuvo a los espectadores, sino que también presentó a una nueva generación al mundo de los superhéroes, allanando el camino para futuras adaptaciones.
“Los Vengadores” (1961-1969) fue una serie de espionaje británica que ganó reconocimiento internacional.
Protagonizada por Patrick Macnee como el afable John Steed y Diana Rigg como la elegante y hábil Emma Peel, la serie siguió al dúo mientras investigaban y frustraban varios complots nefastos.
Conocida por su ingenio sofisticado, sus tramas ingeniosas y sus personajes carismáticos, “Los Vengadores” se convirtió en un sello distintivo de la televisión británica e influyó en innumerables programas de espías que le siguieron.
La década de 1960 fue una época dorada para la televisión de acción y aventuras, con programas icónicos como “El agente de CIPOL”, “Misión: Imposible”, “Batman” y “Los Vengadores”.Estas series cautivaron a la audiencia con sus emocionantes historias, personajes memorables y una narrativa innovadora, dejando un legado duradero en el mundo de la televisión.Establecieron el estándar para el género y continúan inspirando y entreteniendo a nuevas generaciones de espectadores.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” fue prohibido recientemente en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos (DoDEA, por sus siglas en inglés) debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión (DEI, por sus siglas en inglés).
El libro infantil semiautobiográfico, publicado en 2007, cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma tal como es. Moore expresó su conmoción y decepción por la prohibición, especialmente porque ella misma es una orgullosa graduada de una escuela del Departamento de Defensa.En respuesta a la prohibición, su editor ha decidido reimprimir el libro para satisfacer la creciente demanda.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” se ha vuelto realmente controvertido.El libro fue prohibido en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión.La historia semiautobiográfica sobre una niña que aprende a aceptar sus pecas fue marcada por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.
La controversia ha provocado un debate sobre el equilibrio entre promover la inclusión y mantener los estándares educativos.
Julianne Moore
La trama de “Freckleface Strawberry” en sí no es inherentemente controvertida.Es un libro infantil que cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma como es.El mensaje del libro trata sobre la autoaceptación y la comprensión de que cada persona es única, lo que generalmente se considera positivo y alentador. Sin embargo, la controversia surge del contexto en el que se prohibió el libro.
La ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión llevó a que el libro fuera marcado por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.Esta decisión ha provocado un debate sobre qué constituye material apropiado para niños y el papel de los programas DEI en la educación. La controversia tiene más que ver con las implicaciones políticas y sociales de la prohibición que con el contenido del libro en sí.Es un debate sobre cómo equilibrar la inclusión y los estándares educativos, y sobre si ciertos temas deberían restringirse en los entornos educativos.
Muchos escritores y autores han expresado su preocupación por la tendencia creciente de las prohibiciones de libros y su impacto en la libertad de expresión. Autores y editores han criticado la prohibición como un ejemplo de censura que sofoca la creatividad y limita el acceso a perspectivas diversas.La Asociación de Bibliotecas de Estados Unidos y PEN America han condenado la prohibición, destacando la importancia de permitir que los niños exploren diferentes puntos de vista y aprendan sobre la aceptación y el amor propio.
Además, varios autores destacados se han sumado a la conversación, expresando su solidaridad con Moore y enfatizando la necesidad de proteger la literatura infantil de las agendas políticas.La controversia también ha dado lugar a debates sobre las implicaciones más amplias de las prohibiciones de libros y el papel de la educación en el fomento del pensamiento crítico y la empatía. Está claro que la comunidad literaria está unida en su oposición a la prohibición y aboga por la preservación de la libertad de expresión y el acceso a una literatura diversa.
Si Ramon hubiera evitado tratar con extraños para curar su soledad, habría vivido hasta una edad avanzada y no habría sido asesinado en circunstancias sórdidas.
El 30 de octubre de 1968, Ramon recibió una llamada telefónica de estos dos completos desconocidos, los hermanos Tom y Paul Ferguson, de 17 y 22 años, que se ofrecieron a Roman para una noche de sexo (permítanme decir aquí mismo que Ramon Navarro era gay y se valía de los servicios de prostitutos masculinos). Los hermanos Ferguson obtuvieron el número de teléfono de Ramon de uno de los hombres que le ofrecía sus favores a Ramon de manera regular. Ramon dijo que sí, que viniera y que haríamos una fiesta.
Lo único, sin embargo, era que tener sexo con una leyenda del cine mudo no estaba en sus mentes. Era un robo. Ramón tenía un montón de dinero por la suma de $5000 ($46,548 en dinero de 2025) escondido en su casa y querían apoderarse de él. Sin el permiso de Navarro…
En lugar de una noche de éxtasis y placer en un trío, estos dos neandertales sometieron a este pobre hombre solitario de 69 años y le propinaron torturas y palizas brutales para que Ramón revelara este escondite secreto de efectivo que era solo una fantasía. Todo lo que Ramón tenía eran 20 dólares que estos cretinos le arrebataron y dejaron a Navarro morir de una muerte lenta y agonizante ahogándose en su propia sangre. Los hermanos Ferguson fueron capturados y condenados y recibieron largas sentencias de prisión. Fueron liberados durante los años 70, pero ambos hermanos fueron capturados y condenados más tarde por otros delitos y recibieron sentencias más largas que las que recibieron por asesinar a Navarro. Tom se suicidaría más tarde en 2005 y Paul sería asesinado por un recluso mientras cumplía una condena por violación en una prisión de Missouri en 2018.
Lo que demuestra que tener sexo con extraños es muy arriesgado y podría matarte. Especialmente si recibes una llamada en tu teléfono de alguien a quien nunca has conocido que quiere tener sexo contigo.
Nacido el 1 de enero de 1969 en Sturgis, Michigan, Troyer fue un actor más conocido por su papel de Mini-Me en la serie “Austin Powers”. A pesar de enfrentar los desafíos de haber nacido con acondroplasia, una forma de enanismo, Verne Troyer hizo contribuciones significativas a la industria del entretenimiento y utilizó su plataforma para promover la educación y la concienciación.
El viaje de Troyer en la industria del entretenimiento comenzó a mediados de la década de 1990, y rápidamente ganó reconocimiento por su talento y carisma únicos. Su papel de Mini-Me en “Austin Powers: La espía que me achuchó” (1999) y su secuela, “Austin Powers en Miembro de Oro” (2002), lo catapultó a la fama internacional. A pesar de las limitaciones físicas impuestas por su condición, Troyer demostró una notable versatilidad y dedicación a su oficio, ganándose la admiración del público y de sus colegas por igual.
Más allá de su carrera como actor, Verne Troyer fue un defensor de la educación y la promoción de las disciplinas STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas). Comprendió la importancia de la educación para empoderar a las personas y fomentar la innovación. Troyer participó a menudo en eventos e iniciativas destinadas a alentar a los jóvenes, especialmente a aquellos con discapacidades, a perseguir sus pasiones y sobresalir en sus campos elegidos.
La defensa de Troyer se extendió a la concienciación sobre el enanismo y los desafíos que enfrentan las personas pequeñas. Al compartir sus experiencias y éxitos, buscó inspirar a otros a superar obstáculos y perseguir sus sueños. Su mensaje fue de resiliencia, determinación y la importancia de la educación para alcanzar las metas de uno.
En conclusión, el legado de Verne Troyer se extiende más allá de sus memorables papeles en cine y televisión. Fue un defensor apasionado de la educación y la promoción de las disciplinas STEM, utilizando su plataforma para inspirar y empoderar a otros. Las contribuciones de Troyer a la industria del entretenimiento y sus esfuerzos por crear conciencia sobre el enanismo y la importancia de la educación siguen resonando, lo que lo convierte en una figura notable que trascendió las limitaciones de su condición. Su vida sirve como testimonio del poder de la perseverancia y el impacto transformador de la educación.
Troyer falleció el 21 de abril de 2018, a la edad de 49 años. Su muerte se atribuyó a complicaciones derivadas de una intoxicación alcohólica. Troyer había luchado contra la depresión y el abuso de sustancias a lo largo de su vida. A pesar de sus desafíos, dejó un legado duradero a través de su trabajo en el cine, sus esfuerzos en el ámbito de la educación y su defensa de las personas con enanismo.
“Las calles de San Francisco” es un drama policial estadounidense por excelencia que se emitió entre 1972 y 1977. El programa, producido por Quinn Martin Productions, presenta un dúo formidable: el veterano detective teniente Mike Stone, interpretado por Karl Malden, y su compañero más joven, el inspector Steve Keller, interpretado por Michael Douglas. La serie, que tiene como telón de fondo las pintorescas y sórdidas calles de San Francisco, combina una narrativa cautivadora con el encanto único de su entorno.
La premisa del programa gira en torno a Stone y Keller mientras abordan diversos delitos, que van desde homicidios hasta robos, en la bulliciosa ciudad de San Francisco. Cada episodio es una historia independiente, que presenta un nuevo caso para que los detectives resuelvan. La química entre Malden y Douglas es una piedra angular del éxito del programa. La interpretación de Malden del experimentado y sabio Stone complementa perfectamente la representación de Douglas del entusiasta e idealista Keller. Su dinámica captura la relación mentor-aprendiz, añadiendo profundidad a sus personajes y a las narrativas.
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Una de las características distintivas de “The Streets of San Francisco” es su compromiso con la autenticidad. El programa se filmó en el lugar, utilizando los monumentos icónicos de la ciudad, las colinas empinadas y los diversos vecindarios. Esto no solo proporcionó un telón de fondo visualmente impresionante, sino que también infundió a la serie una sensación de realismo. Los tranvías, el puente Golden Gate y el bullicioso Fisherman’s Wharf se convirtieron en partes integrales de la narración, convirtiendo a la ciudad casi en un personaje por derecho propio.
La serie fue elogiada por su representación realista del trabajo policial y su capacidad para abordar problemas sociales complejos. Los episodios a menudo ahondaban en temas como la adicción a las drogas, el racismo y la salud mental, reflejando los desafíos sociales de la época. Este enfoque diferenció a “The Streets of San Francisco” de otros dramas policiales, ya que ofrecía más que solo suspenso y acción: proporcionaba un espejo de los problemas del mundo real que enfrenta la sociedad.
La participación de Michael Douglas en el programa fue particularmente notable. Su papel en “The Streets of San Francisco” ayudó a lanzar su carrera, mostrando su destreza actoral y ganándose elogios de la crítica. El éxito del programa también reforzó la reputación de Karl Malden como actor versátil y convincente.
En conclusión, “The Streets of San Francisco” sigue siendo un clásico querido en el género de los dramas policiales. Su combinación de un fuerte desarrollo de personajes, un entorno auténtico y un compromiso con los problemas sociales ha dejado un impacto duradero en la historia de la televisión. La serie no solo entretuvo a los espectadores, sino que también ofreció una exploración reflexiva de las complejidades de la vida urbana y la aplicación de la ley.
La icónica mansión de la popular película ‘Mi pobre angelito’ (‘Solo en casa’, en España), ubicada en Winnetka (Illinois, EE.UU.), ha sido vendida oficialmente por 5,5 millones de dólares.
Tim y Trisha Johnson compraron la vivienda por 1,58 millones de dólares en 2012 y, seis años después, la renovaron y ampliaron conservando el exterior de ladrillo que la hizo famosa en el clásico filme protagonizado por el actor Macaulay Culkin.
Cabe señalar que solo el exterior del inmueble apareció en la película, ya que el interior era demasiado estrecho para un equipo de rodaje completo. Así que para la grabación se construyó un enorme plató de dos plantas en el interior de una escuela abandonada que se encontraba cerca.
La casa, que ha encontrado nuevo dueño después de menos de un año en el mercado, es muy espaciosa: cuenta con cinco dormitorios, seis baños, una sala de cine de alta gama e incluso una pista polideportiva cubierta de primer nivel.
Paul Newman se alistó en la Marina apenas cuatro días antes de cumplir 18 años con la esperanza de convertirse en piloto, pero debido a su daltonismo lo nombraron artillero.
Newman estuvo destinado en un portaaviones como artillero de torreta de un Avenger y, si no hubiera sido por un extraño giro del destino, tal vez no hubiera sobrevivido a la Segunda Guerra Mundial.
Durante la batalla de Okinawa, la tripulación de Newman fue asignada al portaaviones USS Bunker Hill.
Una infección de oído impidió al piloto de Newman volar, por lo que permanecieron en Hawái mientras su escuadrón se unía al portaaviones.
El 11 de mayo de 1945, el Bunker Hill fue atacado por dos kamikazes japoneses, matando a más de la mitad de la tripulación, incluidos todos los miembros del escuadrón de Newman.
Newman dijo una vez que nunca superó la angustia de perder a tantos amigos, o la culpa del sobreviviente de haber sido salvado hasta que conoció a Joanne Woodward.
El icónico cineasta estadounidense David Lynch murió el jueves a los 78 años tras una enfermedad grave.
“Con profundo pesar, nosotros, su familia, anunciamos el fallecimiento del hombre y artista David Lynch. Agradeceríamos un poco de privacidad en este momento. Hay un gran agujero en el mundo ahora que ya no está con nosotros. Pero, como él decía, ‘Mantén la vista en la rosquilla y no en el agujero'”, anunciaron en sus redes sociales.
En agosto del año pasado, el director de películas como ‘Eraserhead’ y ‘Mulholland Drive’, y el creador de la serie ‘Twin Peaks’ reveló que ya no podría salir de su casa, tras haberle diagnosticado un enfisema a causa de haber fumado durante toda su vida.
“He tenido un enfisema por fumar durante tanto tiempo y por eso estoy confinado en casa, me guste o no. Sería muy malo para mí enfermar, incluso con un resfriado”, aseguró, añadiendo que solo puede caminar una corta distancia antes de quedarse “sin oxígeno”. Según la Organización Mundial de la Salud, el enfisema, también conocido como ‘enfermedad pulmonar obstructiva crónica’ (EPOC), es la tercera causa de muerte en el mundo y sus causas más comunes son el tabaquismo y la contaminación del aire.
En 1977, Lynch irrumpió en la escena cinematográfica con su debut ‘Eraserhead’, una obra de humor negro. “Su estilo extravagante e intransigente rápidamente se ganó la atención de Hollywood y del mundo del cine internacional”.
Más tarde, en 1981, su drama ‘The Elephant Man’ (‘El hombre elefante’) sobre un hombre gravemente deformado en la Inglaterra victoriana recibió ocho nominaciones al Oscar.
Asimismo, los episodios de ‘Twin Peaks’ revolucionaron la televisión en 1990, narrando la investigación del misterioso asesinato de una chica de secundaria en un pueblo estadounidense. “Abordó temas inquietantes y hasta entonces tabú e hizo de lo inexplicable un elemento fijo de la televisión narrativa moderna”, comenta Variety.
Por su parte, el propio director se mostró siempre reticente a la hora de descifrar el significado de sus obras. “Imagínese que encuentra un libro de acertijos y puede empezar a desentrañarlos, pero son realmente complicados. Los misterios se volverían evidentes y lo emocionarían. Todos encontramos este libro de acertijos y es simplemente lo que está sucediendo. Y puede descifrarlos. El problema es que los descifra dentro de sí mismo, e incluso si se lo contara a alguien, no le creería ni lo entendería de la misma manera que usted”, explicó.
Robert Selden Duvall es un célebre actor, director y productor estadounidense, conocido por su notable alcance, profundidad y autenticidad en una carrera que abarca más de seis décadas.
Nacido el 5 de enero de 1931 en San Diego, California, Robert Duvall se crió en una familia militar. Estudió en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, donde se formó como actor y perfeccionó su arte. Los primeros años de Duvall en Hollywood transcurrieron principalmente en televisión, con apariciones en programas como The Twilight Zone y The Outer Limits. Su gran éxito llegó a principios de los años 60, cuando empezó a conseguir papeles secundarios en películas.
Considerado ampliamente como uno de los mejores actores de su generación, Duvall se ha ganado el reconocimiento de la crítica por sus interpretaciones de personajes complejos, a menudo moralmente ambiguos, en una variedad de géneros, desde westerns hasta películas de guerra, dramas y comedias. Su carrera ha estado marcada tanto por papeles protagonistas icónicos como por actuaciones secundarias sutiles y memorables.
Matar a un ruiseñor (1962) Una de las primeras actuaciones más memorables de Duvall fue su interpretación del misterioso y solitario Boo Radley en Matar a un ruiseñor (1962). Aunque el papel era relativamente pequeño, la actuación de Duvall como el personaje incomprendido dejó un impacto duradero. Su interpretación de Boo, un personaje que evoca tanto miedo como simpatía, fue sutil y matizada, mostrando su capacidad para transmitir emociones profundas con un diálogo mínimo.
La serie El Padrino (1972, 1974, 1990) La carrera de Duvall realmente se disparó con su papel como Tom Hagen, el hijo adoptivo y consigliere de la familia Corleone, en El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola y sus secuelas. Su interpretación del tranquilo, calculador y leal Hagen es uno de los papeles secundarios más emblemáticos de la historia del cine. Duvall le dio profundidad al personaje, un hombre que se mueve entre su lealtad a la familia y los complejos dilemas éticos de estar involucrado en el crimen organizado. La interpretación de Duvall de Hagen en El Padrino II (1974) le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto. Fue protagonizada por Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro y James Caan.
Apocalipsis ahora (1979) En otro papel icónico, Duvall protagonizó al teniente coronel Bill Kilgore en la película épica de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam Apocalipsis ahora (1979). La actuación de Duvall es uno de los momentos más destacados de la película, con su interpretación del excéntrico y carismático oficial pronunciando algunas de las líneas más memorables de la película, incluida la famosa “Me encanta el olor del napalm por la mañana”. Kilgore es un personaje más grande que la vida, lleno de bravuconería, pero Duvall le aporta una humanidad que hace que el papel sea tanto cómico como trágico. Por su actuación, Duvall recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto. También actuaron Marlon Brando y Martin Sheen en esa producción.
La actriz argentino-británica Olivia Hussey, que interpretó a Julieta en la película ‘Romeo y Julieta’ de 1968, papel que le valió un Globo de Oro, falleció en su casa este viernes a los 73 años, según ha anunciado su familia.
“Olivia fue una persona extraordinaria cuya calidez, sabiduría y bondad pura tocaron las vidas de todos los que la conocieron”, indicó su familia en un comunicado publicado en redes. “Vivió una vida llena de pasión, amor y dedicación a las artes, la espiritualidad y la bondad hacia los animales”, añade.
Hussey, nacida en Buenos Aires, tenía tan solo 15 años cuando protagonizó la adaptación de la tragedia de William Shakespeare del director Franco Zeffirelli. La joven actriz, que recibió un Globo de Oro a la “Nueva estrella del año” por su interpretación, protagonizó más tarde, entre otros proyectos, la película de terror de 1974 ‘Navidad sangrienta’ y la adaptación de 1978 de la obra de Agatha Christie ‘Muerte en el Nilo’.
Una estrella de cine es un actor o actriz que ha alcanzado un alto nivel de fama y reconocimiento por sus actuaciones en películas. Estas personas suelen ser muy conocidas por el público y son reconocidas no solo por sus habilidades interpretativas, sino también por su carisma y presencia en la pantalla. Las estrellas de cine a menudo tienen una gran influencia en la cultura popular y pueden atraer a grandes audiencias a los cines con solo su nombre.
Las características clave de una estrella de cine incluyen:
Fama: Son ampliamente conocidas y reconocidas por el público.
Talento: Destacan por sus habilidades interpretativas y versatilidad.
Carisma: Tienen una presencia magnética que atrae a la audiencia.
Influencia: Pueden influir en la cultura popular y en las tendencias cinematográficas.
Estas personas suelen tener carreras longevas y exitosas, y su participación en una película puede ser un factor determinante para su éxito comercial.
Un héroe de guerra es una persona que ha demostrado un valor extraordinario y una dedicación excepcional en el campo de batalla. Estos individuos suelen ser reconocidos por sus acciones valientes y desinteresadas, que van más allá del deber para proteger a sus compañeros de armas y cumplir con sus misiones, incluso en situaciones de gran peligro.
Las características clave de un héroe de guerra incluyen:
Valor: Demuestran una gran valentía enfrentando el peligro sin vacilar.
Altruismo: Actúan desinteresadamente, poniendo el bienestar de los demás por encima del suyo.
Liderazgo: Inspiran y guían a sus compañeros, incluso en los momentos más difíciles.
Determinación: Mantienen un fuerte compromiso con su misión, sin importar las circunstancias adversas.
Un héroe de guerra puede recibir diversas condecoraciones y honores, como la Medalla de Honor en Estados Unidos, en reconocimiento a sus acciones sobresalientes. Estas personas son vistas como modelos de conducta y su legado a menudo inspira a generaciones futuras.
Aquí hay tres estrellas de Hollywood que ganaron corazones púrpuras.
James Arness, estrella de Gunsmoke desde hace mucho tiempo, fue alcanzado en la pierna derecha por disparos de ametralladora en Anzio (campaña italiana) en 1943. Sus heridas no fueron menores. Fue evacuado y pasó un año en fisioterapia. La pierna le molestó el resto de su vida. El coprotagonista de Gunsmoke, Burt Reynolds, recordó:
Se preparaban para hacer una toma. Jim Arness llegaba cojeando al set y Dennis Weaver [que interpretaba al cojo Chester] caminaba a paso rápido. El director gritaba “¡Acción!” y Arness caminaba a paso rápido y Weaver comenzaba a cojear.
Subirse a un caballo siempre le resultaba doloroso. Y Arness se subía mucho a los caballos.
La estrella de acción Charles Bronson fue artillero de cola en los B-29 durante la Segunda Guerra Mundial. Participó en 25 misiones de combate contra Japón y recibió una única condecoración Corazón Púrpura por una herida sufrida durante una misión.
Por último, James Garner pasó un año luchando en Corea. Recibió dos series de heridas. La primera fue por un proyectil de mortero que le dejó metralla en la cara y la mano. La segunda fue más grave.
“En ese momento yo iba hacia el sur para luchar contra los norcoreanos… Me dieron en la espalda. Me metí de cabeza en una trinchera y llegué un poco tarde. Hay mucho margen de error con una herida en la espalda. Es un objetivo amplio…”
¿Tengo buenos recuerdos? Supongo que si te juntas con algunos amigos es bueno. Pero en realidad no lo fue. Fue frío y duro. Yo fui uno de los afortunados.
Garner subestima las miserias que soportó durante la guerra de Corea. (Escribe sobre algunos de ellos en la serie de TV “The Rockford Files”).
Obtuvo dos Corazones Púrpuras, el segundo galardón que recibió décadas después de sumergirse en esa trinchera coreana, tratando de evitar el “fuego amigo” de los aviones estadounidenses. Como dijo en la ceremonia de entrega del segundo Corazón Púrpura:
“Después de 32 años, es mejor recibir esto ahora que póstumamente. Es realmente un honor y traté de servir a mi país lo mejor que pude.”
El actor, productor y director estadounidense Denzel Washington anunció que planea retirarse del cine y detalló cuáles serán sus últimas películas antes de dejar definitivamente el séptimo arte.
“No sé cuántas películas más voy a hacer. Probablemente no muchas”, dijo Washington durante una entrevista. “Quiero hacer cosas que no he hecho. Interpreté a Otelo con 22 años, estoy a punto de interpretar a Otelo con 70 años. Después interpretaré a Hannibal. Después he estado hablando con Steve McQueen sobre una película. Después de eso Ryan Coogler está escribiendo un papel para mí en la próxima ‘Pantera Negra'”, destacó el cineasta.
“Después de eso haré la película ‘Otelo’. Después haré ‘El rey Lear’. Después me retiraré”, añadió el actor, que tiene 69 años.
Actualmente Washington está centrado en la promoción de ‘Gladiator II’, la secuela de la película de acción de Ridley Scott del año 2000. “Me quedan muy pocas películas por hacer que me interesen”, declaró Washington a la revista Empire en octubre. “Tengo que inspirarme en el cineasta, y Ridley me inspiró tremendamente”, subrayó.
“Lo pasamos muy bien la primera vez [en ‘Gánster americano’], y aquí estamos”, aseguró Washington. Según el actor, en las casi dos décadas que han pasado desde la última vez que trabajaron juntos, Scott no ha perdido nada de su energía. “Está comprometido. Está entusiasmado con la vida y con su próxima película. Es una inspiración”, dijo Washington. “Todos deberíamos querer sentirnos así a los 86 años”, comentó.
Kim Basinger fue una gran actriz de Hollywood, extremadamente bella, en la década de 1980 y 1990. Era una mujer muy sexy y una buena actriz, y sigue siendo una mujer muy bella.
No es la actriz más arruinada de Hollywood, pero se declaró en quiebra con una aventura arriesgada y audaz que gestionó con algunos de sus inversores.
En 1989, Kim Basinger compró una propiedad en su estado natal de Georgia.
Ella y sus compañeros inversores compraron los 1.751 acres de un pueblo llamado Braselton.
El propósito de este gran proyecto era crear una atracción turística como un parque temático o un estudio de cine y se compró por 20.000.000 de dólares.
Desafortunadamente, el plan de desarrollo salió muy mal y no tuvo éxito. Basinger se vio obligada a reducir sus pérdidas y vendió la ciudad de Braselton por sólo un millón de dólares después de declararse en quiebra en 1993.
En conjunto, una inversión bastante horrible, pero al menos tiene el mérito de haber tenido el coraje de hacer realidad su sueño.
Joyce Bryant fue considerada “La Marilyn Monroe negra” y llamada “La bomba rubia de bronce”. Es una cantante y actriz que alcanzó la fama a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 como intérprete de teatro y discoteca. Fue considerada una de las mujeres negras más hermosas del mundo y apareció regularmente en revistas como Jet. Un diseño de la revista Life en 1953 mostró a la sexy cantante en poses provocativas.
Su acto fue escandalosamente sexy; usó provocativos vestidos de sirena ajustados, sin espalda y con escotes que dejaban poco a la imaginación y eran tan ajustados que tuvieron que sacarla del escenario en brazos. Supuestamente, Bryant se retorcía tanto que perdía cuatro libras por actuación.
Bryant, era la mayor de ocho hijos. Era una niña tranquila criada en un hogar estricto y tenía ambiciones de convertirse en profesora de sociología. Nació en Oakland, California y se crió en San Francisco, hija de una devota adventista del séptimo día. Se fugó a los 14 años, pero el matrimonio terminó esa misma noche.
En 1946, se fue de casa para vivir con sus primos en Los Ángeles, aceptó un reto para participar en una sesión de canto improvisada en un club local. Bryant dijo: “Unos minutos después, el dueño del club me ofreció 25 dólares para subir al escenario, y lo acepté porque [necesitaba el dinero] para volver a casa”. A partir de ahí, consiguió otros trabajos y se ganó una sólida reputación.
El pelo de Bryant era naturalmente negro, pero para no ser eclipsada por Josephine Baker en un club, lo roció con pintura plateada para radiadores, se puso un vestido plateado ajustado y voilá: la bomba rubia bronceada e incluso Baker quedó impresionada.
Su acto sexy y la voz elástica de Bryant elevaron a la cantante a la categoría de peso pesado; A principios de los años 50, Bryant ganaba hasta 3.500 dólares por actuación y 150.000 dólares al año.
Alrededor de 1952, grabó una serie de 78 rpm para OKeh Records con la orquesta de Joe Reisman. Dos de sus standards más conocidos, “Love for Sale” y “Drunk with Love”, fueron prohibidos en la radio por sus letras provocativas.
Bryant, que a menudo se enfrentó a la discriminación y se manifestó abiertamente sobre cuestiones de desigualdad racial, se convirtió en 1952 en la primera artista negra en actuar en un hotel de Miami Beach, desafiando las amenazas del Ku Klux Klan que había quemado su efigie. Criticó las prácticas de facturación racial en clubes nocturnos y hoteles y abogó por que los artistas como grupo lucharan contra las leyes de Jim Crow.
En 1954, se convirtió en una de las primeras cantantes negras en actuar en el Casino Royal de Washington, D.C., donde dijo que había oído hablar tanto de la segregación que se practicaba allí que le sorprendió ver a tantos afroamericanos asistir al club del centro. “Fue una gran emoción”, dijo, “verlos entrar y ser tratados con tanta cortesía por la dirección”.
Por muy meteórica que fuera su carrera, aterrizó aún más rápido. La pintura le dañó el pelo. La educaron para que temiera a Dios y empezó a tener dudas sobre su imagen. No le gustaba trabajar en sábado y odiaba los clubes y a los hombres (a menudo gánsteres) que los frecuentaban, codiciando su cuerpo. Una vez la golpearon en su camerino por rechazar las insinuaciones de un admirador. Años después, le dijo a la revista Essence que nunca disfrutó de su carrera. Encontró consuelo en las pastillas: pastillas para dormir y pastillas para obtener energía.
En una ocasión, la golpearon en su camerino después de rechazar las insinuaciones de un hombre. Su desencanto con las subculturas de las drogas y los gánsteres, combinado con las presiones de su manager, llevaron a Bryant a abandonar la primera fase de su carrera en 1955 cuando lo denunció por la iglesia. Quería dejarlo antes, pero no pudo debido a los nefastos managers y los compromisos previos.
“La religión siempre ha sido parte de mí”, dijo. “Y era algo muy pecaminoso lo que estaba haciendo: ser muy sexy, con vestidos ajustados y escotados”. También recordó: “Tenía un dolor de garganta muy fuerte y hacía ocho actuaciones al día […] Trajeron a un médico para que me ayudara y dijo: ‘Puedo rociarte la garganta con cocaína y eso solucionará el problema, pero te volverás adicta’. Entonces escuché a mi gerente decir: “No me importa lo que hagas, ¡solo hazla cantar!”.
Bryant se dedicó a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y se inscribió en Oakwood College en Huntsville, Alabama. Ebony publicó un artículo en su número de mayo de 1956 titulado “El nuevo mundo de Joyce Bryant: ex cantante de café abandona su carrera de 200.000 dólares al año para aprender a servir a Dios”.
Viajando durante años por el sur, Bryant se enojó cuando vio que los hospitales se negaban a atender a quienes tenían necesidades críticas porque eran negros. Como resultado, organizó recaudaciones de fondos para que los negros compraran comida, ropa y medicamentos, y continuó dando conciertos, luciendo su cabello negro natural y sin maquillaje, para recaudar dinero para su iglesia.
Se reunió con frecuencia con Martin Luther King, Jr., un fanático de su canto, para apoyar sus esfuerzos por brindar comodidades materiales básicas a los negros. Bryant creía que la lucha por los derechos civiles era la lucha de todas las personas que Creía en Dios, pero cuando se enfrentó a su iglesia y le pidió que se posicionara contra la discriminación, la iglesia se negó con el razonamiento: “Pero estos son asuntos terrenales y, por lo tanto, no tienen importancia espiritual”.
Decepcionada, se retractó de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. Desilusionada, y después de muchas acusaciones falsas, volvió al entretenimiento en los años 60. Trabajó con compañías de ópera extranjeras de gira, regresó a la escena de clubes de rock y cantó en cruceros; esta vez sin teatralidad, cabello rubio y vestidos ajustados.
Se formó con un profesor de canto y eso la llevó a ganar un contrato con la Ópera de la Ciudad de Nueva York. También realizó giras internacionales con las compañías de ópera italiana, francesa y de Viena. Volvió a interpretar jazz en la década de 1980 y comenzó una carrera como profesora de canto, con clientes como Jennifer Holliday, Phyllis Hyman y Raquel Welch.
Los fanáticos de Superman esperan con ansias su nueva película, cuyo estreno está previsto para julio de 2025. Si bien faltan todavía varios meses, algunas sorpresas ya han salido a la luz, como la participación de la mascota Krypto, el superperro, que aparecerá por primera vez en una película no animada del icónico superhéroe de DC.
El encargado de revelar la noticia fue el propio director del filme, James Gunn, a través de sus redes sociales. Compartió, además, una tierna historia acerca de qué lo inspiró a llevar a la fiel mascota de Superman a la pantalla grande. “Krypto se inspira en mi perro, Ozu, al que adopté al poco de empezar a escribir la película”, dijo el cineasta.
“Venía de criarse con más de 60 perros callejeros como él y nunca antes había conocido a un ser humano, así que al principio fue un tanto problemático. Al entrar en mi casa lo destruyó todo: los muebles, los zapatos, incluso el ordenador. Pasó mucho tiempo antes de que me dejara tocarlo. Recuerdo haber pensado: ‘¿sería igual de difícil si Ozu tuviera superpoderes?'”, continuó Gunn. “Así fue como Krypto entró en el guion. Cambió la historia, tal y como Ozu cambió mi vida”, indicó, señalando que no es coincidencia que revelara la noticia en octubre, el mes de la adopción canina.
Krypto, conocido también como el Superperro, hizo su primera aparición en un cómic de Superman en 1955. Al igual que el superhéroe, este can es originario de Krypton, planeta del cual logró escapar antes de su destrucción. Al llegar a la Tierra, descubre que acá goza de superfuerza, visión láser, capacidad de volar y alcanzar altas velocidades.
Desde su primera aparición, Krypto ha sido representado como un perro de diferentes razas, generalmente blanco. Ha estado presente en diversas adaptaciones, tanto en series animadas como en cómics. Su última aparición animada fue en ‘DC League of Super-Pets’, en el 2022. No obstante, nunca había aparecido en un filme de acción real, hasta este momento.
La nueva película de Gunn, conocida inicialmente como ‘Superman: Legacy’, explora una versión joven del superhéroe, que aún está reconciliando su herencia kryptoniana con sus raíces humanas en la Tierra. Está inspirada en el cómic ‘Superman: Las cuatro estaciones’, escrito por Jeph Loeb y Tim Sale en 1998.
En su día, había un pequeño grupo de directores que habían demostrado tener tanto talento que, sin importar de qué trataban sus nuevas películas o qué elenco tenían, la gente iba a verlas.
Atraían al público a las salas de cine como lo hacían los actores más importantes, lo cual no era poca cosa. Algunos de esos directores fueron Steven Spielberg, Martin Scorsese y James Cameron.
Hoy en día, eso ya no sucede… excepto con Quentin Tarantino.
Cada vez que se estrena una película de Tarantino, todo el mundo la conoce y millones de personas la van a ver. Es como un evento.
En mi opinión, es el mejor guionista en activo en la actualidad y un gran director, y la forma en que dirige sus propios guiones es lo que lo distingue.
Consigue escribir diálogos increíblemente deliciosos que nos mantienen enganchados y nos hacen prestar atención a cada palabra que dicen sus personajes, incluso cuando estos dicen las cosas más atroces. Además, es un maestro del suspenso.
No hay mejor ejemplo que la escena inicial de 20 minutos de Bastardos sin gloria.
El personaje de Christopher Waltz, el coronel Hans Landa, entra en una granja francesa y de inmediato podemos decir que el granjero y sus hijas no están a salvo por los ángulos de cámara que eligió Tarantino, que muestran a las tres hijas acorraladas en una esquina y al granjero acorralado en otra mientras el coronel camina libremente.
Luego vemos al granjero y una de sus hijas intercambiar miradas, lo que nos muestra que si algo sucede, el granjero tiene refuerzos.
Poco después, el coronel Landa pide hablar con el granjero en privado, lo que hace que sus hijas se vayan, por lo que el granjero ahora está solo con él y Tarantino nos lo muestra cambiando el ángulo de cámara a una toma del granjero sin nadie más en el cuadro. No tiene refuerzos y debe enfrentar esto solo.
Tarantino nos da confianza al hacer que el granjero parezca seguro de sí mismo, al hacerle responder todas las preguntas y levantarse para buscar su tabaco y sentarse de nuevo para llenar su pipa, para demostrarle al coronel Landa que confía en sus respuestas y que no tiene nada que ocultar.
Pero luego notamos que la cámara sigue la mano del granjero, mientras coloca la cerilla que utilizó para encender la pipa en el cenicero, y el sombrero del coronel entra en el marco de la esquina derecha. Esto nos muestra quién está realmente en el poder en esta situación y comenzamos a temer lo que le sucederá al granjero, aunque solo unos segundos antes de esto pensábamos que todo iba a salir bien.
Poco después, la cámara se dirige hacia el suelo y vemos que el granjero está escondiendo gente debajo de las tablas del suelo, y luego descubrimos cómo la gente llama al coronel Landa. “El cazador de judíos”. El coronel explica entonces por qué lo llaman así y ahora sabemos por qué está en esa granja.
Mientras siguen hablando, la cámara enfoca los rostros de ambos de manera individual y vemos que el coronel deja de mostrarse alegre y jovial y que el granjero empieza a vacilar.
La cámara se acerca cada vez más a sus rostros hasta que se detiene y el granjero finalmente le dice al coronel que, efectivamente, está escondiendo judíos en su casa.
La escena completa dura casi 20 minutos y la mayor parte son diálogos. La mayoría de las personas se aburrirían si no vieran mucho en la pantalla durante tanto tiempo, pero la forma en que Tarantino escribe y dirige hace que te involucres con la historia y hace que una escena de 20 minutos parezca 4 minutos de suspenso y terror.
Esta escena es una clase magistral de escritura, dirección y, por supuesto, actuación, y cualquiera que esté interesado en ingresar a la industria debería estudiarla.
El talento importa
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El actor británico Marty Feldman no tuvo mucho éxito como joven estrella. De hecho, era un caso aislado. Luego, un accidente náutico, una afección tiroidea y un accidente de coche en su juventud le dañaron gravemente el rostro. Y sus ojos se fueron agrandando y separando, hasta que su apariencia se volvió bastante grotesca…
Si se ven fotos de Feldman de joven, en realidad era bastante guapo. Pero a medida que envejecía, su apariencia se volvió cada vez más extraña.
“Si aspirara a ser Robert Redford, me enderezaría los ojos y me arreglaría la nariz y acabaría como cualquier otro actor malo, con dos líneas en Kojak. Pero así, soy una novedad”.
Este hombre no era el epítome de la belleza masculina. No era una estrella de cine ruda ni un atractivo clásico, al menos no durante la mayor parte de su carrera. Y, de hecho, se benefició de ello. Y, además, recibía muchísima atención femenina, según todos sus amigos del mundo del espectáculo, ya que era un tipo encantador y seguro de sí mismo en su vida personal.
Sí, la apariencia importa. Pero, idealmente, deberías ser muy guapo, o tan gracioso que puedas ganar dinero con ello. Hay un punto ideal: o eres agradable a la vista o eres raro pero intrigante. Solo tienes que encontrar tu nicho y aprovecharlo.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 5, 2025
Incels
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Los ‘incels’ (acrónimo de ‘involuntary celibate’, célibe involuntario, en inglés), son personas, principalmente hombres, que se sienten frustrados por su incapacidad para establecer relaciones románticas o sexuales, llevando a menudo a una visión negativa de las mujeres.
El origen del término se remonta a décadas atrás, en 1997, cuando una estudiante canadiense creó un sitio web para documentar sus dificultades para encontrar pareja llamado ‘Alana’s Involuntary Celibacy Project’ (El proyecto de celibato involuntario de Alana). A partir de ahí la abreviación pasó a formar parte del lenguaje que utilizaba con sus seguidores cuando compartían experiencias sobre la imposibilidad de tener una relación sentimental. Sin embargo, con el paso de los años, el término empezó a adquirir significados diferentes.
Rápidamente, esta web se convirtió en un espacio digital para personas con experiencias similares. Este grupo ha sido objeto de controversia debido a su ideología y actos violentos que fomentan la misoginia, un fuerte odio y resentimiento hacia las mujeres, culpándolas de su situación de soledad.
La serie, que está entre las más vistas de la plataforma Netflix en diversos países, aborda este fenómeno a través de personajes que representan diversas realidades sociales y emocionales. Trata el caso de Jamie, un adolescente de 13 años, acusado de haber asesinado a una compañera tras haber estado expuesto a material misógino ‘online’ y haber sido objeto de ciberacoso.
Retrata así, cómo la masculinidad tóxica puede desarrollarse en silencio, bajo un sistema digital que la refuerza y difunde. El reciente interés social por los ‘incels’ muestra una reacción a problemas contemporáneos que afectan tanto a las relaciones de género como a la salud mental y a la democracia digital.
El debate se centra en cómo la serie retrata y humaniza a estos individuos, explorando sus luchas y frustraciones. Por un lado, algunos críticos argumentan que ofrece una representación superficial que podría normalizar actitudes tóxicas.
Por otro lado, ha generado la necesidad de abordar y tomar conciencia sobre el impacto cultural, social y político de las subculturas digitales, y de la influencia en menores y jóvenes en las redes sociales. En este sentido hay quienes defienden que la serie ofrece una perspectiva necesaria sobre la soledad y la búsqueda de conexión.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 6, 2025
El último vaquero
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Sam Elliott es un actor estadounidense conocido por su voz profunda, su personalidad robusta y su imponente presencia en cine y televisión. Nacido el 9 de agosto de 1944 en Sacramento, California, Elliott ha forjado una carrera de más de cinco décadas, ganando reconocimiento por sus papeles en westerns, dramas y películas de acción.
Elliott creció en Oregón, donde desarrolló una pasión por la actuación. Tras estudiar en el Clark College, se dedicó a Hollywood, consiguiendo papeles menores en películas como Dos hombres y un destino (1969). Sus primeros trabajos en westerns televisivos le ayudaron a consolidar su reputación como figura del vaquero, lo que le llevó a papeles más destacados.
Elliott alcanzó un amplio reconocimiento con su actuación en Salvavidas (1976), seguida de papeles destacados en Mask (1985) y Road House (1989). Su interpretación de Virgil Earp en Tombstone (1993) y del general de brigada John Buford en Gettysburg (1993) consolidó su estatus como leyenda del western. En 2018, Elliott protagonizó Ha nacido una estrella junto a Bradley Cooper y Lady Gaga, obteniendo una nominación al Óscar a Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para aportar profundidad y autenticidad a sus personajes lo ha convertido en una figura muy querida en Hollywood.
Elliott sigue cautivando al público, y recientemente protagonizó 1883, la precuela de Yellowstone. Su distintiva voz y su imponente presencia siguen siendo sus señas de identidad, convirtiéndolo en uno de los actores más respetados de la industria.
Justo cuando amanece en California, Sam Elliott se despierta, normalmente alrededor de las 5:30 a. m. Sale con su café en la mano y respira el aire fresco de la mañana. A sus 80 años, sus días son más tranquilos que antes, pero su rutina se mantiene
constante. Recorre su propiedad, escuchando los sonidos de la naturaleza, antes de regresar a ver cómo está su esposa, la actriz Katharine Ross. Su matrimonio, que dura casi 40 años, se ha mantenido firme a pesar de los cambios de la vida.
El desayuno es sencillo: avena o huevos, según el día. Elliott cree en la moderación, una lección aprendida durante décadas en Hollywood. Su voz profunda e icónica aún tiene peso, aunque ahora habla con más suavidad, eligiendo cuidadosamente sus palabras. Pasa las mañanas leyendo, a veces guiones, pero a menudo libros de historia o novelas del Oeste. Valora las historias de resiliencia, de personas fuertes que se enfrentan a un mundo difícil.
Elliott ya no busca papeles activamente. Los selecciona con cuidado, atraído por guiones con determinación y autenticidad. Siente que gran parte de Hollywood ha perdido su esencia, pero comprende la industria. Cuando aparece un papel adecuado, lo acepta, como interpretar al rudo vaquero Shea Brennan en “1883”. Le recordó su pasión inicial por la actuación. Ahora es más selectivo, disfrutando de la libertad que le brinda su éxito de larga data.
Sale a caminar a media mañana, a menudo con su esposa, y sus conversaciones fluctúan entre el pasado y el presente. A veces, reflexiona sobre su juventud en Sacramento, donde su sueño de actuar parecía lejano. Recuerda los días difíciles, trabajando en la construcción mientras hacía audiciones. Siempre supo que encajaba en el western, que su voz y presencia encajaban a la perfección con el género.
Almuerza ligero, un sándwich o una ensalada. Se mantiene activo, convencido de que el movimiento es crucial para la longevidad. Sus entrenamientos se centran en mantener la fuerza, no en desarrollar músculo, para disfrutar de la vida. Estira, hace ejercicios con el propio peso corporal y se toma tiempo personal.
A menudo pasa las tardes en su rancho, haciendo pequeñas tareas o simplemente disfrutando del entorno. Valora la paz, la distancia del bullicio de Hollywood. Su hogar es su santuario, donde puede ser simplemente un hombre que vive su vida, no “Sam Elliott, el actor”.
Sus noches son relajadas. Disfruta de la música: country clásico, blues, cualquier cosa con una historia genuina. Toma una copa, a veces bourbon, a veces vino, y contempla la puesta de sol. Si él y Katharine tienen ganas, ven una película, pero rara vez la suya. Nunca ha sido de los que ven sus actuaciones repetidamente.
Su filosofía de vida ha madurado con la edad. Cree en la paciencia y en apreciar el presente. Una vez dijo: “Las mejores cosas de la vida suceden cuando no las buscas”, y todavía lo cree. Reconoce su suerte, pero sabe que la suerte no significa nada sin trabajo duro.
Al caer la noche, se relaja y se acuesta temprano. Su vida ya no se trata de perseguir el próximo gran éxito; Se trata de estar presente, disfrutar de la sencillez de una vida bien vivida.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 6, 2025
El Rey de las Miniseries
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George Richard Chamberlain, a menudo conocido como el “Rey de las Miniseries”, fue un célebre actor estadounidense cuya carrera se extendió durante décadas y dejó una huella imborrable en la televisión y el cine. Nacido el 31 de marzo de 1934 en Beverly Hills, California, Chamberlain saltó a la fama a principios de la década de 1960 como protagonista del drama médico Dr. Kildare, donde interpretó al serio y encantador Dr. James Kildare. Su papel en la serie lo convirtió en un nombre familiar y un galán, ganándose la admiración de todos y estableciéndose un lugar en Hollywood.
La carrera de Chamberlain se caracterizó por su versatilidad y su disposición a asumir papeles desafiantes. Tras el éxito de Dr. Kildare, dio el salto a la escena teatral, actuando en producciones como Hamlet y Desayuno con diamantes. Su trabajo teatral demostró su gran talento actoral y le valió elogios de la crítica. Chamberlain también incursionó en el cine, apareciendo en obras destacadas como Los Tres Mosqueteros y Las Minas del Rey Salomón. Sin embargo, su verdadero fuerte siguió siendo la televisión, donde se convirtió en sinónimo de miniseries épicas.
En la década de 1980, Chamberlain protagonizó dos de las miniseries más icónicas de la época: Shogun y El Pájaro Espino. Su interpretación del Padre Ralph de Bricassart en El Pájaro Espino fue particularmente memorable, capturando las complejidades del amor prohibido y la ambición. Estas actuaciones consolidaron su reputación como maestro del melodrama y le valieron elogios tanto del público como de la crítica.
Más allá de sus logros profesionales, la vida personal de Chamberlain estuvo marcada por la valentía y la resiliencia. En 2003, se declaró públicamente gay en su autobiografía, Amor Destrozado, rompiendo barreras y desafiando estereotipos en una industria que a menudo exigía conformidad. Su franqueza sobre sus dificultades e identidad inspiró a muchos y destacó la importancia de la autenticidad.
El legado de Chamberlain es de talento, perseverancia e impacto. Falleció el 29 de marzo de 2025, a la edad de 90 años, dejando tras de sí una rica obra que sigue impactando a fans de todo el mundo. Desde sus inicios como estrella de la televisión hasta sus últimos años como respetado actor y defensor, la vida y la carrera de Richard Chamberlain ejemplifican el poder del arte y la valentía de ser uno mismo. Sus contribuciones al entretenimiento y la cultura siguen siendo un testimonio de su perdurable influencia.
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Marzo 31, 2025
Richard Chamberlain
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El actor estadounidense Richard Chamberlain ha fallecido a la edad de 90 años a causa de las complicaciones de un derrame cerebral. El artista murió cerca de la medianoche del sábado en su casa, a las afueras de Honolulu, Hawái.
Entre 1961 y 1965, el actor alcanzó la fama al protagonizar la exitosa serie ‘Dr. Kildare’. A partir de los años 70 fue la estrella de producciones televisivas como ‘Hamlet’ y ‘El pájaro espino’. La miniserie ‘Shogun’ de 1980 también le reportó mucho éxito.
La imagen de ídolo estadounidense de matiné de Chamberlain frenó su carrera actoral en ocasiones, hasta que demostró su valía en el escenario con una aclamada producción de “Hamlet” y otras interpretaciones shakespearianas. Sin embargo, no fue suficiente para impulsarlo a una importante carrera cinematográfica. Protagonizó varias películas notables, como “Petulia”, “Los tres mosqueteros”, “Los amantes de la música” y “La última ola” de Peter Weir. Pero su fuerte siguió siendo la pantalla chica, donde interpretó a personajes de todos los tamaños, desde el inglés Eduardo VIII y el novelista F. Scott Fitzgerald hasta el héroe de la Segunda Guerra Mundial Raoul Wallenberg.
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Marzo 30, 2025
Bailarinas Exóticas
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Varias actrices famosas tienen historias fascinantes, incluyendo experiencias como bailarinas exóticas antes de alcanzar la fama en Hollywood. Estas experiencias a menudo reflejan su resiliencia y determinación para triunfar en la industria del entretenimiento. Aquí hay algunos ejemplos notables:
Lady Gaga, conocida por su personalidad audaz y talento musical, trabajó como camarera de día y bailarina exótica de noche antes de su salto al estrellato. Ha compartido abiertamente cómo esta etapa de su vida la ayudó a forjar su confianza y presencia escénica. Las actuaciones de Gaga a menudo incorporaban elementos de su pasado, mostrando su capacidad para cautivar al público.
Constance Wu, célebre por sus papeles en Crazy Rich Asians y Hustlers, también tiene una conexión con el mundo de la danza exótica. Si bien no era bailarina, se sumergió en la cultura para prepararse para su papel en Hustlers. Su dedicación a la autenticidad resalta la importancia de comprender y respetar las experiencias de los demás.
NeNe Leakes, estrella de The Real Housewives of Atlanta, trabajó como bailarina exótica bajo el nombre de “Silk” antes de su carrera televisiva. En sus memorias, describió cómo el baile la empoderó y le brindó independencia financiera durante una época difícil de su vida. La trayectoria de Leakes, del escenario a los realities, ejemplifica su determinación y carisma.
Estas historias ilustran cómo las diversas experiencias pueden contribuir al camino de una artista. El baile exótico, a menudo incomprendido, requiere habilidad, confianza y resiliencia, cualidades que sin duda han influido en las carreras de estas actrices. Sus caminos hacia la fama nos recuerdan que el éxito a menudo proviene de aceptar la propia historia y usarla como base para el crecimiento personal.
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Marzo 22, 2025
Volveré: Arnold Vs. Donald
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Arnold Schwarzenegger y Donald Trump han tenido una relación conflictiva, marcada por desacuerdos y críticas públicas. Schwarzenegger, exgobernador republicano de California, ha expresado abiertamente su desaprobación de Trump, en particular con respecto a las acciones y políticas de Trump.
Respaldos políticos: En las elecciones presidenciales de 2024, Schwarzenegger respaldó a Kamala Harris y Tim Walz, afirmando que cree que Trump no es apto para la reelección.
Declaraciones públicas: Schwarzenegger ha hecho varias declaraciones públicas contra Trump, enfatizando la necesidad de un cambio de liderazgo y criticando la retórica divisiva de Trump.
Predicciones: En entrevistas, Schwarzenegger ha compartido sus predicciones sobre el futuro político de Trump, expresando a menudo escepticismo sobre la capacidad de Trump para unir al país.
Partido Republicano: La postura de Schwarzenegger refleja una tendencia más amplia de algunos republicanos que se distancian de Trump y respaldan a candidatos de otros partidos.
Percepción pública: La disputa en curso entre Schwarzenegger y Trump resalta las profundas divisiones dentro del Partido Republicano y las diferentes perspectivas sobre el liderazgo de Trump.
El actor y exgobernador de California sostuvo que Trump “es el peor presidente de la historia”
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Marzo 3, 2025
Gene Hackman y su esposa fueron encontrados muertos en su casa
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Gene Hackman, nacido como Eugene Allen Hackman el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, fue un actor versátil y célebre cuya carrera se extendió por más de cuatro décadas. Conocido por su encanto rudo y su habilidad para interpretar personajes complejos, Hackman ganó dos premios Oscar: Mejor actor por su papel de Jimmy “Popeye” Doyle en “Contacto en Francia” (1971) y Mejor actor de reparto por su papel de Little Bill Daggett en “Sin perdón” (1992)1.
Los primeros años de vida de Hackman estuvieron marcados por frecuentes mudanzas y una temporada en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Estudió interpretación en el Pasadena Playhouse, donde inicialmente se lo consideró “el menos probable de triunfar” junto con su colega actor Dustin Hoffman2. Sin embargo, el talento de Hackman pronto se hizo evidente, lo que le llevó a obtener papeles memorables en películas como “Bonnie y Clyde” (1967), “La conversación” (1974) y “Superman” (1978).
Hackman se había retirado de la actuación en 2004 y decidió centrarse en escribir novelas y disfrutar de una vida más tranquila en Santa Fe, Nuevo México, con su esposa, Betsy Arakawa. Su legado se define por su capacidad para aportar autenticidad y profundidad a sus personajes, lo que lo convierte en uno de los actores más respetados y duraderos de Hollywood.
El sheriff del condado de Santa Fe, Adan Mendoza, confirmó poco después de la medianoche del jueves que la pareja había muerto, junto con su perro.
Mendoza dijo en una entrevista el miércoles por la noche que no había indicios inmediatos de que se hubiera cometido un delito. No proporcionó una causa de muerte ni dijo cuándo podría haber muerto la pareja.
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Febrero 27, 2025
Esos maravillosos programas de televisión de los años 60
La década de 1960 fue una época dorada para la televisión de acción y aventuras, con programas icónicos como “El agente de CIPOL”, “Misión: Imposible”, “Batman” y “Los Vengadores”. Estas series cautivaron a la audiencia con sus emocionantes historias, personajes memorables y una narrativa innovadora, dejando un legado duradero en el mundo de la televisión. Establecieron el estándar para el género y continúan inspirando y entreteniendo a nuevas generaciones de espectadores.
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La prohibición de libros en la América actual
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El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” fue prohibido recientemente en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos (DoDEA, por sus siglas en inglés) debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión (DEI, por sus siglas en inglés).
El libro infantil semiautobiográfico, publicado en 2007, cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma tal como es. Moore expresó su conmoción y decepción por la prohibición, especialmente porque ella misma es una orgullosa graduada de una escuela del Departamento de Defensa. En respuesta a la prohibición, su editor ha decidido reimprimir el libro para satisfacer la creciente demanda.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” se ha vuelto realmente controvertido. El libro fue prohibido en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión. La historia semiautobiográfica sobre una niña que aprende a aceptar sus pecas fue marcada por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.
La controversia ha provocado un debate sobre el equilibrio entre promover la inclusión y mantener los estándares educativos.
La trama de “Freckleface Strawberry” en sí no es inherentemente controvertida. Es un libro infantil que cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma como es. El mensaje del libro trata sobre la autoaceptación y la comprensión de que cada persona es única, lo que generalmente se considera positivo y alentador. Sin embargo, la controversia surge del contexto en el que se prohibió el libro.
La ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión llevó a que el libro fuera marcado por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”. Esta decisión ha provocado un debate sobre qué constituye material apropiado para niños y el papel de los programas DEI en la educación. La controversia tiene más que ver con las implicaciones políticas y sociales de la prohibición que con el contenido del libro en sí. Es un debate sobre cómo equilibrar la inclusión y los estándares educativos, y sobre si ciertos temas deberían restringirse en los entornos educativos.
Muchos escritores y autores han expresado su preocupación por la tendencia creciente de las prohibiciones de libros y su impacto en la libertad de expresión. Autores y editores han criticado la prohibición como un ejemplo de censura que sofoca la creatividad y limita el acceso a perspectivas diversas. La Asociación de Bibliotecas de Estados Unidos y PEN America han condenado la prohibición, destacando la importancia de permitir que los niños exploren diferentes puntos de vista y aprendan sobre la aceptación y el amor propio.
Además, varios autores destacados se han sumado a la conversación, expresando su solidaridad con Moore y enfatizando la necesidad de proteger la literatura infantil de las agendas políticas. La controversia también ha dado lugar a debates sobre las implicaciones más amplias de las prohibiciones de libros y el papel de la educación en el fomento del pensamiento crítico y la empatía. Está claro que la comunidad literaria está unida en su oposición a la prohibición y aboga por la preservación de la libertad de expresión y el acceso a una literatura diversa.
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Febrero 21, 2025
Ramon Novarro
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Si Ramon hubiera evitado tratar con extraños para curar su soledad, habría vivido hasta una edad avanzada y no habría sido asesinado en circunstancias sórdidas.
El 30 de octubre de 1968, Ramon recibió una llamada telefónica de estos dos completos desconocidos, los hermanos Tom y Paul Ferguson, de 17 y 22 años, que se ofrecieron a Roman para una noche de sexo (permítanme decir aquí mismo que Ramon Navarro era gay y se valía de los servicios de prostitutos masculinos). Los hermanos Ferguson obtuvieron el número de teléfono
de Ramon de uno de los hombres que le ofrecía sus favores a Ramon de manera regular. Ramon dijo que sí, que viniera y que haríamos una fiesta.
Lo único, sin embargo, era que tener sexo con una leyenda del cine mudo no estaba en sus mentes. Era un robo. Ramón tenía un montón de dinero por la suma de $5000 ($46,548 en dinero de 2025) escondido en su casa y querían apoderarse de él. Sin el permiso de Navarro…
En lugar de una noche de éxtasis y placer en un trío, estos dos neandertales sometieron a este pobre hombre solitario de 69 años y le propinaron torturas y palizas brutales para que Ramón revelara este escondite secreto de efectivo que era solo una fantasía. Todo lo que Ramón tenía eran 20 dólares que estos cretinos le arrebataron y dejaron a Navarro morir de una muerte lenta y agonizante ahogándose en su propia sangre. Los hermanos Ferguson fueron capturados y condenados y recibieron largas sentencias de prisión. Fueron liberados durante los años 70, pero ambos hermanos fueron capturados y condenados más tarde por otros delitos y recibieron sentencias más largas que las que recibieron por asesinar a Navarro. Tom se suicidaría más tarde en 2005 y Paul sería asesinado por un recluso mientras cumplía una condena por violación en una prisión de Missouri en 2018.
Lo que demuestra que tener sexo con extraños es muy arriesgado y podría matarte. Especialmente si recibes una llamada en tu teléfono de alguien a quien nunca has conocido que quiere tener sexo contigo.
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Febrero 10, 2025
Verne Troyer
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Nacido el 1 de enero de 1969 en Sturgis, Michigan, Troyer fue un actor más conocido por su papel de Mini-Me en la serie “Austin Powers”. A pesar de enfrentar los desafíos de haber nacido con acondroplasia, una forma de enanismo, Verne Troyer hizo contribuciones significativas a la industria del entretenimiento y utilizó su plataforma para promover la educación y la concienciación.
El viaje de Troyer en la industria del entretenimiento comenzó a mediados de la década de 1990, y rápidamente ganó reconocimiento por su talento y carisma únicos. Su papel de Mini-Me en “Austin Powers: La espía que me achuchó” (1999) y su secuela, “Austin Powers en Miembro de Oro” (2002), lo catapultó a la fama internacional. A pesar de las limitaciones físicas impuestas por su condición, Troyer demostró una notable versatilidad y dedicación a su oficio, ganándose la admiración del público y de sus colegas por igual.
Más allá de su carrera como actor, Verne Troyer fue un defensor de la educación y la promoción de las disciplinas STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas). Comprendió la importancia de la educación para empoderar a las personas y fomentar la innovación. Troyer participó a menudo en eventos e iniciativas destinadas a alentar a los jóvenes, especialmente a aquellos con discapacidades, a perseguir sus pasiones y sobresalir en sus campos elegidos.
La defensa de Troyer se extendió a la concienciación sobre el enanismo y los desafíos que enfrentan las personas pequeñas. Al compartir sus experiencias y éxitos, buscó inspirar a otros a superar obstáculos y perseguir sus sueños. Su mensaje fue de resiliencia, determinación y la importancia de la educación para alcanzar las metas de uno.
En conclusión, el legado de Verne Troyer se extiende más allá de sus memorables papeles en cine y televisión. Fue un defensor apasionado de la educación y la promoción de las disciplinas STEM, utilizando su plataforma para inspirar y empoderar a otros. Las contribuciones de Troyer a la industria del entretenimiento y sus esfuerzos por crear conciencia sobre el enanismo y la importancia de la educación siguen resonando, lo que lo convierte en una figura notable que trascendió las limitaciones de su condición. Su vida sirve como testimonio del poder de la perseverancia y el impacto transformador de la educación.
Troyer falleció el 21 de abril de 2018, a la edad de 49 años. Su muerte se atribuyó a complicaciones derivadas de una intoxicación alcohólica. Troyer había luchado contra la depresión y el abuso de sustancias a lo largo de su vida. A pesar de sus desafíos, dejó un legado duradero a través de su trabajo en el cine, sus esfuerzos en el ámbito de la educación y su defensa de las personas con enanismo.
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Febrero 6, 2025
Las calles de San Francisco
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“Las calles de San Francisco” es un drama policial estadounidense por excelencia que se emitió entre 1972 y 1977. El programa, producido por Quinn Martin Productions, presenta un dúo formidable: el veterano detective teniente Mike Stone, interpretado por Karl Malden, y su compañero más joven, el inspector Steve Keller, interpretado por Michael Douglas. La serie, que tiene como telón de fondo las pintorescas y sórdidas calles de San Francisco, combina una narrativa cautivadora con el encanto único de su entorno.
La premisa del programa gira en torno a Stone y Keller mientras abordan diversos delitos, que van desde homicidios hasta robos, en la bulliciosa ciudad de San Francisco. Cada episodio es una historia independiente, que presenta un nuevo caso para que los detectives resuelvan. La química entre Malden y Douglas es una piedra angular del éxito del programa. La interpretación de Malden del experimentado y sabio Stone complementa perfectamente la representación de Douglas del entusiasta e idealista Keller. Su dinámica captura la relación mentor-aprendiz, añadiendo profundidad a sus personajes y a las narrativas.
Una de las características distintivas de “The Streets of San Francisco” es su compromiso con la autenticidad. El programa se filmó en el lugar, utilizando los monumentos icónicos de la ciudad, las colinas empinadas y los diversos vecindarios. Esto no solo proporcionó un telón de fondo visualmente impresionante, sino que también infundió a la serie una sensación de realismo. Los tranvías, el puente Golden Gate y el bullicioso Fisherman’s Wharf se convirtieron en partes integrales de la narración, convirtiendo a la ciudad casi en un personaje por derecho propio.
La serie fue elogiada por su representación realista del trabajo policial y su capacidad para abordar problemas sociales complejos. Los episodios a menudo ahondaban en temas como la adicción a las drogas, el racismo y la salud mental, reflejando los desafíos sociales de la época. Este enfoque diferenció a “The Streets of San Francisco” de otros dramas policiales, ya que ofrecía más que solo suspenso y acción: proporcionaba un espejo de los problemas del mundo real que enfrenta la sociedad.
La participación de Michael Douglas en el programa fue particularmente notable. Su papel en “The Streets of San Francisco” ayudó a lanzar su carrera, mostrando su destreza actoral y ganándose elogios de la crítica. El éxito del programa también reforzó la reputación de Karl Malden como actor versátil y convincente.
En conclusión, “The Streets of San Francisco” sigue siendo un clásico querido en el género de los dramas policiales. Su combinación de un fuerte desarrollo de personajes, un entorno auténtico y un compromiso con los problemas sociales ha dejado un impacto duradero en la historia de la televisión. La serie no solo entretuvo a los espectadores, sino que también ofreció una exploración reflexiva de las complejidades de la vida urbana y la aplicación de la ley.
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Enero 29, 2025
La mansión de ‘Mi pobre angelito’, vendida por 5,5 millones de dólares
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Tim y Trisha Johnson compraron la vivienda por 1,58 millones de dólares en 2012 y, seis años después, la renovaron y ampliaron conservando el exterior de ladrillo que la hizo famosa en el clásico filme protagonizado por el actor Macaulay Culkin.
Cabe señalar que solo el exterior del inmueble apareció en la película, ya que el interior era demasiado estrecho para un equipo de rodaje completo. Así que para la grabación se construyó un enorme plató de dos plantas en el interior de una escuela abandonada que se encontraba cerca.
La casa, que ha encontrado nuevo dueño después de menos de un año en el mercado, es muy espaciosa: cuenta con cinco dormitorios, seis baños, una sala de cine de alta gama e incluso una pista polideportiva cubierta de primer nivel.
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Enero 20, 2024
Newman y la Armada
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Paul Newman se alistó en la Marina apenas cuatro días antes de cumplir 18 años con la esperanza de convertirse en piloto, pero debido a su daltonismo lo nombraron artillero.
Durante la batalla de Okinawa, la tripulación de Newman fue asignada al portaaviones USS Bunker Hill.
Una infección de oído impidió al piloto de Newman volar, por lo que permanecieron en Hawái mientras su escuadrón se unía al portaaviones.
El 11 de mayo de 1945, el Bunker Hill fue atacado por dos kamikazes japoneses, matando a más de la mitad de la tripulación, incluidos todos los miembros del escuadrón de Newman.
Newman dijo una vez que nunca superó la angustia de perder a tantos amigos, o la culpa del sobreviviente de haber sido salvado hasta que conoció a Joanne Woodward.
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Enero 18, 2024
David Lynch
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“Con profundo pesar, nosotros, su familia, anunciamos el fallecimiento del hombre y artista David Lynch. Agradeceríamos un poco de privacidad en este momento. Hay un gran agujero en el mundo ahora que ya no está con nosotros. Pero, como él decía, ‘Mantén la vista en la rosquilla y no en el agujero'”, anunciaron en sus redes sociales.
En agosto del año pasado, el director de películas como ‘Eraserhead’ y ‘Mulholland Drive’, y el creador de la serie ‘Twin Peaks’ reveló que ya no podría salir de su casa, tras haberle diagnosticado un enfisema a causa de haber fumado durante toda su vida.
En 1977, Lynch irrumpió en la escena cinematográfica con su debut ‘Eraserhead’, una obra de humor negro. “Su estilo extravagante e intransigente rápidamente se ganó la atención de Hollywood y del mundo del cine internacional”.
Más tarde, en 1981, su drama ‘The Elephant Man’ (‘El hombre elefante’) sobre un hombre gravemente deformado en la Inglaterra victoriana recibió ocho nominaciones al Oscar.
Asimismo, los episodios de ‘Twin Peaks’ revolucionaron la televisión en 1990, narrando la investigación del misterioso asesinato de una chica de secundaria en un pueblo estadounidense. “Abordó temas inquietantes y hasta entonces tabú e hizo de lo inexplicable un elemento fijo de la televisión narrativa moderna”, comenta Variety.
Por su parte, el propio director se mostró siempre reticente a la hora de descifrar el significado de sus obras. “Imagínese que encuentra un libro de acertijos y puede empezar a desentrañarlos, pero son realmente complicados. Los misterios se volverían evidentes y lo emocionarían. Todos encontramos este libro de acertijos y es simplemente lo que está sucediendo. Y puede descifrarlos. El problema es que los descifra dentro de sí mismo, e incluso si se lo contara a alguien, no le creería ni lo entendería de la misma manera que usted”, explicó.
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Enero 17, 2024
La autenticidad de Robert Duvall
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Robert Selden Duvall es un célebre actor, director y productor estadounidense, conocido por su notable alcance, profundidad y autenticidad en una carrera que abarca más de seis décadas.
Nacido el 5 de enero de 1931 en San Diego, California, Robert Duvall se crió en una familia militar. Estudió en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, donde se formó como actor y perfeccionó su arte. Los primeros años de Duvall en Hollywood
transcurrieron principalmente en televisión, con apariciones en programas como The Twilight Zone y The Outer Limits. Su gran éxito llegó a principios de los años 60, cuando empezó a conseguir papeles secundarios en películas.
Considerado ampliamente como uno de los mejores actores de su generación, Duvall se ha ganado el reconocimiento de la crítica por sus interpretaciones de personajes complejos, a menudo moralmente ambiguos, en una variedad de géneros, desde westerns hasta películas de guerra, dramas y comedias. Su carrera ha estado marcada tanto por papeles protagonistas icónicos como por actuaciones secundarias sutiles y memorables.
Matar a un ruiseñor (1962) Una de las primeras actuaciones más memorables de Duvall fue su interpretación del misterioso y solitario Boo Radley en Matar a un ruiseñor (1962). Aunque el papel era relativamente pequeño, la actuación de Duvall como el personaje incomprendido dejó un impacto duradero. Su interpretación de Boo, un personaje que evoca tanto miedo como simpatía, fue sutil y matizada, mostrando su capacidad para transmitir emociones profundas con un diálogo mínimo.
La serie El Padrino (1972, 1974, 1990) La carrera de Duvall realmente se disparó con su papel como Tom Hagen, el hijo adoptivo y consigliere de la familia Corleone, en El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola y sus secuelas. Su interpretación del tranquilo, calculador y leal Hagen es uno de los papeles secundarios más emblemáticos de la historia del cine. Duvall le dio profundidad al personaje, un hombre que se mueve entre su lealtad a la familia y los complejos dilemas éticos de estar involucrado en el crimen organizado. La interpretación de Duvall de Hagen en El Padrino II (1974) le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto. Fue protagonizada por Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro y James Caan.
Apocalipsis ahora (1979) En otro papel icónico, Duvall protagonizó al teniente coronel Bill Kilgore en la película épica de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam Apocalipsis ahora (1979). La actuación de Duvall es uno de los momentos más destacados de la película, con su interpretación del excéntrico y carismático oficial pronunciando algunas de las líneas más memorables de la película, incluida la famosa “Me encanta el olor del napalm por la mañana”. Kilgore es un personaje más grande que la vida, lleno de bravuconería, pero Duvall le aporta una humanidad que hace que el papel sea tanto cómico como trágico. Por su actuación, Duvall recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto. También actuaron Marlon Brando y Martin Sheen en esa producción.
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Diciembre 29, 2024
Olivia Hussey, hasta luego
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“Olivia fue una persona extraordinaria cuya calidez, sabiduría y bondad pura tocaron las vidas de todos los que la conocieron”, indicó su familia en un comunicado publicado en redes. “Vivió una vida llena de pasión, amor y dedicación a las artes, la espiritualidad y la bondad hacia los animales”, añade.
Hussey, nacida en Buenos Aires, tenía tan solo 15 años cuando protagonizó la adaptación de la tragedia de William Shakespeare del director Franco Zeffirelli. La joven actriz, que recibió un Globo de Oro a la “Nueva estrella del año” por su interpretación, protagonizó más tarde, entre otros proyectos, la película de terror de 1974 ‘Navidad sangrienta’ y la adaptación de 1978 de la obra de Agatha Christie ‘Muerte en el Nilo’.
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Diciembre 28, 2024
Estrellas de cine y héroes de guerra
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Una estrella de cine es un actor o actriz que ha alcanzado un alto nivel de fama y reconocimiento por sus actuaciones en películas. Estas personas suelen ser muy conocidas por el público y son reconocidas no solo por sus habilidades interpretativas, sino también por su carisma y presencia en la pantalla. Las estrellas de cine a menudo tienen una gran influencia en la cultura popular y pueden atraer a grandes audiencias a los cines con solo su nombre.
Las características clave de una estrella de cine incluyen:
Estas personas suelen tener carreras longevas y exitosas, y su participación en una película puede ser un factor determinante para su éxito comercial.
Un héroe de guerra es una persona que ha demostrado un valor extraordinario y una dedicación excepcional en el campo de batalla. Estos individuos suelen ser reconocidos por sus acciones valientes y desinteresadas, que van más allá del deber para proteger a sus compañeros de armas y cumplir con sus misiones, incluso en situaciones de gran peligro.
Las características clave de un héroe de guerra incluyen:
Un héroe de guerra puede recibir diversas condecoraciones y honores, como la Medalla de Honor en Estados Unidos, en reconocimiento a sus acciones sobresalientes. Estas personas son vistas como modelos de conducta y su legado a menudo inspira a generaciones futuras.
Aquí hay tres estrellas de Hollywood que ganaron corazones púrpuras.
Se preparaban para hacer una toma. Jim Arness llegaba cojeando al set y Dennis Weaver [que interpretaba al cojo Chester] caminaba a paso rápido. El director gritaba “¡Acción!” y Arness caminaba a paso rápido y Weaver comenzaba a cojear.
Subirse a un caballo siempre le resultaba doloroso. Y Arness se subía mucho a los caballos.
Por último, James Garner pasó un año luchando en Corea. Recibió dos series de heridas. La primera fue por un proyectil de mortero que le dejó metralla en la cara y la mano. La segunda fue más grave.
“En ese momento yo iba hacia el sur para luchar contra los norcoreanos… Me dieron en la espalda. Me metí de cabeza en una trinchera y llegué un poco tarde. Hay mucho margen de error con una herida en la espalda. Es un objetivo amplio…”
Garner subestima las miserias que soportó durante la guerra de Corea. (Escribe sobre algunos de ellos en la serie de TV “The Rockford Files”).
Obtuvo dos Corazones Púrpuras, el segundo galardón que recibió décadas después de sumergirse en esa trinchera coreana, tratando de evitar el “fuego amigo” de los aviones estadounidenses. Como dijo en la ceremonia de entrega del segundo Corazón Púrpura:
“Después de 32 años, es mejor recibir esto ahora que póstumamente. Es realmente un honor y traté de servir a mi país lo mejor que pude.”
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Diciembre 24, 2024
¿Denzel Washington se retira de su carrera actoral?
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“No sé cuántas películas más voy a hacer. Probablemente no muchas”, dijo Washington durante una entrevista. “Quiero hacer cosas que no he hecho. Interpreté a Otelo con 22 años, estoy a punto de interpretar a Otelo con 70 años. Después interpretaré a Hannibal. Después he estado hablando con Steve McQueen sobre una película. Después de eso Ryan Coogler está escribiendo un papel para mí en la próxima ‘Pantera Negra'”, destacó el cineasta.
“Después de eso haré la película ‘Otelo’. Después haré ‘El rey Lear’. Después me retiraré”, añadió el actor, que tiene 69 años.
Actualmente Washington está centrado en la promoción de ‘Gladiator II’, la secuela de la película de acción de Ridley Scott del año 2000. “Me quedan muy pocas películas por hacer que me interesen”, declaró Washington a la revista Empire en octubre. “Tengo que inspirarme en el cineasta, y Ridley me inspiró tremendamente”, subrayó.
“Lo pasamos muy bien la primera vez [en ‘Gánster americano’], y aquí estamos”, aseguró Washington. Según el actor, en las casi dos décadas que han pasado desde la última vez que trabajaron juntos, Scott no ha perdido nada de su energía. “Está comprometido. Está entusiasmado con la vida y con su próxima película. Es una inspiración”, dijo Washington. “Todos deberíamos querer sentirnos así a los 86 años”, comentó.
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Noviembre 15, 2024
La dueña del pueblo
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Kim Basinger fue una gran actriz de Hollywood, extremadamente bella, en la década de 1980 y 1990. Era una mujer muy sexy y una buena actriz, y sigue siendo una mujer muy bella.
No es la actriz más arruinada de Hollywood, pero se declaró en quiebra con una aventura arriesgada y audaz que gestionó con algunos de sus inversores.
En 1989, Kim Basinger compró una propiedad en su estado natal de Georgia.
Ella y sus compañeros inversores compraron los 1.751 acres de un pueblo llamado Braselton.
El propósito de este gran proyecto era crear una atracción turística como un parque temático o un estudio de cine y se compró por 20.000.000 de dólares.
Desafortunadamente, el plan de desarrollo salió muy mal y no tuvo éxito. Basinger se vio obligada a reducir sus pérdidas y vendió la ciudad de Braselton por sólo un millón de dólares después de declararse en quiebra en 1993.
En conjunto, una inversión bastante horrible, pero al menos tiene el mérito de haber tenido el coraje de hacer realidad su sueño.
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Noviembre 11, 2024
La Marilyn Negra
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Joyce Bryant fue considerada “La Marilyn Monroe negra” y llamada “La bomba rubia de bronce”. Es una cantante y actriz que alcanzó la fama a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 como intérprete de teatro y discoteca. Fue considerada una de las mujeres negras más hermosas del mundo y apareció regularmente en revistas como Jet. Un diseño de la revista Life en 1953 mostró a la sexy cantante en poses provocativas.
Su acto fue escandalosamente sexy; usó provocativos vestidos de sirena ajustados, sin espalda y con escotes que dejaban poco a la imaginación y eran tan ajustados que tuvieron que sacarla del escenario en brazos. Supuestamente, Bryant se retorcía tanto que perdía cuatro libras por actuación.
Bryant, era la mayor de ocho hijos. Era una niña tranquila criada en un hogar estricto y tenía ambiciones de convertirse en profesora de sociología. Nació en Oakland, California y se crió en San Francisco, hija de una devota adventista del séptimo día. Se fugó a los 14 años, pero el matrimonio terminó esa misma noche.
En 1946, se fue de casa para vivir con sus primos en Los Ángeles, aceptó un reto para participar en una sesión de canto improvisada en un club local. Bryant dijo: “Unos minutos después, el dueño del club me ofreció 25 dólares para subir al
escenario, y lo acepté porque [necesitaba el dinero] para volver a casa”. A partir de ahí, consiguió otros trabajos y se ganó una sólida reputación.
El pelo de Bryant era naturalmente negro, pero para no ser eclipsada por Josephine Baker en un club, lo roció con pintura plateada para radiadores, se puso un vestido plateado ajustado y voilá: la bomba rubia bronceada e incluso Baker quedó impresionada.
Su acto sexy y la voz elástica de Bryant elevaron a la cantante a la categoría de peso pesado; A principios de los años 50, Bryant ganaba hasta 3.500 dólares por actuación y 150.000 dólares al año.
Alrededor de 1952, grabó una serie de 78 rpm para OKeh Records con la orquesta de Joe Reisman. Dos de sus standards más conocidos, “Love for Sale” y “Drunk with Love”, fueron prohibidos en la radio por sus letras provocativas.
Bryant, que a menudo se enfrentó a la discriminación y se manifestó abiertamente sobre cuestiones de desigualdad racial, se convirtió en 1952 en la primera artista negra en actuar en un hotel de Miami Beach, desafiando las amenazas del Ku Klux Klan que había quemado su efigie. Criticó las prácticas de facturación racial en clubes nocturnos y hoteles y abogó por que los artistas como grupo lucharan contra las leyes de Jim Crow.
En 1954, se convirtió en una de las primeras cantantes negras en actuar en el Casino Royal de Washington, D.C., donde dijo que había oído hablar tanto de la segregación que se practicaba allí que le sorprendió ver a tantos afroamericanos asistir al club del centro. “Fue una gran emoción”, dijo, “verlos entrar y ser tratados con tanta cortesía por la dirección”.
Por muy meteórica que fuera su carrera, aterrizó aún más rápido. La pintura le dañó el pelo. La educaron para que temiera a Dios y empezó a tener dudas sobre su imagen. No le gustaba trabajar en sábado y odiaba los clubes y a los hombres (a menudo gánsteres) que los frecuentaban, codiciando su cuerpo. Una vez la golpearon en su camerino por rechazar las insinuaciones de un admirador. Años después, le dijo a la revista Essence que nunca disfrutó de su carrera. Encontró consuelo en las pastillas: pastillas para dormir y pastillas para obtener energía.
En una ocasión, la golpearon en su camerino después de rechazar las insinuaciones de un hombre. Su desencanto con las
subculturas de las drogas y los gánsteres, combinado con las presiones de su manager, llevaron a Bryant a abandonar la primera fase de su carrera en 1955 cuando lo denunció por la iglesia. Quería dejarlo antes, pero no pudo debido a los nefastos managers y los compromisos previos.
“La religión siempre ha sido parte de mí”, dijo. “Y era algo muy pecaminoso lo que estaba haciendo: ser muy sexy, con vestidos ajustados y escotados”. También recordó: “Tenía un dolor de garganta muy fuerte y hacía ocho actuaciones al día […] Trajeron a un médico para que me ayudara y dijo: ‘Puedo rociarte la garganta con cocaína y eso solucionará el problema, pero te volverás adicta’. Entonces escuché a mi gerente decir: “No me importa lo que hagas, ¡solo hazla cantar!”.
Bryant se dedicó a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y se inscribió en Oakwood College en Huntsville, Alabama. Ebony publicó un artículo en su número de mayo de 1956 titulado “El nuevo mundo de Joyce Bryant: ex cantante de café abandona su carrera de 200.000 dólares al año para aprender a servir a Dios”.
Viajando durante años por el sur, Bryant se enojó cuando vio que los hospitales se negaban a atender a quienes tenían necesidades críticas porque eran negros. Como resultado, organizó recaudaciones de fondos para que los negros compraran comida, ropa y medicamentos, y continuó dando conciertos, luciendo su cabello negro natural y sin maquillaje, para recaudar dinero para su iglesia.
Se reunió con frecuencia con Martin Luther King, Jr., un fanático de su canto, para apoyar sus esfuerzos por brindar comodidades materiales básicas a los negros. Bryant creía que la lucha por los derechos civiles era la lucha de todas las personas que Creía en Dios, pero cuando se enfrentó a su iglesia y le pidió que se posicionara contra la discriminación, la iglesia se negó con el razonamiento: “Pero estos son asuntos terrenales y, por lo tanto, no tienen importancia espiritual”.
Decepcionada, se retractó de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. Desilusionada, y después de muchas acusaciones falsas, volvió al entretenimiento en los años 60. Trabajó con compañías de ópera extranjeras de gira, regresó a la escena de clubes de rock y cantó en cruceros; esta vez sin teatralidad, cabello rubio y vestidos ajustados.
Se formó con un profesor de canto y eso la llevó a ganar un contrato con la Ópera de la Ciudad de Nueva York. También realizó giras internacionales con las compañías de ópera italiana, francesa y de Viena. Volvió a interpretar jazz en la década de 1980 y comenzó una carrera como profesora de canto, con clientes como Jennifer Holliday, Phyllis Hyman y Raquel Welch.
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 28, 2024
El perro de Superman
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Los fanáticos de Superman esperan con ansias su nueva película, cuyo estreno está previsto para julio de 2025. Si bien faltan todavía varios meses, algunas sorpresas ya han salido a la luz, como la participación de la mascota Krypto, el superperro, que aparecerá por primera vez en una película no animada del icónico superhéroe de DC.
El encargado de revelar la noticia fue el propio director del filme, James Gunn, a través de sus redes sociales. Compartió, además, una tierna historia acerca de qué lo inspiró a llevar a la fiel mascota de Superman a la pantalla grande. “Krypto se inspira en mi perro, Ozu, al que adopté al poco de empezar a escribir la película”, dijo el cineasta.
“Venía de criarse con más de 60 perros callejeros como él y nunca antes había conocido a un ser humano, así que al principio fue un tanto problemático. Al entrar en mi casa lo destruyó todo: los muebles, los zapatos, incluso el ordenador. Pasó mucho tiempo antes de que me dejara tocarlo. Recuerdo haber pensado: ‘¿sería igual de difícil si Ozu tuviera superpoderes?'”, continuó Gunn. “Así fue como Krypto entró en el guion. Cambió la historia, tal y como Ozu cambió mi vida”, indicó, señalando que no es coincidencia que revelara la noticia en octubre, el mes de la adopción canina.
Krypto, conocido también como el Superperro, hizo su primera aparición en un cómic de Superman en 1955. Al igual que el superhéroe, este can es originario de Krypton, planeta del cual logró escapar antes de su destrucción. Al llegar a la Tierra, descubre que acá goza de superfuerza, visión láser, capacidad de volar y alcanzar altas velocidades.
Desde su primera aparición, Krypto ha sido representado como un perro de diferentes razas, generalmente blanco. Ha estado presente en diversas adaptaciones, tanto en series animadas como en cómics. Su última aparición animada fue en ‘DC League of Super-Pets’, en el 2022. No obstante, nunca había aparecido en un filme de acción real, hasta este momento.
La nueva película de Gunn, conocida inicialmente como ‘Superman: Legacy’, explora una versión joven del superhéroe, que aún está reconciliando su herencia kryptoniana con sus raíces humanas en la Tierra. Está inspirada en el cómic ‘Superman: Las cuatro estaciones’, escrito por Jeph Loeb y Tim Sale en 1998.
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 18, 2024
Tarantino
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En su día, había un pequeño grupo de directores que habían demostrado tener tanto talento que, sin importar de qué trataban sus nuevas películas o qué elenco tenían, la gente iba a verlas.
Atraían al público a las salas de cine como lo hacían los actores más importantes, lo cual no era poca cosa. Algunos de esos directores fueron Steven Spielberg, Martin Scorsese y James Cameron.
Hoy en día, eso ya no sucede… excepto con Quentin Tarantino.
Cada vez que se estrena una película de Tarantino, todo el mundo la conoce y millones de personas la van a ver. Es como un evento.
En mi opinión, es el mejor guionista en activo en la actualidad y un gran director, y la forma en que dirige sus propios guiones es lo que lo distingue.
Consigue escribir diálogos increíblemente deliciosos que nos mantienen enganchados y nos hacen prestar atención a cada palabra que dicen sus personajes, incluso cuando estos dicen las cosas más atroces. Además, es un maestro del suspenso.
No hay mejor ejemplo que la escena inicial de 20 minutos de Bastardos sin gloria.
El personaje de Christopher Waltz, el coronel Hans Landa, entra en una granja francesa y de inmediato podemos decir que el granjero y sus hijas no están a salvo por los ángulos de cámara que eligió Tarantino, que muestran a las tres hijas acorraladas en una esquina y al granjero acorralado en otra mientras el coronel camina libremente.
Luego vemos al granjero y una de sus hijas intercambiar miradas, lo que nos muestra que si algo sucede, el granjero tiene refuerzos.
Poco después, el coronel Landa pide hablar con el granjero en privado, lo que hace que sus hijas se vayan, por lo que el granjero ahora está solo con él y Tarantino nos lo muestra cambiando el ángulo de cámara a una toma del granjero sin nadie más en el cuadro. No tiene refuerzos y debe enfrentar esto solo.
Tarantino nos da confianza al hacer que el granjero parezca seguro de sí mismo, al hacerle responder todas las preguntas y levantarse para buscar su tabaco y sentarse de nuevo para llenar su pipa, para demostrarle al coronel Landa que confía en sus respuestas y que no tiene nada que ocultar.
Pero luego notamos que la cámara sigue la mano del granjero, mientras coloca la cerilla que utilizó para encender la pipa en el cenicero, y el sombrero del coronel entra en el marco de la esquina derecha. Esto nos muestra quién está realmente en el poder en esta situación y comenzamos a temer lo que le sucederá al granjero, aunque solo unos segundos antes de esto pensábamos que todo iba a salir bien.
Poco después, la cámara se dirige hacia el suelo y vemos que el granjero está escondiendo gente debajo de las tablas del suelo, y luego descubrimos cómo la gente llama al coronel Landa. “El cazador de judíos”. El coronel explica entonces por qué lo llaman así y ahora sabemos por qué está en esa granja.
Mientras siguen hablando, la cámara enfoca los rostros de ambos de manera individual y vemos que el coronel deja de mostrarse alegre y jovial y que el granjero empieza a vacilar.
La cámara se acerca cada vez más a sus rostros hasta que se detiene y el granjero finalmente le dice al coronel que, efectivamente, está escondiendo judíos en su casa.
La escena completa dura casi 20 minutos y la mayor parte son diálogos. La mayoría de las personas se aburrirían si no vieran mucho en la pantalla durante tanto tiempo, pero la forma en que Tarantino escribe y dirige hace que te involucres con la historia y hace que una escena de 20 minutos parezca 4 minutos de suspenso y terror.
Esta escena es una clase magistral de escritura, dirección y, por supuesto, actuación, y cualquiera que esté interesado en ingresar a la industria debería estudiarla.
PrisioneroEnArgentina.com
Octubre 7, 2024