El actor, productor y director estadounidense Denzel Washington anunció que planea retirarse del cine y detalló cuáles serán sus últimas películas antes de dejar definitivamente el séptimo arte.
“No sé cuántas películas más voy a hacer. Probablemente no muchas”, dijo Washington durante una entrevista. “Quiero hacer cosas que no he hecho. Interpreté a Otelo con 22 años, estoy a punto de interpretar a Otelo con 70 años. Después interpretaré a Hannibal. Después he estado hablando con Steve McQueen sobre una película. Después de eso Ryan Coogler está escribiendo un papel para mí en la próxima ‘Pantera Negra'”, destacó el cineasta.
“Después de eso haré la película ‘Otelo’. Después haré ‘El rey Lear’. Después me retiraré”, añadió el actor, que tiene 69 años.
Actualmente Washington está centrado en la promoción de ‘Gladiator II’, la secuela de la película de acción de Ridley Scott del año 2000. “Me quedan muy pocas películas por hacer que me interesen”, declaró Washington a la revista Empire en octubre. “Tengo que inspirarme en el cineasta, y Ridley me inspiró tremendamente”, subrayó.
“Lo pasamos muy bien la primera vez [en ‘Gánster americano’], y aquí estamos”, aseguró Washington. Según el actor, en las casi dos décadas que han pasado desde la última vez que trabajaron juntos, Scott no ha perdido nada de su energía. “Está comprometido. Está entusiasmado con la vida y con su próxima película. Es una inspiración”, dijo Washington. “Todos deberíamos querer sentirnos así a los 86 años”, comentó.
Kim Basinger fue una gran actriz de Hollywood, extremadamente bella, en la década de 1980 y 1990. Era una mujer muy sexy y una buena actriz, y sigue siendo una mujer muy bella.
No es la actriz más arruinada de Hollywood, pero se declaró en quiebra con una aventura arriesgada y audaz que gestionó con algunos de sus inversores.
En 1989, Kim Basinger compró una propiedad en su estado natal de Georgia.
Ella y sus compañeros inversores compraron los 1.751 acres de un pueblo llamado Braselton.
El propósito de este gran proyecto era crear una atracción turística como un parque temático o un estudio de cine y se compró por 20.000.000 de dólares.
Desafortunadamente, el plan de desarrollo salió muy mal y no tuvo éxito. Basinger se vio obligada a reducir sus pérdidas y vendió la ciudad de Braselton por sólo un millón de dólares después de declararse en quiebra en 1993.
En conjunto, una inversión bastante horrible, pero al menos tiene el mérito de haber tenido el coraje de hacer realidad su sueño.
Joyce Bryant fue considerada “La Marilyn Monroe negra” y llamada “La bomba rubia de bronce”. Es una cantante y actriz que alcanzó la fama a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 como intérprete de teatro y discoteca. Fue considerada una de las mujeres negras más hermosas del mundo y apareció regularmente en revistas como Jet. Un diseño de la revista Life en 1953 mostró a la sexy cantante en poses provocativas.
Su acto fue escandalosamente sexy; usó provocativos vestidos de sirena ajustados, sin espalda y con escotes que dejaban poco a la imaginación y eran tan ajustados que tuvieron que sacarla del escenario en brazos. Supuestamente, Bryant se retorcía tanto que perdía cuatro libras por actuación.
Bryant, era la mayor de ocho hijos. Era una niña tranquila criada en un hogar estricto y tenía ambiciones de convertirse en profesora de sociología. Nació en Oakland, California y se crió en San Francisco, hija de una devota adventista del séptimo día. Se fugó a los 14 años, pero el matrimonio terminó esa misma noche.
En 1946, se fue de casa para vivir con sus primos en Los Ángeles, aceptó un reto para participar en una sesión de canto improvisada en un club local. Bryant dijo: “Unos minutos después, el dueño del club me ofreció 25 dólares para subir al escenario, y lo acepté porque [necesitaba el dinero] para volver a casa”. A partir de ahí, consiguió otros trabajos y se ganó una sólida reputación.
El pelo de Bryant era naturalmente negro, pero para no ser eclipsada por Josephine Baker en un club, lo roció con pintura plateada para radiadores, se puso un vestido plateado ajustado y voilá: la bomba rubia bronceada e incluso Baker quedó impresionada.
Su acto sexy y la voz elástica de Bryant elevaron a la cantante a la categoría de peso pesado; A principios de los años 50, Bryant ganaba hasta 3.500 dólares por actuación y 150.000 dólares al año.
Alrededor de 1952, grabó una serie de 78 rpm para OKeh Records con la orquesta de Joe Reisman. Dos de sus standards más conocidos, “Love for Sale” y “Drunk with Love”, fueron prohibidos en la radio por sus letras provocativas.
Bryant, que a menudo se enfrentó a la discriminación y se manifestó abiertamente sobre cuestiones de desigualdad racial, se convirtió en 1952 en la primera artista negra en actuar en un hotel de Miami Beach, desafiando las amenazas del Ku Klux Klan que había quemado su efigie. Criticó las prácticas de facturación racial en clubes nocturnos y hoteles y abogó por que los artistas como grupo lucharan contra las leyes de Jim Crow.
En 1954, se convirtió en una de las primeras cantantes negras en actuar en el Casino Royal de Washington, D.C., donde dijo que había oído hablar tanto de la segregación que se practicaba allí que le sorprendió ver a tantos afroamericanos asistir al club del centro. “Fue una gran emoción”, dijo, “verlos entrar y ser tratados con tanta cortesía por la dirección”.
Por muy meteórica que fuera su carrera, aterrizó aún más rápido. La pintura le dañó el pelo. La educaron para que temiera a Dios y empezó a tener dudas sobre su imagen. No le gustaba trabajar en sábado y odiaba los clubes y a los hombres (a menudo gánsteres) que los frecuentaban, codiciando su cuerpo. Una vez la golpearon en su camerino por rechazar las insinuaciones de un admirador. Años después, le dijo a la revista Essence que nunca disfrutó de su carrera. Encontró consuelo en las pastillas: pastillas para dormir y pastillas para obtener energía.
En una ocasión, la golpearon en su camerino después de rechazar las insinuaciones de un hombre. Su desencanto con las subculturas de las drogas y los gánsteres, combinado con las presiones de su manager, llevaron a Bryant a abandonar la primera fase de su carrera en 1955 cuando lo denunció por la iglesia. Quería dejarlo antes, pero no pudo debido a los nefastos managers y los compromisos previos.
“La religión siempre ha sido parte de mí”, dijo. “Y era algo muy pecaminoso lo que estaba haciendo: ser muy sexy, con vestidos ajustados y escotados”. También recordó: “Tenía un dolor de garganta muy fuerte y hacía ocho actuaciones al día […] Trajeron a un médico para que me ayudara y dijo: ‘Puedo rociarte la garganta con cocaína y eso solucionará el problema, pero te volverás adicta’. Entonces escuché a mi gerente decir: “No me importa lo que hagas, ¡solo hazla cantar!”.
Bryant se dedicó a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y se inscribió en Oakwood College en Huntsville, Alabama. Ebony publicó un artículo en su número de mayo de 1956 titulado “El nuevo mundo de Joyce Bryant: ex cantante de café abandona su carrera de 200.000 dólares al año para aprender a servir a Dios”.
Viajando durante años por el sur, Bryant se enojó cuando vio que los hospitales se negaban a atender a quienes tenían necesidades críticas porque eran negros. Como resultado, organizó recaudaciones de fondos para que los negros compraran comida, ropa y medicamentos, y continuó dando conciertos, luciendo su cabello negro natural y sin maquillaje, para recaudar dinero para su iglesia.
Se reunió con frecuencia con Martin Luther King, Jr., un fanático de su canto, para apoyar sus esfuerzos por brindar comodidades materiales básicas a los negros. Bryant creía que la lucha por los derechos civiles era la lucha de todas las personas que Creía en Dios, pero cuando se enfrentó a su iglesia y le pidió que se posicionara contra la discriminación, la iglesia se negó con el razonamiento: “Pero estos son asuntos terrenales y, por lo tanto, no tienen importancia espiritual”.
Decepcionada, se retractó de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. Desilusionada, y después de muchas acusaciones falsas, volvió al entretenimiento en los años 60. Trabajó con compañías de ópera extranjeras de gira, regresó a la escena de clubes de rock y cantó en cruceros; esta vez sin teatralidad, cabello rubio y vestidos ajustados.
Se formó con un profesor de canto y eso la llevó a ganar un contrato con la Ópera de la Ciudad de Nueva York. También realizó giras internacionales con las compañías de ópera italiana, francesa y de Viena. Volvió a interpretar jazz en la década de 1980 y comenzó una carrera como profesora de canto, con clientes como Jennifer Holliday, Phyllis Hyman y Raquel Welch.
Los fanáticos de Superman esperan con ansias su nueva película, cuyo estreno está previsto para julio de 2025. Si bien faltan todavía varios meses, algunas sorpresas ya han salido a la luz, como la participación de la mascota Krypto, el superperro, que aparecerá por primera vez en una película no animada del icónico superhéroe de DC.
El encargado de revelar la noticia fue el propio director del filme, James Gunn, a través de sus redes sociales. Compartió, además, una tierna historia acerca de qué lo inspiró a llevar a la fiel mascota de Superman a la pantalla grande. “Krypto se inspira en mi perro, Ozu, al que adopté al poco de empezar a escribir la película”, dijo el cineasta.
“Venía de criarse con más de 60 perros callejeros como él y nunca antes había conocido a un ser humano, así que al principio fue un tanto problemático. Al entrar en mi casa lo destruyó todo: los muebles, los zapatos, incluso el ordenador. Pasó mucho tiempo antes de que me dejara tocarlo. Recuerdo haber pensado: ‘¿sería igual de difícil si Ozu tuviera superpoderes?'”, continuó Gunn. “Así fue como Krypto entró en el guion. Cambió la historia, tal y como Ozu cambió mi vida”, indicó, señalando que no es coincidencia que revelara la noticia en octubre, el mes de la adopción canina.
Krypto, conocido también como el Superperro, hizo su primera aparición en un cómic de Superman en 1955. Al igual que el superhéroe, este can es originario de Krypton, planeta del cual logró escapar antes de su destrucción. Al llegar a la Tierra, descubre que acá goza de superfuerza, visión láser, capacidad de volar y alcanzar altas velocidades.
Desde su primera aparición, Krypto ha sido representado como un perro de diferentes razas, generalmente blanco. Ha estado presente en diversas adaptaciones, tanto en series animadas como en cómics. Su última aparición animada fue en ‘DC League of Super-Pets’, en el 2022. No obstante, nunca había aparecido en un filme de acción real, hasta este momento.
La nueva película de Gunn, conocida inicialmente como ‘Superman: Legacy’, explora una versión joven del superhéroe, que aún está reconciliando su herencia kryptoniana con sus raíces humanas en la Tierra. Está inspirada en el cómic ‘Superman: Las cuatro estaciones’, escrito por Jeph Loeb y Tim Sale en 1998.
En su día, había un pequeño grupo de directores que habían demostrado tener tanto talento que, sin importar de qué trataban sus nuevas películas o qué elenco tenían, la gente iba a verlas.
Atraían al público a las salas de cine como lo hacían los actores más importantes, lo cual no era poca cosa. Algunos de esos directores fueron Steven Spielberg, Martin Scorsese y James Cameron.
Hoy en día, eso ya no sucede… excepto con Quentin Tarantino.
Cada vez que se estrena una película de Tarantino, todo el mundo la conoce y millones de personas la van a ver. Es como un evento.
En mi opinión, es el mejor guionista en activo en la actualidad y un gran director, y la forma en que dirige sus propios guiones es lo que lo distingue.
Consigue escribir diálogos increíblemente deliciosos que nos mantienen enganchados y nos hacen prestar atención a cada palabra que dicen sus personajes, incluso cuando estos dicen las cosas más atroces. Además, es un maestro del suspenso.
No hay mejor ejemplo que la escena inicial de 20 minutos de Bastardos sin gloria.
El personaje de Christopher Waltz, el coronel Hans Landa, entra en una granja francesa y de inmediato podemos decir que el granjero y sus hijas no están a salvo por los ángulos de cámara que eligió Tarantino, que muestran a las tres hijas acorraladas en una esquina y al granjero acorralado en otra mientras el coronel camina libremente.
Luego vemos al granjero y una de sus hijas intercambiar miradas, lo que nos muestra que si algo sucede, el granjero tiene refuerzos.
Poco después, el coronel Landa pide hablar con el granjero en privado, lo que hace que sus hijas se vayan, por lo que el granjero ahora está solo con él y Tarantino nos lo muestra cambiando el ángulo de cámara a una toma del granjero sin nadie más en el cuadro. No tiene refuerzos y debe enfrentar esto solo.
Tarantino nos da confianza al hacer que el granjero parezca seguro de sí mismo, al hacerle responder todas las preguntas y levantarse para buscar su tabaco y sentarse de nuevo para llenar su pipa, para demostrarle al coronel Landa que confía en sus respuestas y que no tiene nada que ocultar.
Pero luego notamos que la cámara sigue la mano del granjero, mientras coloca la cerilla que utilizó para encender la pipa en el cenicero, y el sombrero del coronel entra en el marco de la esquina derecha. Esto nos muestra quién está realmente en el poder en esta situación y comenzamos a temer lo que le sucederá al granjero, aunque solo unos segundos antes de esto pensábamos que todo iba a salir bien.
Poco después, la cámara se dirige hacia el suelo y vemos que el granjero está escondiendo gente debajo de las tablas del suelo, y luego descubrimos cómo la gente llama al coronel Landa. “El cazador de judíos”. El coronel explica entonces por qué lo llaman así y ahora sabemos por qué está en esa granja.
Mientras siguen hablando, la cámara enfoca los rostros de ambos de manera individual y vemos que el coronel deja de mostrarse alegre y jovial y que el granjero empieza a vacilar.
La cámara se acerca cada vez más a sus rostros hasta que se detiene y el granjero finalmente le dice al coronel que, efectivamente, está escondiendo judíos en su casa.
La escena completa dura casi 20 minutos y la mayor parte son diálogos. La mayoría de las personas se aburrirían si no vieran mucho en la pantalla durante tanto tiempo, pero la forma en que Tarantino escribe y dirige hace que te involucres con la historia y hace que una escena de 20 minutos parezca 4 minutos de suspenso y terror.
Esta escena es una clase magistral de escritura, dirección y, por supuesto, actuación, y cualquiera que esté interesado en ingresar a la industria debería estudiarla.
Kris Kristofferson, que alcanzó el éxito como innovador cantautor de música country y estrella de cine y televisión de Hollywood, murió el sábado en su casa de Maui, Hawái. No se dio a conocer la causa de su muerte, pero se dijo que falleció en paz, rodeado de su familia. Tenía 88 años.
Su familia dijo en un comunicado: “Con gran pesar compartimos la noticia de que nuestro esposo/padre/abuelo, Kris Kristofferson, falleció en paz el sábado 28 de septiembre en su casa. Todos estamos muy bendecidos por el tiempo que pasamos con él. Gracias por amarlo durante todos estos años, y cuando vean un arcoíris, sepan que nos está sonriendo a todos”. La declaración se ofreció en nombre de la esposa de Kristofferson, Lisa; sus ocho hijos, Tracy, Kris Jr., Casey, Jesse, Jody, John, Kelly y Blake; y sus siete nietos.
Kyle Young, el director ejecutivo del Salón de la Fama y Museo de la Música Country, dijo: “Kris Kristofferson creía en lo más profundo de su ser que la creatividad es un don de Dios y que quienes ignoran o desvían un don tan sagrado están condenados al fracaso y la infelicidad. Predicó que una vida de la mente da voz al alma, y luego creó un conjunto de obras que dieron voz no solo a su alma sino a la nuestra. Los héroes de Kris incluyeron al boxeador Muhammad Ali, al gran poeta William Blake y al ‘Hillbilly Shakespeare’, Hank Williams. Vivió su vida de una manera que honró y ejemplificó los valores de cada uno de esos hombres, y deja un legado justo, valiente y rotundo que resuena con el de ellos”.
En su juventud, Kristofferson se unió al ejército de los EE. UU. y fue nombrado segundo teniente, alcanzando el rango de capitán. Se convirtió en piloto de helicóptero después de recibir entrenamiento de vuelo.
Las autoridades españolas han arrestado a cinco sospechosos de estafar aproximadamente 361.000 dólares a dos mujeres mediante el método conocido como “falso Brad Pitt” en las localidades de Granada y Vizcaya, anunció este lunes la Guardia Civil en su cuenta de X.
“Se ha investigado también a diez personas pertenecientes a la organización criminal y se ha conseguido localizar y bloquear 85.000 euros [unos 94.500 dólares] del dinero total estafado”, reza el texto. “Entre los detenidos se encuentran los dos principales cabecillas de la red”, añade.
Los timadores estudiaban las redes sociales de sus potenciales víctimas y creaban un perfil psicológico, captando así a mujeres “vulnerables, con carencias afectivas y en estado depresivo”.
A ellas escribían correos electrónicos y mensajes por plataformas como WhatsApp* haciéndoles creer que estaban hablando con el mencionado actor estadounidense, prometiéndoles “una relación sentimental y un futuro juntos”.
Cuando los ciberdelincuentes se ganaban su confianza, el falso Pitt les proponía realizar transferencias bancarias de elevadas sumas para invertir con él en varios proyectos comerciales. El dinero terminaba en una red de cuentas bancarias creada en países africanos como Nigeria, Ghana o Senegal.
El productor Robert Evans y el director John Schlesinger estaban decididos a que Laurence Olivier interpretara el papel del doctor Szell en Marathon Man.
Pero Laurence Olivier estaba gravemente enfermo en ese momento.
Cuando le ofrecieron el papel del médico nazi en Marathon Man, acababa de recuperarse de un cáncer de próstata, sufría bronquitis crónica y neumonía y acababan de diagnosticarle una terrible enfermedad, la dermatopolimiositis, una enfermedad autoinmune que provoca el deterioro de todos los músculos del cuerpo… Tenía 67 años.
Paramount, que produce la película, la veta. Es imposible hacer la película con un actor moribundo. Ninguna compañía de seguros querría asegurar el proyecto.
Robert Evans decide entonces arriesgarse. Se pone en contacto con sus amigos ingleses, la actriz Merle Oberon (Cumbres borrascosas) y el actor David Niven, pidiéndoles que intercedan en su favor para obtener una audiencia con la Cámara de los Lores, la cámara alta del Parlamento del Reino Unido.
Con cierta dificultad, Robert Evans consigue hablar con los parlamentarios británicos. Allí, les implora que presionen a la compañía de seguros Lloyd’s de Londres (que asegurará la película) para que acepte asegurar al mejor actor en activo de Gran Bretaña.
Olivier como Dr. Szell
¡Su improbable plan funciona!
Lloyd’s de Londres acepta asegurar a Laurence Olivier.
Protagonizaría Marathon Man y su notable actuación le valdría una nominación al Oscar y un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto.
Pero lo más increíble de esta historia es que al volver a trabajar en Marathon Man, el actor moribundo fue recuperando poco a poco su salud.
Poco después del estreno de la película, sus médicos lo declararon en remisión.
Laurence Olivier viviría 15 años más y moriría en 1989 a la edad de 82 años.
James Earl Jones, cuya carrera actoral fue tan rica y resonante como la icónica voz de bajo que le dio una siniestra malevolencia a Darth Vader en las películas de “Star Wars”, murió el lunes. Tenía 93 años. El representante de Jones, Barry McPherson, confirmó la muerte del actor en un comunicado. No se reveló la causa de la muerte.
“Falleció esta mañana rodeado de sus seres queridos”, dijo McPherson. “Era un gran hombre”.
Jones fue una aclamada estrella de teatro y cine, ganadora de premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony, aunque más tarde su inconfundible voz se hizo tan famosa como su rostro generalmente sonriente. Invitó a generaciones de televidentes con la frase característica “Esto es CNN” para el canal de noticias por cable, tuvo la seriedad paternal como el valiente Mufasa en el clásico animado de Disney de 1994 “El Rey León” y su remake de 2019, pero fue más famoso por sus frases características (“Yo soy tu padre”) como Vader.
“Yo también he hecho un Rey Lear. ¿Lo saben los niños? No, tienen el póster de Darth Vader para que lo firmen. Pero no pasa nada”, dijo Jones en una entrevista con Broadway.com en 2010. “Cuando te presentas ante un público, aprendes a aceptar lo que te den. Con suerte, te darán sus oídos”.
Oriundo de Arkabutla, Mississippi, Jones fue criado por sus abuelos en Michigan y superó una tartamudez en su infancia. Después de estudiar arte dramático en la Universidad de Michigan, se mudó a Nueva York en 1957 para seguir los pasos de su padre, Robert Earl (que se fue antes de que Jones naciera) como actor.
Al año siguiente, hizo su debut en Broadway en “Sunrise at Campobello”, comenzando una carrera teatral histórica que incluyó papeles ganadores de premios Tony en “The Great White Hope” (1969) y “Fences” (1987), así como papeles destacados en “Cat on a Hot Tin Roof”, “Driving Miss Daisy” y “You Can’t Take It With You”.
En la pantalla grande, Jones apareció por primera vez en la clásica sátira de la Guerra Fría de 1964 “Dr. Strangelove”, obtuvo una nominación al Oscar a mejor actor por la adaptación cinematográfica de 1970 de “Great White Hope” y, a lo largo de cinco décadas, también protagonizó “Conan the Barbarian” (1982), “Coming to America” (1988), “Field of Dreams” (1989) y “The Sandlot” (1993).
“Field of Dreams”, al igual que el drama sobre un minero de carbón de John Sayles de 1987 “Matewan”, fue “una de las pocas películas que he hecho que realmente aprecio”, dijo Jones en 2014 para el 25.º aniversario del drama con temática de béisbol.
“Películas que tienen temas muy simples, historias simples que contar, pero muy poderosas (y) compactas”, dijo. “Son importantes para mí porque en esa simplicidad, la magia puede suceder si simplemente la dejas suceder y no la fuerzas”.
A partir del éxito de taquilla original de George Lucas de 1977, “Star Wars”, Jones prestó su voz al villano intergaláctico Darth Vader, que casi instantáneamente se convirtió en uno de los antagonistas por excelencia de Hollywood y aún perdura. (El American Film Institute nombró a esta temible amenaza como el tercer villano cinematográfico más importante de todos los tiempos, solo detrás de Hannibal Lecter y Norman Bates).
“Yo soy simplemente un especialista en efectos especiales”, dijo Jones en una entrevista de 2009 sobre su papel como Vader. Añadió que Lucas quería una “voz más oscura” que la de David Prowse, el imponente actor británico bajo la máscara y la armadura corporal de Vader. “Así que contrata a un tipo nacido en Mississippi y criado en Michigan que tartamudea, y esa es la voz y ese soy yo. Tuve suerte. De todas estas supuestas desventajas, tuve suerte de conseguir un trabajo que me pagara 7.000 dólares. Pensé que era un buen dinero y pude ser una voz en una película. Fue muy divertido ser parte de eso”.
Jones repitió su papel de Mufasa en la nueva versión de 2019 de “El rey león” del director Jon Favreau, que presentaba animales fotorrealistas. Favreau recordó que cuando trabajaba con Jones, “me preguntó si tenía alguna indicación para él y no sabía qué decirle. Le dije: ‘Simplemente haz lo que haces. Tú eres él'”.
“Sería como si me preguntara cómo interpretar a Darth Vader. Tú creaste este personaje y han pasado décadas y todos hemos crecido con él”.
Esther Lee Jones es el nombre de la verdadera Betty Boop. El icónico personaje de dibujos animados Betty Boop se inspiró en una cantante de jazz negra de Harlem. Introducida por el dibujante Max Fleischer en 1930, la caricatura de la flapper de la era del jazz fue el primer y más famoso símbolo sexual en animación. Betty Boop es mejor conocida por su vestido revelador, su figura curvilínea y su voz característica “Boop Oop A Doop!”. Si bien ha habido controversia a lo largo de los años, la inspiración se remonta a Esther Jones, conocida como “Baby Esther” y que actuaba regularmente en el Cotton Club durante la década de 1920.
El estilo vocal característico de Baby Esther de usar “boops” y otros sonidos scat infantiles atrajo la atención de la actriz Helen Kane durante una actuación a fines de la década de 1920. Después de ver a Baby Esther, Helen Kane adoptó su estilo y comenzó a usar “boops” también en sus canciones. Helen Kane, que alcanzó la fama desde muy joven, solía incluir este “estilo de bebé” en su música. Cuando se presentó Betty Boop, Kane demandó de inmediato a Fleischer y Paramount Publix Corporation alegando que estaban utilizando su imagen y estilo. Sin embargo, salieron a la luz pruebas en vídeo de Baby Esther actuando en un club nocturno y los tribunales fallaron en contra de Helen Kane, alegando que no tenía derechos exclusivos sobre el estilo o la imagen del “booping” y que, de hecho, el estilo era anterior a ella.
El “estilo de bebé” de Baby Esther no contribuyó a que alcanzara la fama general y murió en una relativa oscuridad, pero una parte de ella sigue viva en el icónico personaje Betty Boop.
Dirigida por Alfred Hitchcock en 1940, Rebecca es la protagonista pero nunca aparece en pantalla, solo se la muestra en un retrato.
Fue la primera esposa de Maximillian de Winter (Laurence Olivier), pero cuando una joven (Joan Fontaine) se convierte en la segunda señora de Winter, y se mudan a Manderley, la mansion que de Winter compartió con Rebecca y la nueva esposa siente que el recuerdo de la mujer muerta domina el lugar,
sobre todo por culpa de la ama de llaves, la señora Davenport (uno de los personajes más espeluznantes de todos los tiempos, interpretada por Judith Anderson), que está obsesionada con Rebecca, y no acepta a la joven como la nueva señora de Winter, llegando incluso a intentar llevarla al suicidio.
Al final descubre que Rebecca no era tan perfecta como le hacían creer.
La película recibió once nominaciones en la 13ª edición de los Premios Oscar, y ganó dos: Mejor Película y Mejor Fotografía.
Lo primero es lo primero: la longevidad de Arnold es un testimonio de que la vida es un juego complejo. Sí, utilizó esteroides durante su carrera de culturismo; no hay forma de ocultarlo. Sin embargo, la historia de Arnold no se trata solo de las sustancias que utilizó, sino de su enfoque general de la salud y el fitness.
Analicemos la sinfonía del estilo de vida de Arnold. Este hombre no solo se abrió camino hacia la gloria haciendo press de banca; priorizó un enfoque holístico de la salud. Desde sus primeros días de culturismo hasta su carrera política, Arnold ha sido un defensor del ejercicio, una dieta equilibrada y un estilo de vida saludable en general. Es como si hubiera estado dirigiendo una orquesta de bienestar y los esteroides fueran solo un pequeño instrumento en la gran composición.
Arnold no dejó de evolucionar cuando colgó su capa de culturista. A medida que pasaba de la fase de levantamiento de pesas a una carrera más diversificada, continuó adaptando su estilo de vida. El hombre aprendió, creció y ajustó sus hábitos. Es como si hubiera estado haciendo una serie continua de flexiones mentales, manteniendo su mente tan aguda como sus legendarios bíceps.
Hablemos del elefante en la habitación: los avances médicos. El mundo de la salud ha presenciado algunos avances increíbles a lo largo de los años. Ya no estamos en la Edad de Piedra de la medicina. Arnold, como muchos otros, probablemente se haya beneficiado de estos avances, lo que le ha permitido recibir una atención de primera clase para apoyar su bienestar general.
El viaje de Arnold no se trata solo de fuerza física; también se trata de fortaleza mental. El hombre ha enfrentado desafíos, reveses y triunfos. Su resiliencia mental podría ser la fórmula secreta que lo ha mantenido fuerte. Es como si hubiera estado ejercitando esos músculos mentales junto con los físicos.
En conclusión, la historia de Arnold Schwarzenegger es una obra maestra multifacética. Los esteroides pueden ser un capítulo de su libro, pero ciertamente no definen toda la narrativa. Se trata de un hombre que adoptó un enfoque holístico de la salud, se adaptó a los tiempos y nunca dejó de desafiarse a sí mismo. Por eso, aplaudimos a la Leyenda de Hierro por recordarnos que el camino de la vida es una combinación de muchos factores, no solo uno.
El actor francés Alain Delon ha fallecido este domingo a los 88 años de edad, informan medios franceses.
“Alain Fabien, Anouchka, Anthony y su perro Loubo se entristecen profundamente al anunciar el fallecimiento de su padre. Ha fallecido en paz en su casa de Douchy, rodeado de sus tres hijos y de su familia. […] Su familia les ruega que respeten su intimidad en este momento de duelo extremadamente doloroso”, comunicaron los parientes de la estrella.
La leyenda del cine francés nació el 8 de noviembre de 1935 en la comuna francesa de Sceaux, situada en un suburbio del sur de París. Su debut en la gran pantalla tuvo lugar a finales de los años 50 en la película ‘Quand la femme s’en méle’ (‘Cuando las mujeres se implican’), después de que un ‘cazatalentos’ se fijara en él y en su carisma durante un casting al margen del Festival de Cannes.
Desde entonces, el actor ha aparecido en casi 90 largometrajes, muchos de ellos aclamados por la crítica, como ‘A pleno sol’, ‘Borsalino’, ‘El silencio de un hombre’ o ‘La Piscina’. En muchos de sus filmes interpretó a bandidos y criminales, como en ‘El Samurai’ (1967), una de sus muchas colaboraciones con el director Jean-Pierre Melville, donde Delon encarnaba a un asesino a sueldo. Hace tres años, en ‘El círculo rojo’, interpretó a otro bandido. En 1975 interpretó el papel principal de la película ‘El Zorro’, del director italiano Duccio Tessari, como una suerte de ‘regalo’ para su hijo de 10 años.
Delon consolidó su reputación internacional tras sus apariciones en ‘El gatopardo’ y ‘Rocco y sus hermanos’, ambas del célebre director italiano Luchino Visconti. Su talento fue reconocido en 1985, cuando obtuvo un premio César al mejor actor por la película ‘Nuestra Historia’. En el Festival de Cannes de 2019 recibió la Palma de Honor en reconocimiento a toda su carrera. “Es un homenaje un poco póstumo, pero en vida”, dijo emocionado el actor en el escenario del Palacio de Festivales y Congresos.
Tras sufrir un doble derrame cerebral en 2019, el actor se fue recuperando poco a poco. En las recientes entrevistas, Alain Delon declaró que no dudaría en recurrir a la eutanasia si fuera necesario.
“Estoy a favor [de la eutanasia]. Primero porque vivo en Suiza, donde la eutanasia es legal, y también porque creo que es lo más lógico y natural”, señaló el artista en una entrevista concedida a un canal de televisión local. “A partir de cierta edad, a partir de cierto momento, uno tiene derecho a irse tranquilamente, sin pasar por hospitales, inyecciones y lo demás…”, declaró Alain Delon, y confesó que ya había hecho su testamento para que su herencia no se convirtiera en la manzana de la discordia entre sus familiares.
El Gobierno argentino, encabezado por Javier Milei, dejará de financiar películas “sin espectadores”, en el marco del desguace del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).
El vocero de la Presidencia, Manuel Adorni, confirmó este lunes que habrá nuevos recortes en el ente cinematográfico y cuestionó las políticas de apoyo a las producciones locales durante la gestión anterior.
“Quiero contarles que a partir del decreto 662/24 el gobierno nacional cambió los requisitos de acceso a los subsidios del INCAA, para dejar de financiar películas que sean fracasos comerciales”, dijo Adorni en una rueda de prensa.
Según datos surgidos de una “auditoría” realizada por la gestión libertaria, las cifras de 2023 reflejan que el Instituto subsidió más de 100 filmes que reunieron menos de 1.000 espectadores. En particular, se brindó respaldo a 12 películas que captaron a menos de 100 espectadores; hubo una que logró vender solo cuatro entradas y otra apenas cinco, aseguró el portavoz.
Con las medidas de recorte de la Casa Rosada, “las producciones deberán conseguir financiamiento propio para cubrir, por lo menos, la mitad de los fondos necesarios para su proyecto”, manifestó Adorni.
El sábado, el Ministerio de Desregulación y Transformación del Estado emitió un comunicado en el que anticipó que el Gobierno “no subsidiará más películas sin espectadores”, en el marco del fuerte ajuste que lleva a cabo en la cultura y otros ámbitos del Estado.
“A través del decreto 662/24, se dispusieron una serie de modificaciones en la distribución de subsidios para promover el cine argentino y, a la vez, cuidar y fiscalizar los gastos del Estado en esta industria”, señaló la cartera que dirige Federico Sturzenegger.
La medida fue duramente cuestionada por referentes y entidades del sector afectado. La Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica (CAIC) fue una de las primeras en reaccionar, cosa que hizo a través de un comunicado: “Lamentamos profundamente confirmar en la lectura del decreto 662/2024 la decisión del Poder Ejecutivo de provocar -ya sea por ignorancia o por decisión consciente- un daño irreparable al tejido productivo cinematográfico”.
La CAIC, que nuclea a las principales productoras del país, sostiene que “el decreto confunde conceptos, desconoce las herramientas de fomento utilizadas en todo el mundo y declara querer incentivar un semillero de talentos al mismo tiempo que desalienta las producciones internacionales”.
Por su parte, el periodista y crítico de cine Diego Battle afirmó en la red social X que el Gobierno “está mintiendo” cuando señala que una película la vieron solo 4, 10 o 20 espectadores. Según explicó, el éxito o fracaso no se mide únicamente por la afluencia de público en las salas, ya que también debe contarse la audiencia en festivales, presentaciones y plataformas.
Battle remarcó que en el caso de la película ‘Camuflajen’ (Jonathan Perel – 2022), el ejemplo que utilizó el vocero de Milei “como justificación para el desguace del INCAA”, esa cifra (20 espectadores) surge de una sola proyección en la ciudad de Córdoba.
Además —indicó el especialista—, recibió el subsidio más bajo: fueron 1.800.000 pesos (unos 2.000 dólares o algo más por las devaluaciones). No obstante, fue estrenada en el festival de cine de Berlín (Berlinale), premiada en el festival de cine de Buenos Aires (Bafici), presentada en más de 30 eventos similares, proyectada en salas y exhibida en televisión a través del canal Encuentro.
Otros usuarios de redes se preguntaron cómo hará el Gobierno de Milei para saber si una película será “un fracaso” o no antes de que se estrene.
Meta ha ofrecido contratos millonarios a actores de Hollywood para poder usar su voz en sus productos de inteligencia artificial (IA)
AwkwafinaDench
Actualmente, la compañía estaría en conversaciones con las actrices Judi Dench y Awkwafina y con el actor Keegan-Michael Key.
Según las fuentes, las voces podrían ser usadas para un chatbot que servirá como asistente virtual del estilo de Siri, de Apple.
El medio indica que las conversaciones no están siendo nada fáciles para Meta, que busca obtener los derechos de las voces para múltiples usos durante un período determinado en un solo proyecto, mientras que los representantes de los actores piden establecer límites más estrictos.
Ella Fitzgerald fue encarcelada en 1955 por cantar ante un público integrado. Cuando el productor de jazz y promotor de conciertos estadounidense Norman Gran alquiló el Music Hall de Houston, incluyó una cláusula de no segregación. Quitó todos los carteles que designaban “blanco” o “negro” en los baños y se negó a vender entradas por adelantado para evitar la segregación.
Recuerda un incidente: “Una persona se me acercó temprano en la sala de conciertos y quería cambiar de asiento porque estaba sentado al lado de una persona negra. Le dije: ‘No, te devolveremos el dinero, pero no cambiaremos tu asiento’. El cliente aceptó el reembolso. Hicimos todo lo posible para garantizar la integración”.
A pesar de que no hubo disturbios entre la multitud integrada, la policía apareció para arrestar a los artistas entre presentaciones. Arrestaron al grupo por juegos de azar porque algunos músicos de jazz estaban jugando a los dados, mientras Fitzgerald tomaba café. El grupo fue llevado a la comisaría, donde un oficial le pidió un autógrafo a Fitzgerald. Después de pagar una multa, fueron liberados y pudieron realizar su segundo set ante un público desprevenido.
En una entrevista de 1963, Fitzgerald habló de su frustración al lidiar con el racismo en el Sur: “Tal vez me estoy pasando de la raya, pero tengo que decirlo porque lo tengo en el corazón. Es desalentador que no podamos actuar en ciertas partes del Sur como lo hacemos en el extranjero, donde todo el mundo viene a disfrutar de la música sin prejuicios. Yo solía quedarme en silencio porque la gente decía: ‘La gente del mundo del espectáculo debería mantenerse al margen de la política’, pero nos ha avergonzado mucho. No entiendo por qué no tocamos en Alabama o por qué no podemos dar un concierto. La música es música”.
A veces un actor tiene mucha suerte con una serie de televisión que se convertirá en un fenómeno cultural. Rara vez tiene suerte dos veces en el mismo programa. David McCallum tuvo suerte dos veces. El primero cuando lo eligieron para la serie, el segundo cuando lo despidieron de la misma serie, pero nadie se lo dijo. Debido a su incompetencia competitiva, otro pobre tipo recibió el golpe en su lugar.
David McCallum se estaba haciendo un nombre y acababa de aparecer en The Great Escape. Al mismo tiempo, el personaje de espía James Bond estaba arrasando en el mundo y la televisión intentó intervenir produciendo una serie de espías.
El programa titulado Solo estaba protagonizado por Robert Vaughn como Napoleón Solo, David como su socio Illya Kuryakin y su jefe, el Sr. Allison, interpretado por Will Kuluva. El creador de James Bond, Ian Fleming, participó en su creación y se le ocurrieron los nombres. También se le ocurrió el nombre de April Dancer, una espía que podría unirse a ellos. Este personaje aparecería en su propio spin-off más adelante.
Vaughm
McCallum
Carroll
Kuluva
El espectáculo fue filmado en color y retomado. Había solo un problema. A uno de los ejecutivos no le gustó el personaje de David y le dijeron al productor que lo dejara. ”Tienes que deshacerte de uno de los actores. Cómo se llama . . . No lo recuerdo. Algo con una K, creo.” fue la orden. El productor pensó en su lista de reparto y pensó en Will Kuluva. El pobre Will fue despedido y más tarde el ejecutivo preguntó quién ocupaba el lugar de David. Se sorprendió cuando le dijeron que era Leo G. Carroll, de 71 años. Pero los contratos habían sido firmados.
Al programa no se le permitió usar el título ya que el nombre Solo era propiedad de otro estudio, por lo que eligieron The Man From Uncle. Leo volvió a filmar las escenas previamente filmadas por Will. El papel de David fue muy menor, en el primer episodio solo tenía 4 líneas, pero el público lo aceptó durante las siguientes semanas, donde luego le dieron un papel más importante y el programa se volvió absolutamente enorme. En ese momento se reveló que David recibió más cartas de fans que nadie hasta ese momento en el estudio. Recordó que una vez, cuando intentaba caminar por la Quinta Avenida, la policía montada tuvo que ser rescatado de hordas de fanáticos que gritaban.
En general, su suerte se mantuvo y siguió siendo un actor popular muy tarde en la vida y siguió actuando hasta su muerte a los 90 años.
Antes de que existiera Harrison Ford, a quien conocemos principalmente como los personajes “Indiana Jones” y “Hans Solo”, existió la estrella del cine mudo Harrison Ford. Realizó 87 (cortometrajes) a lo largo de 30 años.
Harrison Ford
Harrison Ford nació el 16 de marzo de 1884 y fue un actor estadounidense. Fue un destacado intérprete de teatro de Broadway y una estrella de la era del cine mudo.
Nacido en Kansas City, Missouri, hijo de Anna y Walter, Ford comenzó su carrera como actor en el escenario. Hizo su debut en Broadway en 1904 en Ranson’s Folly de Richard Harding Davis. Luego apareció en producciones de Strongheart de William C. deMille; Glorious Betsy, de Rida Johnson Young (la producción duró sólo 24 funciones, pero la obra fue posteriormente adaptada para una película del mismo nombre nominada al Oscar); La lucha, de Bayard Veiller (que cerró rápidamente); La centralita, de Edgar Wallace; La burbuja, de Edward Locke; y los Rolling Stones de Edgar Selwyn.
En 1915, Ford se dedicó al cine y se mudó a Hollywood. Se convirtió en protagonista junto a estrellas como Constance Talmadge, Norma Talmadge, Marie Prevost, Marion Davies, Marguerite De La Motte y Clara Bow. La carrera cinematográfica de Ford terminó con la llegada del cine sonoro. Su última película, y única película sonora, Love in High Gear, se estrenó en 1932.
Dejó Hollywood ante la llegada del sonido al cine y nunca volvió a actuar. Se volvió un recluso y evitó la publicidad personal y el propio Hollywood.
Su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood está en 6665 Hollywood Boulevard, pero a menudo se confunde con la otra estrella de Harrison Ford hasta que Ford finalmente recibió su propia estrella en 1993.
El actor canadiense y estrella de Hollywood Donald Sutherland falleció este 20 de junio a los 88 años tras una larga enfermedad, informó su hijo, Kiefer Sutherland.
“Con gran pesar les digo que mi padre, Donald Sutherland, ha fallecido. Personalmente, me parece uno de los actores más importantes de la historia del cine”, valoró Kiefer. “Nunca se amilanó ante un papel, fuera bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía y hacía lo que amaba, y nunca se puede pedir más que eso. Una vida bien vivida”.
El actor interpretó en 1976 al histórico seductor italiano Giacomo Casanova en una película de Federico Fellini, protagonizó decenas de filmes en las décadas siguientes y apareció en todas las entregas de la postapocalíptica saga ‘Los juegos del hambre’ (2011-2015).
Donald McNichol Sutherland fue un actor y activista pacifista canadiense cuya carrera cinematográfica abarca más de siete décadas. Ha recibido numerosos elogios, incluido un premio Primetime Emmy, dos premios Golden Globe y un premio Critics Choice. Ha sido citado como uno de los mejores actores que nunca ha recibido una nominación al Premio de la Academia. En 2017 recibió el Premio Honorífico de la Academia. Sutherland nació el 17 de julio de 1935 en Saint John, Canadá y falleció hoy, 20 de junio de 2024.
El tipo duro definitivo que era tan duro fuera de la pantalla como dentro de ella. Bronson, nacido como Charles Dennis Buchinsky, no solo estaba interpretando a un tipo rudo: ¡lo era!
Este tipo creció en un agitado pueblo minero de carbón en Pensilvania, uno de 15 hijos. ¡Quince! Imagínese el caos. Su familia era tan pobre que tuvo que usar la ropa usada de su hermana. Sí, el hombre que más tarde se convirtió en un hombre duro de Hollywood comenzó con vestidos. Habla sobre la formación del carácter.
A los 16 años, Charles Bronson se unió al negocio de la minería del carbón. Así es, estaba allí abajo, cubierto de hollín, haciendo un trabajo agotador. Luego, como eso no era lo suficientemente valiente, se alistó en la Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial, convirtiéndose en artillero de cola de un bombardero B-29. Si sabes algo sobre historia militar, sabrás que ese trabajo no fue pan comido. Volaba en un avión, disparaba a los enemigos y trataba de no volar en pedazos. Puras agallas.
Cuando finalmente llegó a Hollywood, no entró simplemente y consiguió papeles protagónicos. ¡Diablos no! Trabajó arduamente en papeles más pequeños durante años, a menudo interpretando, lo adivinaste, tipos duros. Su gran oportunidad llegó con “Los siete magníficos”, donde demostró que podía defenderse entre los actores más duros del momento. A partir de ahí, se convirtió en el vigilante icónico de “Death Wish”, un papel que consolidó su lugar como el máximo tipo rudo en pantalla.
Bronson era el tipo de persona que aportaba la dureza de la vida real a sus papeles, haciendo creíbles cada golpe y cada mueca. No solo estaba actuando; estaba canalizando sus propias experiencias de vida. Este hombre podría patearte el trasero de seis maneras hasta el domingo y lucir genial haciéndolo. No es de extrañar que se le recuerde como uno de los tipos más duros de Hollywood, tanto dentro como fuera de la pantalla.
A pesar de que Clark Gable le gastó una broma durante el rodaje de “Lo que el viento se llevó” (1939) (puso brandy real en la jarra en lugar de té helado durante la escena de celebración del nacimiento de Bonnie Blue), Hattie McDaniel y Gable en realidad eran Buenos amigos. Más tarde, Gable amenazó con boicotear el estreno de la película en Atlanta porque McDaniel no fue invitada, pero luego cedió cuando ella lo convenció de ir.
Atacada por la NAACP (Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color) durante su carrera por aparecer en papeles serviles estereotipados y negativos, Hattie afirmó con firmeza y orgullo que hizo lo mejor que pudo.
Continuó afirmando que no sólo trabajaba para ella misma, sino que pensaba que también trabajaba para las futuras generaciones de afroamericanos.
Siempre esperó que la gente se acercara y entendiera lo que tuvo que pasar en Hollywood y estaba extremadamente herida por la forma en que la trataron, por los papeles que no pudo conseguir y por cómo la NAACP seguía imponiendo la imagen de Lena Horne en ella.
“¿Por qué debería quejarme de ganar 700 dólares a la semana interpretando a una sirvienta? Si no lo hiciera, ganaría 7 dólares a la semana siendo una”.
Hattie McDaniel Holbert (10 de junio de 1893 – 26 de octubre de 1952) fue una actriz, cantautora y comediante estadounidense. Por su papel de Mammy en Lo que el viento se llevó (1939), ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto, convirtiéndose en la primera afroamericana en ganar un Oscar. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, fue incluida en el Salón de la Fama de los Cineastas Negros en 1975 y en 2006 se convirtió en la primera ganadora negra del Oscar honrada con un sello postal estadounidense. En 2010, fue incluida en el Salón de la Fama de las Mujeres de Colorado.
El séptimo sello” no es la típica película de palomitas de maíz de los viernes por la noche. Este clásico de Ingmar Bergman es una inmersión profunda y melancólica en el significado de la vida, la muerte y qué diablos significa todo ello. La película está ambientada durante la Peste Negra, por lo que ya es un tema oscuro y sombrío. El personaje principal, un caballero llamado Antonius Block, literalmente juega al ajedrez con la Muerte, una metáfora pesada.
Bergmanvon Sydow
¿El objetivo de la película? Se trata de afrontar las grandes cuestiones existenciales. Antonius está lidiando con la fe, la duda y la búsqueda de significado en un mundo que parece bastante sin sentido. Ha regresado de las Cruzadas, desilusionado y cuestionándolo todo, algo con lo que mucha gente puede identificarse, especialmente en tiempos de crisis.
¿Por qué tiene tan alta calificación? Primero, es visualmente impresionante. El uso que hace Bergman de una cinematografía en blanco y negro crea estas imágenes inquietantes e inolvidables. ¿Esa escena de la Muerte y el caballero jugando al ajedrez en la playa? Icónico. En segundo lugar, los temas son universales y atemporales. Profundiza en la condición humana, explorando el miedo, la fe y el deseo de respuestas que quizás nunca lleguen. Es como una sesión de terapia existencial filmada.
Las actuaciones también son asesinas. Max von Sydow como Antonius es intenso y convincente, y Bengt Ekerot como Death (La Muerte) es escalofriantemente tranquilo. El diálogo es agudo, filosófico y permanece con el espectador mucho después de que aparecen los créditos.
Una mujer de Michigan y su familia estaban de vacaciones en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra donde Paul Newman y su familia visitaban con frecuencia.
Un domingo por la mañana, la mujer se levantó temprano para dar un largo paseo. Después de una enérgica caminata de cinco millas, decidió darse un capricho con un cono de helado de chocolate doble.
Se subió al coche, condujo hasta el centro del pueblo y fue directamente a la combinación de panadería y heladería. Sólo había otro cliente en la tienda: Paul Newman, sentado en el mostrador tomando un donut y un café.
El corazón de la mujer dio un vuelco cuando sus ojos hicieron contacto con esos famosos ojos azul celeste. El actor asintió graciosamente y la mujer estrellada sonrió recatadamente. ¡Cálmate! Ella se reprende a sí misma. Eres una mujer felizmente casada, con tres hijos, tienes cuarenta y cinco años, ¡no eres una adolescente!
La empleada llenó su pedido y ella tomó el cono de helado de chocolate doble en una mano y su cambio en la otra. Luego salió por la puerta, evitando siquiera mirar en dirección a Paul Newman.
Cuando llegó a su auto, se dio cuenta de que tenía un puñado de monedas pero que tenía la otra mano vacía. ¿Dónde está mi cono de helado? ¿Lo dejé en la tienda? Regresó a la tienda, esperando ver el cono todavía en la mano del empleado o en un soporte sobre el mostrador o algo así. No se veía ningún cucurucho de helado.
Dicho esto, miró a Paul Newman. Su rostro se transformó en su sonrisa familiar, cálida y amistosa y le dijo a la mujer:
Cuando hablas de Daniel Day-Lewis, no estás hablando sólo de un actor; Estás hablando de una maldita fuerza de la naturaleza. Este tipo se sumerge tan profundamente en sus papeles que casi da miedo. En serio, él no sólo actúa; él se transforma. Cada actuación es como una clase magistral de actuación.
Empezando por su método de actuación, no es sólo una tontería de Hollywood: él lo vive. Para “Lincoln”, el tipo enviaba mensajes de texto con la voz de Abraham Lincoln. Vaya, ¿verdad? Y para “My Left Foot”, permaneció en una silla de ruedas durante todo el rodaje, exigiendo a los miembros del equipo que le dieran de comer con cuchara. Eso es dedicación… o locura, según se mire.
¿Su filmografía? Estelar. “Habrá sangre”? Nos dio un hombre del petróleo tan intenso, tan terriblemente ambicioso que casi se podía oler el petróleo crudo y la traición. Y ni siquiera me hagas hablar de “Gangs of New York”. Como Bill el Carnicero, era escalofriante, una presencia imponente que podía hacerte orinar en los pantalones con solo una mirada.
El hombre ganó tres premios de la Academia al Mejor Actor y, sinceramente, bien podrían haberle puesto el premio en su honor a estas alturas. Aporta tal seriedad e intensidad a cada papel que es como ver diferentes versiones de la realidad en torno a sus actuaciones.
En pocas palabras, si Daniel Day-Lewis está en una película, sabes que te espera una gran potencia de actuación. A nadie le gusta DDL. El hombre es una leyenda, un enigma y absolutamente uno de los mejores que jamás haya existido en el negocio.
¿Denzel Washington se retira de su carrera actoral?
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“No sé cuántas películas más voy a hacer. Probablemente no muchas”, dijo Washington durante una entrevista. “Quiero hacer cosas que no he hecho. Interpreté a Otelo con 22 años, estoy a punto de interpretar a Otelo con 70 años. Después interpretaré a Hannibal. Después he estado hablando con Steve McQueen sobre una película. Después de eso Ryan Coogler está escribiendo un papel para mí en la próxima ‘Pantera Negra'”, destacó el cineasta.
“Después de eso haré la película ‘Otelo’. Después haré ‘El rey Lear’. Después me retiraré”, añadió el actor, que tiene 69 años.
Actualmente Washington está centrado en la promoción de ‘Gladiator II’, la secuela de la película de acción de Ridley Scott del año 2000. “Me quedan muy pocas películas por hacer que me interesen”, declaró Washington a la revista Empire en octubre. “Tengo que inspirarme en el cineasta, y Ridley me inspiró tremendamente”, subrayó.
“Lo pasamos muy bien la primera vez [en ‘Gánster americano’], y aquí estamos”, aseguró Washington. Según el actor, en las casi dos décadas que han pasado desde la última vez que trabajaron juntos, Scott no ha perdido nada de su energía. “Está comprometido. Está entusiasmado con la vida y con su próxima película. Es una inspiración”, dijo Washington. “Todos deberíamos querer sentirnos así a los 86 años”, comentó.
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Noviembre 15, 2024
La dueña del pueblo
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Kim Basinger fue una gran actriz de Hollywood, extremadamente bella, en la década de 1980 y 1990. Era una mujer muy sexy y una buena actriz, y sigue siendo una mujer muy bella.
No es la actriz más arruinada de Hollywood, pero se declaró en quiebra con una aventura arriesgada y audaz que gestionó con algunos de sus inversores.
En 1989, Kim Basinger compró una propiedad en su estado natal de Georgia.
Ella y sus compañeros inversores compraron los 1.751 acres de un pueblo llamado Braselton.
El propósito de este gran proyecto era crear una atracción turística como un parque temático o un estudio de cine y se compró por 20.000.000 de dólares.
Desafortunadamente, el plan de desarrollo salió muy mal y no tuvo éxito. Basinger se vio obligada a reducir sus pérdidas y vendió la ciudad de Braselton por sólo un millón de dólares después de declararse en quiebra en 1993.
En conjunto, una inversión bastante horrible, pero al menos tiene el mérito de haber tenido el coraje de hacer realidad su sueño.
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Noviembre 11, 2024
La Marilyn Negra
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Joyce Bryant fue considerada “La Marilyn Monroe negra” y llamada “La bomba rubia de bronce”. Es una cantante y actriz que alcanzó la fama a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 como intérprete de teatro y discoteca. Fue considerada una de las mujeres negras más hermosas del mundo y apareció regularmente en revistas como Jet. Un diseño de la revista Life en 1953 mostró a la sexy cantante en poses provocativas.
Su acto fue escandalosamente sexy; usó provocativos vestidos de sirena ajustados, sin espalda y con escotes que dejaban poco a la imaginación y eran tan ajustados que tuvieron que sacarla del escenario en brazos. Supuestamente, Bryant se retorcía tanto que perdía cuatro libras por actuación.
Bryant, era la mayor de ocho hijos. Era una niña tranquila criada en un hogar estricto y tenía ambiciones de convertirse en profesora de sociología. Nació en Oakland, California y se crió en San Francisco, hija de una devota adventista del séptimo día. Se fugó a los 14 años, pero el matrimonio terminó esa misma noche.
En 1946, se fue de casa para vivir con sus primos en Los Ángeles, aceptó un reto para participar en una sesión de canto improvisada en un club local. Bryant dijo: “Unos minutos después, el dueño del club me ofreció 25 dólares para subir al
escenario, y lo acepté porque [necesitaba el dinero] para volver a casa”. A partir de ahí, consiguió otros trabajos y se ganó una sólida reputación.
El pelo de Bryant era naturalmente negro, pero para no ser eclipsada por Josephine Baker en un club, lo roció con pintura plateada para radiadores, se puso un vestido plateado ajustado y voilá: la bomba rubia bronceada e incluso Baker quedó impresionada.
Su acto sexy y la voz elástica de Bryant elevaron a la cantante a la categoría de peso pesado; A principios de los años 50, Bryant ganaba hasta 3.500 dólares por actuación y 150.000 dólares al año.
Alrededor de 1952, grabó una serie de 78 rpm para OKeh Records con la orquesta de Joe Reisman. Dos de sus standards más conocidos, “Love for Sale” y “Drunk with Love”, fueron prohibidos en la radio por sus letras provocativas.
Bryant, que a menudo se enfrentó a la discriminación y se manifestó abiertamente sobre cuestiones de desigualdad racial, se convirtió en 1952 en la primera artista negra en actuar en un hotel de Miami Beach, desafiando las amenazas del Ku Klux Klan que había quemado su efigie. Criticó las prácticas de facturación racial en clubes nocturnos y hoteles y abogó por que los artistas como grupo lucharan contra las leyes de Jim Crow.
En 1954, se convirtió en una de las primeras cantantes negras en actuar en el Casino Royal de Washington, D.C., donde dijo que había oído hablar tanto de la segregación que se practicaba allí que le sorprendió ver a tantos afroamericanos asistir al club del centro. “Fue una gran emoción”, dijo, “verlos entrar y ser tratados con tanta cortesía por la dirección”.
Por muy meteórica que fuera su carrera, aterrizó aún más rápido. La pintura le dañó el pelo. La educaron para que temiera a Dios y empezó a tener dudas sobre su imagen. No le gustaba trabajar en sábado y odiaba los clubes y a los hombres (a menudo gánsteres) que los frecuentaban, codiciando su cuerpo. Una vez la golpearon en su camerino por rechazar las insinuaciones de un admirador. Años después, le dijo a la revista Essence que nunca disfrutó de su carrera. Encontró consuelo en las pastillas: pastillas para dormir y pastillas para obtener energía.
En una ocasión, la golpearon en su camerino después de rechazar las insinuaciones de un hombre. Su desencanto con las
subculturas de las drogas y los gánsteres, combinado con las presiones de su manager, llevaron a Bryant a abandonar la primera fase de su carrera en 1955 cuando lo denunció por la iglesia. Quería dejarlo antes, pero no pudo debido a los nefastos managers y los compromisos previos.
“La religión siempre ha sido parte de mí”, dijo. “Y era algo muy pecaminoso lo que estaba haciendo: ser muy sexy, con vestidos ajustados y escotados”. También recordó: “Tenía un dolor de garganta muy fuerte y hacía ocho actuaciones al día […] Trajeron a un médico para que me ayudara y dijo: ‘Puedo rociarte la garganta con cocaína y eso solucionará el problema, pero te volverás adicta’. Entonces escuché a mi gerente decir: “No me importa lo que hagas, ¡solo hazla cantar!”.
Bryant se dedicó a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y se inscribió en Oakwood College en Huntsville, Alabama. Ebony publicó un artículo en su número de mayo de 1956 titulado “El nuevo mundo de Joyce Bryant: ex cantante de café abandona su carrera de 200.000 dólares al año para aprender a servir a Dios”.
Viajando durante años por el sur, Bryant se enojó cuando vio que los hospitales se negaban a atender a quienes tenían necesidades críticas porque eran negros. Como resultado, organizó recaudaciones de fondos para que los negros compraran comida, ropa y medicamentos, y continuó dando conciertos, luciendo su cabello negro natural y sin maquillaje, para recaudar dinero para su iglesia.
Se reunió con frecuencia con Martin Luther King, Jr., un fanático de su canto, para apoyar sus esfuerzos por brindar comodidades materiales básicas a los negros. Bryant creía que la lucha por los derechos civiles era la lucha de todas las personas que Creía en Dios, pero cuando se enfrentó a su iglesia y le pidió que se posicionara contra la discriminación, la iglesia se negó con el razonamiento: “Pero estos son asuntos terrenales y, por lo tanto, no tienen importancia espiritual”.
Decepcionada, se retractó de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. Desilusionada, y después de muchas acusaciones falsas, volvió al entretenimiento en los años 60. Trabajó con compañías de ópera extranjeras de gira, regresó a la escena de clubes de rock y cantó en cruceros; esta vez sin teatralidad, cabello rubio y vestidos ajustados.
Se formó con un profesor de canto y eso la llevó a ganar un contrato con la Ópera de la Ciudad de Nueva York. También realizó giras internacionales con las compañías de ópera italiana, francesa y de Viena. Volvió a interpretar jazz en la década de 1980 y comenzó una carrera como profesora de canto, con clientes como Jennifer Holliday, Phyllis Hyman y Raquel Welch.
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Octubre 28, 2024
El perro de Superman
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Los fanáticos de Superman esperan con ansias su nueva película, cuyo estreno está previsto para julio de 2025. Si bien faltan todavía varios meses, algunas sorpresas ya han salido a la luz, como la participación de la mascota Krypto, el superperro, que aparecerá por primera vez en una película no animada del icónico superhéroe de DC.
El encargado de revelar la noticia fue el propio director del filme, James Gunn, a través de sus redes sociales. Compartió, además, una tierna historia acerca de qué lo inspiró a llevar a la fiel mascota de Superman a la pantalla grande. “Krypto se inspira en mi perro, Ozu, al que adopté al poco de empezar a escribir la película”, dijo el cineasta.
“Venía de criarse con más de 60 perros callejeros como él y nunca antes había conocido a un ser humano, así que al principio fue un tanto problemático. Al entrar en mi casa lo destruyó todo: los muebles, los zapatos, incluso el ordenador. Pasó mucho tiempo antes de que me dejara tocarlo. Recuerdo haber pensado: ‘¿sería igual de difícil si Ozu tuviera superpoderes?'”, continuó Gunn. “Así fue como Krypto entró en el guion. Cambió la historia, tal y como Ozu cambió mi vida”, indicó, señalando que no es coincidencia que revelara la noticia en octubre, el mes de la adopción canina.
Krypto, conocido también como el Superperro, hizo su primera aparición en un cómic de Superman en 1955. Al igual que el superhéroe, este can es originario de Krypton, planeta del cual logró escapar antes de su destrucción. Al llegar a la Tierra, descubre que acá goza de superfuerza, visión láser, capacidad de volar y alcanzar altas velocidades.
Desde su primera aparición, Krypto ha sido representado como un perro de diferentes razas, generalmente blanco. Ha estado presente en diversas adaptaciones, tanto en series animadas como en cómics. Su última aparición animada fue en ‘DC League of Super-Pets’, en el 2022. No obstante, nunca había aparecido en un filme de acción real, hasta este momento.
La nueva película de Gunn, conocida inicialmente como ‘Superman: Legacy’, explora una versión joven del superhéroe, que aún está reconciliando su herencia kryptoniana con sus raíces humanas en la Tierra. Está inspirada en el cómic ‘Superman: Las cuatro estaciones’, escrito por Jeph Loeb y Tim Sale en 1998.
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Octubre 18, 2024
Tarantino
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En su día, había un pequeño grupo de directores que habían demostrado tener tanto talento que, sin importar de qué trataban sus nuevas películas o qué elenco tenían, la gente iba a verlas.
Atraían al público a las salas de cine como lo hacían los actores más importantes, lo cual no era poca cosa. Algunos de esos directores fueron Steven Spielberg, Martin Scorsese y James Cameron.
Hoy en día, eso ya no sucede… excepto con Quentin Tarantino.
Cada vez que se estrena una película de Tarantino, todo el mundo la conoce y millones de personas la van a ver. Es como un evento.
En mi opinión, es el mejor guionista en activo en la actualidad y un gran director, y la forma en que dirige sus propios guiones es lo que lo distingue.
Consigue escribir diálogos increíblemente deliciosos que nos mantienen enganchados y nos hacen prestar atención a cada palabra que dicen sus personajes, incluso cuando estos dicen las cosas más atroces. Además, es un maestro del suspenso.
No hay mejor ejemplo que la escena inicial de 20 minutos de Bastardos sin gloria.
El personaje de Christopher Waltz, el coronel Hans Landa, entra en una granja francesa y de inmediato podemos decir que el granjero y sus hijas no están a salvo por los ángulos de cámara que eligió Tarantino, que muestran a las tres hijas acorraladas en una esquina y al granjero acorralado en otra mientras el coronel camina libremente.
Luego vemos al granjero y una de sus hijas intercambiar miradas, lo que nos muestra que si algo sucede, el granjero tiene refuerzos.
Poco después, el coronel Landa pide hablar con el granjero en privado, lo que hace que sus hijas se vayan, por lo que el granjero ahora está solo con él y Tarantino nos lo muestra cambiando el ángulo de cámara a una toma del granjero sin nadie más en el cuadro. No tiene refuerzos y debe enfrentar esto solo.
Tarantino nos da confianza al hacer que el granjero parezca seguro de sí mismo, al hacerle responder todas las preguntas y levantarse para buscar su tabaco y sentarse de nuevo para llenar su pipa, para demostrarle al coronel Landa que confía en sus respuestas y que no tiene nada que ocultar.
Pero luego notamos que la cámara sigue la mano del granjero, mientras coloca la cerilla que utilizó para encender la pipa en el cenicero, y el sombrero del coronel entra en el marco de la esquina derecha. Esto nos muestra quién está realmente en el poder en esta situación y comenzamos a temer lo que le sucederá al granjero, aunque solo unos segundos antes de esto pensábamos que todo iba a salir bien.
Poco después, la cámara se dirige hacia el suelo y vemos que el granjero está escondiendo gente debajo de las tablas del suelo, y luego descubrimos cómo la gente llama al coronel Landa. “El cazador de judíos”. El coronel explica entonces por qué lo llaman así y ahora sabemos por qué está en esa granja.
Mientras siguen hablando, la cámara enfoca los rostros de ambos de manera individual y vemos que el coronel deja de mostrarse alegre y jovial y que el granjero empieza a vacilar.
La cámara se acerca cada vez más a sus rostros hasta que se detiene y el granjero finalmente le dice al coronel que, efectivamente, está escondiendo judíos en su casa.
La escena completa dura casi 20 minutos y la mayor parte son diálogos. La mayoría de las personas se aburrirían si no vieran mucho en la pantalla durante tanto tiempo, pero la forma en que Tarantino escribe y dirige hace que te involucres con la historia y hace que una escena de 20 minutos parezca 4 minutos de suspenso y terror.
Esta escena es una clase magistral de escritura, dirección y, por supuesto, actuación, y cualquiera que esté interesado en ingresar a la industria debería estudiarla.
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Octubre 7, 2024
Muere a los 88 años una leyenda de la música country
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Su familia dijo en un comunicado: “Con gran pesar compartimos la noticia de que nuestro esposo/padre/abuelo, Kris Kristofferson, falleció en paz el sábado 28 de septiembre en su casa. Todos estamos muy bendecidos por el tiempo que pasamos con él. Gracias por amarlo durante todos estos años, y cuando vean un arcoíris, sepan que nos está sonriendo a todos”. La declaración se ofreció en nombre de la esposa de Kristofferson, Lisa; sus ocho hijos, Tracy, Kris Jr., Casey, Jesse, Jody, John, Kelly y Blake; y sus siete nietos.
Kyle Young, el director ejecutivo del Salón de la Fama y Museo de la Música Country, dijo: “Kris Kristofferson creía en lo más profundo de su ser que la creatividad es un don de Dios y que quienes ignoran o desvían un don tan sagrado están condenados al fracaso y la infelicidad. Predicó que una vida de la mente da voz al alma, y luego creó un conjunto de obras que dieron voz no solo a su alma sino a la nuestra. Los héroes de Kris incluyeron al boxeador Muhammad Ali, al gran poeta William Blake y al ‘Hillbilly Shakespeare’, Hank Williams. Vivió su vida de una manera que honró y ejemplificó los valores de cada uno de esos hombres, y deja un legado justo, valiente y rotundo que resuena con el de ellos”.
En su juventud, Kristofferson se unió al ejército de los EE. UU. y fue nombrado segundo teniente, alcanzando el rango de capitán. Se convirtió en piloto de helicóptero después de recibir entrenamiento de vuelo.
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Setiembre 30, 2024
El método falso Brad Pitt
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“Se ha investigado también a diez personas pertenecientes a la organización criminal y se ha conseguido localizar y bloquear 85.000 euros [unos 94.500 dólares] del dinero total estafado”, reza el texto. “Entre los detenidos se encuentran los dos principales cabecillas de la red”, añade.
Los timadores estudiaban las redes sociales de sus potenciales víctimas y creaban un perfil psicológico, captando así a mujeres “vulnerables, con carencias afectivas y en estado depresivo”.
A ellas escribían correos electrónicos y mensajes por plataformas como WhatsApp* haciéndoles creer que estaban hablando con el mencionado actor estadounidense, prometiéndoles “una relación sentimental y un futuro juntos”.
Cuando los ciberdelincuentes se ganaban su confianza, el falso Pitt les proponía realizar transferencias bancarias de elevadas sumas para invertir con él en varios proyectos comerciales. El dinero terminaba en una red de cuentas bancarias creada en países africanos como Nigeria, Ghana o Senegal.
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Stiembre 25, 2024
Laurence Olivier y Marathon Man
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El productor Robert Evans y el director John Schlesinger estaban decididos a que Laurence Olivier interpretara el papel del doctor Szell en Marathon Man.
Cuando le ofrecieron el papel del médico nazi en Marathon Man, acababa de recuperarse de un cáncer de próstata, sufría bronquitis crónica y neumonía y acababan de diagnosticarle una terrible enfermedad, la dermatopolimiositis, una enfermedad autoinmune que provoca el deterioro de todos los músculos del cuerpo… Tenía 67 años.
Paramount, que produce la película, la veta. Es imposible hacer la película con un actor moribundo. Ninguna compañía de seguros querría asegurar el proyecto.
Robert Evans decide entonces arriesgarse. Se pone en contacto con sus amigos ingleses, la actriz Merle Oberon (Cumbres borrascosas) y el actor David Niven, pidiéndoles que intercedan en su favor para obtener una audiencia con la Cámara de los Lores, la cámara alta del Parlamento del Reino Unido.
Con cierta dificultad, Robert Evans consigue hablar con los parlamentarios británicos. Allí, les implora que presionen a la compañía de seguros Lloyd’s de Londres (que asegurará la película) para que acepte asegurar al mejor actor en activo de Gran Bretaña.
¡Su improbable plan funciona!
Lloyd’s de Londres acepta asegurar a Laurence Olivier.
Protagonizaría Marathon Man y su notable actuación le valdría una nominación al Oscar y un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto.
Pero lo más increíble de esta historia es que al volver a trabajar en Marathon Man, el actor moribundo fue recuperando poco a poco su salud.
Poco después del estreno de la película, sus médicos lo declararon en remisión.
Laurence Olivier viviría 15 años más y moriría en 1989 a la edad de 82 años.
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Setiembre 18, 2024
James Earl Jones
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“Falleció esta mañana rodeado de sus seres queridos”, dijo McPherson. “Era un gran hombre”.
Jones fue una aclamada estrella de teatro y cine, ganadora de premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony, aunque más tarde su inconfundible voz se hizo tan famosa como su rostro generalmente sonriente. Invitó a generaciones de televidentes con la frase característica “Esto es CNN” para el canal de noticias por cable, tuvo la seriedad paternal como el valiente Mufasa en el clásico animado de Disney de 1994 “El Rey León” y su remake de 2019, pero fue más famoso por sus frases características (“Yo soy tu padre”) como Vader.
“Yo también he hecho un Rey Lear. ¿Lo saben los niños? No, tienen el póster de Darth Vader para que lo firmen. Pero no pasa nada”, dijo Jones en una entrevista con Broadway.com en 2010. “Cuando te presentas ante un público, aprendes a aceptar lo que te den. Con suerte, te darán sus oídos”.
Oriundo de Arkabutla, Mississippi, Jones fue criado por sus abuelos en Michigan y superó una tartamudez en su infancia. Después de estudiar arte dramático en la Universidad de Michigan, se mudó a Nueva York en 1957 para seguir los pasos de su padre, Robert Earl (que se fue antes de que Jones naciera) como actor.
Al año siguiente, hizo su debut en Broadway en “Sunrise at Campobello”, comenzando una carrera teatral histórica que incluyó papeles ganadores de premios Tony en “The Great White Hope” (1969) y “Fences” (1987), así como papeles destacados en “Cat on a Hot Tin Roof”, “Driving Miss Daisy” y “You Can’t Take It With You”.
En la pantalla grande, Jones apareció por primera vez en la clásica sátira de la Guerra Fría de 1964 “Dr. Strangelove”, obtuvo una nominación al Oscar a mejor actor por la adaptación cinematográfica de 1970 de “Great White Hope” y, a lo largo de cinco décadas, también protagonizó “Conan the Barbarian” (1982), “Coming to America” (1988), “Field of Dreams” (1989) y “The Sandlot” (1993).
“Field of Dreams”, al igual que el drama sobre un minero de carbón de John Sayles de 1987 “Matewan”, fue “una de las pocas películas que he hecho que realmente aprecio”, dijo Jones en 2014 para el 25.º aniversario del drama con temática de béisbol.
“Películas que tienen temas muy simples, historias simples que contar, pero muy poderosas (y) compactas”, dijo. “Son importantes para mí porque en esa simplicidad, la magia puede suceder si simplemente la dejas suceder y no la fuerzas”.
A partir del éxito de taquilla original de George Lucas de 1977, “Star Wars”, Jones prestó su voz al villano intergaláctico Darth Vader, que casi instantáneamente se convirtió en uno de los antagonistas por excelencia de Hollywood y aún perdura. (El American Film Institute nombró a esta temible amenaza como el tercer villano cinematográfico más importante de todos los tiempos, solo detrás de Hannibal Lecter y Norman Bates).
“Yo soy simplemente un especialista en efectos especiales”, dijo Jones en una entrevista de 2009 sobre su papel como Vader. Añadió que Lucas quería una “voz más oscura” que la de David Prowse, el imponente actor británico bajo la máscara y la armadura corporal de Vader. “Así que contrata a un tipo nacido en Mississippi y criado en Michigan que tartamudea, y esa es la voz y ese soy yo. Tuve suerte. De todas estas supuestas desventajas, tuve suerte de conseguir un trabajo que me pagara 7.000 dólares. Pensé que era un buen dinero y pude ser una voz en una película. Fue muy divertido ser parte de eso”.
Jones repitió su papel de Mufasa en la nueva versión de 2019 de “El rey león” del director Jon Favreau, que presentaba animales fotorrealistas. Favreau recordó que cuando trabajaba con Jones, “me preguntó si tenía alguna indicación para él y no sabía qué decirle. Le dije: ‘Simplemente haz lo que haces. Tú eres él'”.
“Sería como si me preguntara cómo interpretar a Darth Vader. Tú creaste este personaje y han pasado décadas y todos hemos crecido con él”.
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Setiembre 10, 2024
La verdadera Betty Boop
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Esther Lee Jones es el nombre de la verdadera Betty Boop. El icónico personaje de dibujos animados Betty Boop se inspiró en una cantante de jazz negra de Harlem. Introducida por el dibujante Max Fleischer en 1930, la caricatura de la flapper de la era
del jazz fue el primer y más famoso símbolo sexual en animación. Betty Boop es mejor conocida por su vestido revelador, su figura curvilínea y su voz característica “Boop Oop A Doop!”. Si bien ha habido controversia a lo largo de los años, la inspiración se remonta a Esther Jones, conocida como “Baby Esther” y que actuaba regularmente en el Cotton Club durante la década de 1920.
El estilo vocal característico de Baby Esther de usar “boops” y otros sonidos scat infantiles atrajo la atención de la actriz Helen Kane durante una actuación a fines de la década de 1920. Después de ver a Baby Esther, Helen Kane adoptó su estilo y comenzó a usar “boops” también en sus canciones. Helen Kane, que alcanzó la fama desde muy joven, solía incluir este “estilo de bebé” en su música. Cuando se presentó Betty Boop, Kane demandó de inmediato a Fleischer y Paramount Publix Corporation alegando que estaban utilizando su imagen y estilo. Sin embargo, salieron a la luz pruebas en vídeo de Baby Esther actuando en un club nocturno y los tribunales fallaron en contra de Helen Kane, alegando que no tenía derechos exclusivos sobre el estilo o la imagen del “booping” y que, de hecho, el estilo era anterior a ella.
El “estilo de bebé” de Baby Esther no contribuyó a que alcanzara la fama general y murió en una relativa oscuridad, pero una parte de ella sigue viva en el icónico personaje Betty Boop.
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Setiembre 4, 2024
Cuando la protagonista nunca aparece en pantalla
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Dirigida por Alfred Hitchcock en 1940, Rebecca es la protagonista pero nunca aparece en pantalla, solo se la muestra en un retrato.
Fue la primera esposa de Maximillian de Winter (Laurence Olivier), pero cuando una joven (Joan Fontaine) se convierte en la segunda señora de Winter, y se mudan a Manderley, la mansion que de Winter compartió con Rebecca y la nueva esposa siente que el recuerdo de la mujer muerta domina el lugar,
sobre todo por culpa de la ama de llaves, la señora Davenport (uno de los personajes más espeluznantes de todos los tiempos, interpretada por Judith Anderson), que está obsesionada con Rebecca, y no acepta a la joven como la nueva señora de Winter, llegando incluso a intentar llevarla al suicidio.
Al final descubre que Rebecca no era tan perfecta como le hacían creer.
La película recibió once nominaciones en la 13ª edición de los Premios Oscar, y ganó dos: Mejor Película y Mejor Fotografía.
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Setiembre 1, 2024
El enigma de Arnold
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Lo primero es lo primero: la longevidad de Arnold es un testimonio de que la vida es un juego complejo. Sí, utilizó esteroides durante su carrera de culturismo; no hay forma de ocultarlo. Sin embargo, la historia de Arnold no se trata solo de las sustancias que utilizó, sino de su enfoque general de la salud y el fitness.
Analicemos la sinfonía del estilo de vida de Arnold. Este hombre no solo se abrió camino hacia la gloria haciendo press de banca; priorizó un enfoque holístico de la salud. Desde sus primeros días de culturismo hasta su carrera política, Arnold ha sido un defensor del ejercicio, una dieta equilibrada y un estilo de vida saludable en general. Es como si hubiera estado dirigiendo una orquesta de bienestar y los esteroides fueran solo un pequeño instrumento en la gran composición.
Hablemos del elefante en la habitación: los avances médicos. El mundo de la salud ha presenciado algunos avances increíbles a lo largo de los años. Ya no estamos en la Edad de Piedra de la medicina. Arnold, como muchos otros, probablemente se haya beneficiado de estos avances, lo que le ha permitido recibir una atención de primera clase para apoyar su bienestar general.
El viaje de Arnold no se trata solo de fuerza física; también se trata de fortaleza mental. El hombre ha enfrentado desafíos, reveses y triunfos. Su resiliencia mental podría ser la fórmula secreta que lo ha mantenido fuerte. Es como si hubiera estado ejercitando esos músculos mentales junto con los físicos.
En conclusión, la historia de Arnold Schwarzenegger es una obra maestra multifacética. Los esteroides pueden ser un capítulo de su libro, pero ciertamente no definen toda la narrativa. Se trata de un hombre que adoptó un enfoque holístico de la salud, se adaptó a los tiempos y nunca dejó de desafiarse a sí mismo. Por eso, aplaudimos a la Leyenda de Hierro por recordarnos que el camino de la vida es una combinación de muchos factores, no solo uno.
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Agosto 31, 2024
Adiós, Alain Delon
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“Alain Fabien, Anouchka, Anthony y su perro Loubo se entristecen profundamente al anunciar el fallecimiento de su padre. Ha fallecido en paz en su casa de Douchy, rodeado de sus tres hijos y de su familia. […] Su familia les ruega que respeten su intimidad en este momento de duelo extremadamente doloroso”, comunicaron los parientes de la estrella.
La leyenda del cine francés nació el 8 de noviembre de 1935 en la comuna francesa de Sceaux, situada en un suburbio del sur de París. Su debut en la gran pantalla tuvo lugar a finales de los años 50 en la película ‘Quand la femme s’en méle’ (‘Cuando las mujeres se implican’), después de que un ‘cazatalentos’ se fijara en él y en su carisma durante un casting al margen del Festival de Cannes.
Desde entonces, el actor ha aparecido en casi 90 largometrajes, muchos de ellos aclamados por la crítica, como ‘A pleno sol’, ‘Borsalino’, ‘El silencio de un hombre’ o ‘La Piscina’. En muchos de sus filmes interpretó a bandidos y criminales, como en ‘El Samurai’ (1967), una de sus muchas colaboraciones con el director Jean-Pierre Melville, donde Delon encarnaba a un asesino a sueldo. Hace tres años, en ‘El círculo rojo’, interpretó a otro bandido. En 1975 interpretó el papel principal de la película ‘El Zorro’, del director italiano Duccio Tessari, como una suerte de ‘regalo’ para su hijo de 10 años.
Delon consolidó su reputación internacional tras sus apariciones en ‘El gatopardo’ y ‘Rocco y sus hermanos’, ambas del célebre director italiano Luchino Visconti. Su talento fue reconocido en 1985, cuando obtuvo un premio César al mejor actor por la película ‘Nuestra Historia’. En el Festival de Cannes de 2019 recibió la Palma de Honor en reconocimiento a toda su carrera. “Es un homenaje un poco póstumo, pero en vida”, dijo emocionado el actor en el escenario del Palacio de Festivales y Congresos.
Tras sufrir un doble derrame cerebral en 2019, el actor se fue recuperando poco a poco. En las recientes entrevistas, Alain Delon declaró que no dudaría en recurrir a la eutanasia si fuera necesario.
“Estoy a favor [de la eutanasia]. Primero porque vivo en Suiza, donde la eutanasia es legal, y también porque creo que es lo más lógico y natural”, señaló el artista en una entrevista concedida a un canal de televisión local. “A partir de cierta edad, a partir de cierto momento, uno tiene derecho a irse tranquilamente, sin pasar por hospitales, inyecciones y lo demás…”, declaró Alain Delon, y confesó que ya había hecho su testamento para que su herencia no se convirtiera en la manzana de la discordia entre sus familiares.
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Agosto 18, 2024
MileiWood
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El vocero de la Presidencia, Manuel Adorni, confirmó este lunes que habrá nuevos recortes en el ente cinematográfico y cuestionó las políticas de apoyo a las producciones locales durante la gestión anterior.
“Quiero contarles que a partir del decreto 662/24 el gobierno nacional cambió los requisitos de acceso a los subsidios del INCAA, para dejar de financiar películas que sean fracasos comerciales”, dijo Adorni en una rueda de prensa.
Según datos surgidos de una “auditoría” realizada por la gestión libertaria, las cifras de 2023 reflejan que el Instituto subsidió más de 100 filmes que reunieron menos de 1.000 espectadores. En particular, se brindó respaldo a 12 películas que captaron a menos de 100 espectadores; hubo una que logró vender solo cuatro entradas y otra apenas cinco, aseguró el portavoz.
Con las medidas de recorte de la Casa Rosada, “las producciones deberán conseguir financiamiento propio para cubrir, por lo menos, la mitad de los fondos necesarios para su proyecto”, manifestó Adorni.
El sábado, el Ministerio de Desregulación y Transformación del Estado emitió un comunicado en el que anticipó que el Gobierno “no subsidiará más películas sin espectadores”, en el marco del fuerte ajuste que lleva a cabo en la cultura y otros ámbitos del Estado.
“A través del decreto 662/24, se dispusieron una serie de modificaciones en la distribución de subsidios para promover el cine argentino y, a la vez, cuidar y fiscalizar los gastos del Estado en esta industria”, señaló la cartera que dirige Federico Sturzenegger.
La medida fue duramente cuestionada por referentes y entidades del sector afectado. La Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica (CAIC) fue una de las primeras en reaccionar, cosa que hizo a través de un comunicado: “Lamentamos profundamente confirmar en la lectura del decreto 662/2024 la decisión del Poder Ejecutivo de provocar -ya sea por ignorancia o por decisión consciente- un daño irreparable al tejido productivo cinematográfico”.
La CAIC, que nuclea a las principales productoras del país, sostiene que “el decreto confunde conceptos, desconoce las herramientas de fomento utilizadas en todo el mundo y declara querer incentivar un semillero de talentos al mismo tiempo que desalienta las producciones internacionales”.
Por su parte, el periodista y crítico de cine Diego Battle afirmó en la red social X que el Gobierno “está mintiendo” cuando señala que una película la vieron solo 4, 10 o 20 espectadores. Según explicó, el éxito o fracaso no se mide únicamente por la afluencia de público en las salas, ya que también debe contarse la audiencia en festivales, presentaciones y plataformas.
Battle remarcó que en el caso de la película ‘Camuflajen’ (Jonathan Perel – 2022), el ejemplo que utilizó el vocero de Milei “como justificación para el desguace del INCAA”, esa cifra (20 espectadores) surge de una sola proyección en la ciudad de Córdoba.
Además —indicó el especialista—, recibió el subsidio más bajo: fueron 1.800.000 pesos (unos 2.000 dólares o algo más por las devaluaciones). No obstante, fue estrenada en el festival de cine de Berlín (Berlinale), premiada en el festival de cine de Buenos Aires (Bafici), presentada en más de 30 eventos similares, proyectada en salas y exhibida en televisión a través del canal Encuentro.
Otros usuarios de redes se preguntaron cómo hará el Gobierno de Milei para saber si una película será “un fracaso” o no antes de que se estrene.
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Agosto 6, 2024
La Voz de Inteligencia Artificial
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Actualmente, la compañía estaría en conversaciones con las actrices Judi Dench y Awkwafina y con el actor Keegan-Michael Key.
Según las fuentes, las voces podrían ser usadas para un chatbot que servirá como asistente virtual del estilo de Siri, de Apple.
El medio indica que las conversaciones no están siendo nada fáciles para Meta, que busca obtener los derechos de las voces para múltiples usos durante un período determinado en un solo proyecto, mientras que los representantes de los actores piden establecer límites más estrictos.
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Agosto 4, 2024
Ella en la cárcel
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Ella Fitzgerald fue encarcelada en 1955 por cantar ante un público integrado. Cuando el productor de jazz y promotor de conciertos estadounidense Norman Gran alquiló el Music Hall de Houston, incluyó una cláusula de no segregación. Quitó todos los carteles que designaban “blanco” o “negro” en los baños y se negó a vender entradas por adelantado para evitar la segregación.
Recuerda un incidente: “Una persona se me acercó temprano en la sala de conciertos y quería cambiar de asiento porque estaba sentado al lado de una persona negra. Le dije: ‘No, te devolveremos el dinero, pero no cambiaremos tu asiento’. El cliente aceptó el reembolso. Hicimos todo lo posible para garantizar la integración”.
A pesar de que no hubo disturbios entre la multitud integrada, la policía apareció para arrestar a los artistas entre presentaciones. Arrestaron al grupo por juegos de azar porque algunos músicos de jazz estaban jugando a los dados, mientras Fitzgerald tomaba café. El grupo fue llevado a la comisaría, donde un oficial le pidió un autógrafo a Fitzgerald. Después de pagar una multa, fueron liberados y pudieron realizar su segundo set ante un público desprevenido.
En una entrevista de 1963, Fitzgerald habló de su frustración al lidiar con el racismo en el Sur: “Tal vez me estoy pasando de la raya, pero tengo que decirlo porque lo tengo en el corazón. Es desalentador que no podamos actuar en ciertas partes del Sur como lo hacemos en el extranjero, donde todo el mundo viene a disfrutar de la música sin prejuicios. Yo solía quedarme en silencio porque la gente decía: ‘La gente del mundo del espectáculo debería mantenerse al margen de la política’, pero nos ha avergonzado mucho. No entiendo por qué no tocamos en Alabama o por qué no podemos dar un concierto. La música es música”.
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Julio 23, 2024
la Increíble historia de Illya Kuryakin
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A veces un actor tiene mucha suerte con una serie de televisión que se convertirá en un fenómeno cultural. Rara vez tiene suerte dos veces en el mismo programa. David McCallum tuvo suerte dos veces. El primero cuando lo eligieron para la serie, el segundo cuando lo despidieron de la misma serie, pero nadie se lo dijo. Debido a su incompetencia competitiva, otro pobre tipo recibió el golpe en su lugar.
David McCallum se estaba haciendo un nombre y acababa de aparecer en The Great Escape. Al mismo tiempo, el personaje de espía James Bond estaba arrasando en el mundo y la televisión intentó intervenir produciendo una serie de espías.
El programa titulado Solo estaba protagonizado por Robert Vaughn como Napoleón Solo, David como su socio Illya Kuryakin y su jefe, el Sr. Allison, interpretado por Will Kuluva. El creador de James Bond, Ian Fleming, participó en su creación y se le ocurrieron los nombres. También se le ocurrió el nombre de April Dancer, una espía que podría unirse a ellos. Este personaje aparecería en su propio spin-off más adelante.
El espectáculo fue filmado en color y retomado. Había solo un problema. A uno de los ejecutivos no le gustó el personaje de David y le dijeron al productor que lo dejara. ”Tienes que deshacerte de uno de los actores. Cómo se llama . . . No lo recuerdo. Algo con una K, creo.” fue la orden. El productor pensó en su lista de reparto y pensó en Will Kuluva. El pobre Will fue despedido y más tarde el ejecutivo preguntó quién ocupaba el lugar de David. Se sorprendió cuando le dijeron que era Leo G. Carroll, de 71 años. Pero los contratos habían sido firmados.
Al programa no se le permitió usar el título ya que el nombre Solo era propiedad de otro estudio, por lo que eligieron The Man From Uncle. Leo volvió a filmar las escenas previamente filmadas por Will. El papel de David fue muy menor, en el primer episodio solo tenía 4 líneas, pero el público lo aceptó durante las siguientes semanas, donde luego le dieron un papel más importante y el programa se volvió absolutamente enorme. En ese momento se reveló que David recibió más cartas de fans que nadie hasta ese momento en el estudio. Recordó que una vez, cuando intentaba caminar por la Quinta Avenida, la policía montada tuvo que ser rescatado de hordas de fanáticos que gritaban.
En general, su suerte se mantuvo y siguió siendo un actor popular muy tarde en la vida y siguió actuando hasta su muerte a los 90 años.
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Julio 12, 2024
El verdadero Harrison Ford
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Antes de que existiera Harrison Ford, a quien conocemos principalmente como los personajes “Indiana Jones” y “Hans Solo”, existió la estrella del cine mudo Harrison Ford. Realizó 87 (cortometrajes) a lo largo de 30 años.
Harrison Ford nació el 16 de marzo de 1884 y fue un actor estadounidense. Fue un destacado intérprete de teatro de Broadway y una estrella de la era del cine mudo.
Nacido en Kansas City, Missouri, hijo de Anna y Walter, Ford comenzó su carrera como actor en el escenario. Hizo su debut en Broadway en 1904 en Ranson’s Folly de Richard Harding Davis. Luego apareció en producciones de Strongheart de William C. deMille; Glorious Betsy, de Rida Johnson Young (la producción duró sólo 24 funciones, pero la obra fue posteriormente adaptada para una película del mismo nombre nominada al Oscar); La lucha, de Bayard Veiller (que cerró rápidamente); La centralita, de Edgar Wallace; La burbuja, de Edward Locke; y los Rolling Stones de Edgar Selwyn.
En 1915, Ford se dedicó al cine y se mudó a Hollywood. Se convirtió en protagonista junto a estrellas como Constance Talmadge, Norma Talmadge, Marie Prevost, Marion Davies, Marguerite De La Motte y Clara Bow. La carrera cinematográfica de Ford terminó con la llegada del cine sonoro. Su última película, y única película sonora, Love in High Gear, se estrenó en 1932.
Dejó Hollywood ante la llegada del sonido al cine y nunca volvió a actuar. Se volvió un recluso y evitó la publicidad personal y el propio Hollywood.
Su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood está en 6665 Hollywood Boulevard, pero a menudo se confunde con la otra estrella de Harrison Ford hasta que Ford finalmente recibió su propia estrella en 1993.
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Junio 30, 2024
Donald Sutherland
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“Con gran pesar les digo que mi padre, Donald Sutherland, ha fallecido. Personalmente, me parece uno de los actores más importantes de la historia del cine”, valoró Kiefer. “Nunca se amilanó ante un papel, fuera bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía y hacía lo que amaba, y nunca se puede pedir más que eso. Una vida bien vivida”.
El actor interpretó en 1976 al histórico seductor italiano Giacomo Casanova en una película de Federico Fellini, protagonizó decenas de filmes en las décadas siguientes y apareció en todas las entregas de la postapocalíptica saga ‘Los juegos del hambre’ (2011-2015).
Donald McNichol Sutherland fue un actor y activista pacifista canadiense cuya carrera cinematográfica abarca más de siete décadas. Ha recibido numerosos elogios, incluido un premio Primetime Emmy, dos premios Golden Globe y un premio Critics Choice. Ha sido citado como uno de los mejores actores que nunca ha recibido una nominación al Premio de la Academia. En 2017 recibió el Premio Honorífico de la Academia. Sutherland nació el 17 de julio de 1935 en Saint John, Canadá y falleció hoy, 20 de junio de 2024.
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Junio 20, 2024
Un tipo duro
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El tipo duro definitivo que era tan duro fuera de la pantalla como dentro de ella. Bronson, nacido como Charles Dennis Buchinsky, no solo estaba interpretando a un tipo rudo: ¡lo era!
Este tipo creció en un agitado pueblo minero de carbón en Pensilvania, uno de 15 hijos. ¡Quince! Imagínese el caos. Su familia era tan pobre que tuvo que usar la ropa usada de su hermana. Sí, el hombre que más tarde se convirtió en un hombre duro de Hollywood comenzó con vestidos. Habla sobre la formación del carácter.
A los 16 años, Charles Bronson se unió al negocio de la minería del carbón. Así es, estaba allí abajo, cubierto de hollín, haciendo un trabajo agotador. Luego, como eso no era lo suficientemente valiente, se alistó en la Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial, convirtiéndose en artillero de cola de un bombardero B-29. Si sabes algo sobre historia militar, sabrás que ese trabajo no fue pan comido. Volaba en un avión, disparaba a los enemigos y trataba de no volar en pedazos. Puras agallas.
Cuando finalmente llegó a Hollywood, no entró simplemente y consiguió papeles protagónicos. ¡Diablos no! Trabajó arduamente en papeles más pequeños durante años, a menudo interpretando, lo adivinaste, tipos duros. Su gran oportunidad llegó con “Los siete magníficos”, donde demostró que podía defenderse entre los actores más duros del momento. A partir de ahí, se convirtió en el vigilante icónico de “Death Wish”, un papel que consolidó su lugar como el máximo tipo rudo en pantalla.
Bronson era el tipo de persona que aportaba la dureza de la vida real a sus papeles, haciendo creíbles cada golpe y cada mueca. No solo estaba actuando; estaba canalizando sus propias experiencias de vida. Este hombre podría patearte el trasero de seis maneras hasta el domingo y lucir genial haciéndolo. No es de extrañar que se le recuerde como uno de los tipos más duros de Hollywood, tanto dentro como fuera de la pantalla.
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Junio 13, 2024
Quitándose el sombrero ante Hattie McDaniel
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A pesar de que Clark Gable le gastó una broma durante el rodaje de “Lo que el viento se llevó” (1939) (puso brandy real en la jarra en lugar de té helado durante la escena de celebración del nacimiento de Bonnie Blue), Hattie McDaniel y Gable en realidad eran Buenos amigos. Más tarde, Gable amenazó con boicotear el estreno de la película en Atlanta porque McDaniel no fue invitada, pero luego cedió cuando ella lo convenció de ir.
Continuó afirmando que no sólo trabajaba para ella misma, sino que pensaba que también trabajaba para las futuras generaciones de afroamericanos.
Siempre esperó que la gente se acercara y entendiera lo que tuvo que pasar en Hollywood y estaba extremadamente herida por la forma en que la trataron, por los papeles que no pudo conseguir y por cómo la NAACP seguía imponiendo la imagen de Lena Horne en ella.
Hattie McDaniel Holbert (10 de junio de 1893 – 26 de octubre de 1952) fue una actriz, cantautora y comediante estadounidense. Por su papel de Mammy en Lo que el viento se llevó (1939), ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto, convirtiéndose en la primera afroamericana en ganar un Oscar. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, fue incluida en el Salón de la Fama de los Cineastas Negros en 1975 y en 2006 se convirtió en la primera ganadora negra del Oscar honrada con un sello postal estadounidense. En 2010, fue incluida en el Salón de la Fama de las Mujeres de Colorado.
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Junio 13, 2024
El septimo sello
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El séptimo sello” no es la típica película de palomitas de maíz de los viernes por la noche. Este clásico de Ingmar Bergman es una inmersión profunda y melancólica en el significado de la vida, la muerte y qué diablos significa todo ello. La película está ambientada durante la Peste Negra, por lo que ya es un tema oscuro y sombrío. El personaje principal, un caballero llamado Antonius Block, literalmente juega al ajedrez con la Muerte, una metáfora pesada.
¿El objetivo de la película? Se trata de afrontar las grandes cuestiones existenciales. Antonius está lidiando con la fe, la duda y la búsqueda de significado en un mundo que parece bastante sin sentido. Ha regresado de las Cruzadas, desilusionado y cuestionándolo todo, algo con lo que mucha gente puede identificarse, especialmente en tiempos de crisis.
¿Por qué tiene tan alta calificación? Primero, es visualmente impresionante. El uso que hace Bergman de una cinematografía en blanco y negro crea estas imágenes inquietantes e inolvidables. ¿Esa escena de la Muerte y el caballero jugando al ajedrez en la playa? Icónico. En segundo lugar, los temas son universales y atemporales. Profundiza en la condición humana, explorando el miedo, la fe y el deseo de respuestas que quizás nunca lleguen. Es como una sesión de terapia existencial filmada.
Las actuaciones también son asesinas. Max von Sydow como Antonius es intenso y convincente, y Bengt Ekerot como Death (La Muerte) es escalofriantemente tranquilo. El diálogo es agudo, filosófico y permanece con el espectador mucho después de que aparecen los créditos.
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Mayo 26, 2024
Una historia de Paul Newman
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Una mujer de Michigan y su familia estaban de vacaciones en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra donde Paul Newman y su familia visitaban con frecuencia.
Un domingo por la mañana, la mujer se levantó temprano para dar un largo paseo. Después de una enérgica caminata de cinco millas, decidió darse un capricho con un cono de helado de chocolate doble.
Se subió al coche, condujo hasta el centro del pueblo y fue directamente a la combinación de panadería y heladería. Sólo había otro cliente en la tienda: Paul Newman, sentado en el mostrador tomando un donut y un café.
El corazón de la mujer dio un vuelco cuando sus ojos hicieron contacto con esos famosos ojos azul celeste. El actor asintió graciosamente y la mujer estrellada sonrió recatadamente. ¡Cálmate! Ella se reprende a sí misma. Eres una mujer felizmente casada, con tres hijos, tienes cuarenta y cinco años, ¡no eres una adolescente!
La empleada llenó su pedido y ella tomó el cono de helado de chocolate doble en una mano y su cambio en la otra. Luego salió por la puerta, evitando siquiera mirar en dirección a Paul Newman.
Cuando llegó a su auto, se dio cuenta de que tenía un puñado de monedas pero que tenía la otra mano vacía. ¿Dónde está mi cono de helado? ¿Lo dejé en la tienda? Regresó a la tienda, esperando ver el cono todavía en la mano del empleado o en un soporte sobre el mostrador o algo así. No se veía ningún cucurucho de helado.
Dicho esto, miró a Paul Newman. Su rostro se transformó en su sonrisa familiar, cálida y amistosa y le dijo a la mujer:
“Lo habías puesto en tu bolso.”
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Mayo 15, 2024
Daniel Day-Lewis
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Cuando hablas de Daniel Day-Lewis, no estás hablando sólo de un actor; Estás hablando de una maldita fuerza de la naturaleza. Este tipo se sumerge tan profundamente en sus papeles que casi da miedo. En serio, él no sólo actúa; él se transforma. Cada actuación es como una clase magistral de actuación.
Empezando por su método de actuación, no es sólo una tontería de Hollywood: él lo vive. Para “Lincoln”, el tipo enviaba mensajes de texto con la voz de Abraham Lincoln. Vaya, ¿verdad? Y para “My Left Foot”, permaneció en una silla de ruedas durante todo el rodaje, exigiendo a los miembros del equipo que le dieran de comer con cuchara. Eso es dedicación… o locura, según se mire.
¿Su filmografía? Estelar. “Habrá sangre”? Nos dio un hombre del petróleo tan intenso, tan terriblemente ambicioso que casi se podía oler el petróleo crudo y la traición. Y ni siquiera me hagas hablar de “Gangs of New York”. Como Bill el Carnicero, era escalofriante, una presencia imponente que podía hacerte orinar en los pantalones con solo una mirada.
El hombre ganó tres premios de la Academia al Mejor Actor y, sinceramente, bien podrían haberle puesto el premio en su honor a estas alturas. Aporta tal seriedad e intensidad a cada papel que es como ver diferentes versiones de la realidad en torno a sus actuaciones.
En pocas palabras, si Daniel Day-Lewis está en una película, sabes que te espera una gran potencia de actuación. A nadie le gusta DDL. El hombre es una leyenda, un enigma y absolutamente uno de los mejores que jamás haya existido en el negocio.
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Mayo 12, 2024