11 de diciembre de 1946, una tarde fría y lluviosa. Un delincuente de poca monta llamado John Thomas Daniels busca una presa fácil junto a la carretera. Su plan es conseguir que lo lleven y luego robar al conductor. Si elige a su víctima con cuidado, no debería haber problema. Exmilitar, mide 1,88 m y pesa 86 kg. Lo suficientemente grande como para intimidar a casi cualquiera.
Murphy, un oficial de policía y Daniels
Parece que tiene suerte, ya que un amable y solitario conductor no tarda en ofrecerle llevarlo. Debería ser fácil. El conductor mide 1,68 m, pesa unos 60 kg y solo tiene 21 años. Un niño. Grave error. El conductor es Audie Murphy, intrépido héroe de guerra y condecorado con numerosas medallas.
Audie relató más tarde a un periódico lo sucedido: “De repente, este tipo me clavó algo en las costillas, me dio una bofetada en la boca y dijo: ‘Ahora soy el jefe'”. Si no hablas tú, este .45 sí. Puedo usar este coche. Admití que él era prácticamente el jefe en ese momento y condujimos unos seis kilómetros más. Me dijo que parara en una gasolinera y me detuviera. Lo hice, tomó las llaves y me indicó que me deslizara por el asiento y saliera a su lado del coche.
Fue entonces cuando el soldado que llevaba adentro Audie, intervino y agarró al ladrón. Ambos salieron corriendo a la carretera y se produjo una pelea que duró 10 minutos. No había ningún arma y terminó con Daniels inconsciente en el suelo. Audie corrió a llamar a la policía y arrestaron a Daniels.
Audie Murphy fue uno de los soldados estadounidenses más condecorados de la Segunda Guerra Mundial, y su historia de vida parece sacada de un guion de Hollywood, porque, bueno, se convirtió en uno.
Nacido en 1925 en Kingston, Texas, Murphy creció en la pobreza, abandonó la escuela en quinto grado y ayudó a mantener a su familia cazando. Tras el ataque a Pearl Harbor, estaba decidido a alistarse, pero inicialmente fue rechazado por varias ramas militares por tener bajo peso y ser menor de edad. Con la ayuda de su hermana, falsificó su edad y finalmente se unió al Ejército de los Estados Unidos en 1942.
La heroicidad de Murphy en el campo de batalla fue legendaria. Recibió todas las condecoraciones militares estadounidenses al valor, incluyendo la Medalla de Honor, que obtuvo con tan solo 19 años por contener en solitario a una compañía alemana durante una hora en Francia, estando herido, y luego liderar un contraataque. También recibió condecoraciones de Francia y Bélgica, incluyendo la Cruz de Guerra.
Tras la guerra, Murphy se trasladó a Hollywood, donde protagonizó más de 40 películas. Su papel más famoso fue el de sí mismo en “To Hell and Back” (1955), basada en sus propias memorias. A pesar de su fama, luchó en privado contra lo que hoy conocemos como TEPT, entonces llamado “fatiga de batalla”. Se convirtió en defensor de la salud mental de los veteranos mucho antes de que se debatiera ampliamente.
Murphy falleció en un accidente aéreo en 1971 a los 45 años y fue enterrado con todos los honores militares en el Cementerio Nacional de Arlington.
California ha superado oficialmente a Japón para convertirse en la cuarta economía más grande del mundo, solo superada por Estados Unidos, China y Alemania. Con un PIB nominal de 4,1 billones de dólares, la expansión económica de California pone de relieve su dominio en tecnología, entretenimiento, agricultura y manufactura. Este hito refleja la capacidad del estado para superar a sus competidores globales, a pesar de desafíos como los altos impuestos, las trabas regulatorias y las políticas comerciales federales.
La economía de California ha crecido a una tasa promedio del 7,5 % en los últimos cuatro años, superando las tasas de crecimiento de EE. UU. (5,3 %), China (2,6 %) y Alemania (2,9 %).
Varios factores han contribuido a esta rápida expansión: Tecnología e innovación: sede de Silicon Valley, California lidera la inteligencia artificial, la biotecnología y el desarrollo de software, atrayendo el 40 % de la financiación de capital riesgo de EE. UU. Industria del entretenimiento: Hollywood sigue siendo el centro mundial del cine y la televisión, generando miles de millones de dólares en ingresos anuales.
Clasificación de las mayores economías del mundo, según las proyecciones de PIB nominal para 2025:
Estados Unidos: 30,51 billones de dólares
China: 19,23 billones de dólares
Alemania: 4,74 billones de dólares
California (EE. UU.): 4,19 billones de dólares
India: 4,19 billones de dólares
Japón: 4,18 billones de dólares
Reino Unido: 3,84 billones de dólares
Francia: 3,21 billones de dólares
Texas (EE. UU.): 2,89 billones de dólares
Italia: 2,42 billones de dólares
Nueva York (EE. UU.): 2,35 billones de dólares
Canadá: 2,23 billones de dólares
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Agricultura y Manufactura: California produce el 75% de las frutas y frutos secos de Estados Unidos y es el estado manufacturero más grande, con más de 1.1 millones de empleados. Turismo y Comercio: Los dos principales puertos marítimos internacionales del estado y un gasto turístico récord (156,7 mil millones de dólares en 2024) impulsan aún más su economía.
A pesar de su éxito, California enfrenta amenazas económicas derivadas de las políticas federales. El gobernador Gavin Newsom ha criticado las políticas arancelarias de Trump, argumentando que desestabilizan los mercados y aumentan los costos para empresas y consumidores. California ha presentado una demanda impugnando el uso de poderes de emergencia por parte de la administración para imponer aranceles, citando posibles pérdidas anuales de 100 mil millones de dólares.
Además, los altos impuestos y las cargas regulatorias han llevado a algunas empresas a reubicarse en estados con costos más bajos. Sin embargo, California continúa atrayendo nuevas empresas de la lista Fortune 500, lo que refuerza su resiliencia económica.
Si bien la economía de California está prosperando, las proyecciones indican que India podría superarla para 2026. Para mantener su posición, el estado debe equilibrar la innovación con la sostenibilidad económica, garantizando que las empresas sigan siendo competitivas a pesar de los desafíos federales. El ascenso de California a la cuarta economía más grande subraya su influencia global y fortaleza económica. Su liderazgo en tecnología, entretenimiento y comercio la posiciona como un motor clave del crecimiento económico estadounidense y mundial. Sin embargo, los continuos conflictos políticos y la competencia internacional definirán su trayectoria futura.
Los Tres Chiflados son uno de los grupos de comedia más emblemáticos de la historia estadounidense, conocidos por su humor físico, sus rutinas de comedia bufonada y su estilo anárquico. Su trayectoria comenzó a principios de la década de 1920, evolucionando de un espectáculo de vodevil a una legendaria franquicia de cine y televisión que entretuvo al público durante décadas.
Los orígenes de Los Tres Chiflados se remontan a Ted Healy, un comediante que formó un espectáculo de vodevil llamado “Ted Healy and His Stooges” en 1922. La formación original incluía a Moe Howard, quien posteriormente incorporó a su hermano Shemp Howard y a su amigo Larry Fine. Los Chiflados hacían de contrapunto cómico, interrumpiendo las actuaciones de Healy con sus payasadas.
En 1930, el grupo debutó en el cine con “Soup to Nuts”, pero las tensiones con Healy llevaron a Shemp a abandonar el grupo. Fue reemplazado por Curly Howard, hermano menor de Moe, en 1932. Este trío —Moe, Larry y Curly— se convirtió en la versión más famosa de Los Tres Chiflados.
En 1934, Moe, Larry y Curly se separaron de Healy y firmaron un contrato con Columbia Pictures, convirtiéndose oficialmente en Los Tres Chiflados. Durante los siguientes 12 años, produjeron más de 90 cortometrajes, estableciendo su estilo característico de violencia slapstick, reacciones exageradas y situaciones absurdas.
El humor enérgico e infantil de Curly lo convirtió en un favorito del público, pero su salud se deterioró, lo que provocó su salida en 1946. Shemp regresó al grupo, manteniendo el éxito hasta su muerte en 1955.
Tras el fallecimiento de Shemp, Los Tres Chiflados tuvieron dificultades para encontrar un tercer miembro permanente. Joe Besser se unió brevemente en 1956, seguido por “Curly Joe” DeRita en 1958. El auge de la sindicación televisiva en la década de 1960 presentó a los Tres Chiflados a una nueva generación, convirtiéndolos en íconos de la cultura pop.
A pesar de su precaria salud, Moe y Larry continuaron actuando hasta 1970, cuando Larry sufrió un derrame cerebral. Moe falleció en 1975, marcando el final de la era original de los Tres Chiflados.
Los Tres Chiflados siguen siendo uno de los espectáculos cómicos más influyentes de la historia, inspirando a generaciones de comediantes y cineastas. Su humor atemporal sigue entreteniendo al público de todo el mundo, demostrando que la comedia física nunca pasa de moda.
La vida de Dolores Hart es una notable historia de transformación, desde una actriz emergente de Hollywood hasta una devota monja benedictina. Su trayectoria está llena de fe, sacrificio y un profundo compromiso con una vocación que la alejó del glamour de la gran pantalla y la adentró en la serena devoción de la vida monástica.
Nacida como Dolores Hicks el 20 de octubre de 1938 en Chicago, Illinois, Hart se sintió atraída por la actuación desde muy joven. Su padre, Bert Hicks, era actor, y su abuelo trabajaba como proyeccionista de cine, lo que la expuso a la magia del cine. Continuó su pasión por la actuación, asistiendo al Marymount College, y pronto se encontró en Hollywood, donde adoptó el nombre artístico de Dolores Hart.
El salto a la fama de Hart llegó en 1957, cuando protagonizó junto a Elvis Presley “Loving You”. Rápidamente se convirtió en una actriz muy solicitada, apareciendo en películas como King Creole (1958), Where the Boys Are (1960) y Francis of Assisi (1961), donde interpretó a Santa Clara de Asís. Su talento y belleza la hicieron comparada con Grace Kelly, y estaba en camino de convertirse en un ícono de Hollywood.
A pesar de su éxito, Hart sintió una creciente vocación espiritual. En 1963, en la cima de su carrera, conmocionó a Hollywood al dejar la industria para unirse a la Abadía de Regina Laudis, un monasterio benedictino en Bethlehem, Connecticut. Su decisión fue profundamente personal, impulsada por un propósito que trascendía la fama y la fortuna.
La transición de Hart no fue fácil. Había estado comprometida con Don Robinson, quien siguió siendo un amigo cercano, pero nunca se casó después de que ella dejara Hollywood. Abrazó la vida monástica, dedicándose a la oración, el trabajo y el servicio. Con los años, se convirtió en la Madre Dolores Hart, desempeñando un papel vital en la comunidad de la abadía y sus esfuerzos de ayuda social.
Aunque dejó Hollywood, Hart siguió vinculada a las artes. Se convirtió en la única monja con derecho a voto de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, donde reseñaba películas y mantenía su pasión por la narrativa. Su vida se narró en el documental “Dios es el Elvis más grande”, nominado al Óscar en 2012.
La trayectoria de Dolores Hart es un testimonio del poder de la fe y la convicción personal. Cambió la fama por una vida de devoción, demostrando que la verdadera plenitud no reside en la fama, sino en seguir el corazón.
Donald J. Trump declaró en una reciente conferencia de prensa que James Bond no se verá afectado por su propuesta de imponer aranceles a las películas producidas en el extranjero. La franquicia 007 tiene su sede en Inglaterra y suele filmar en los famosos estudios Pinewood del país, así como en ciudades de todo el mundo. Trump causó confusión en Hollywood este mes al afirmar que había autorizado al Representante Comercial de EE. UU. y al Departamento de Comercio a iniciar los trámites para imponer un arancel del 100 % a las películas producidas en el extranjero.
“Como saben, estamos imponiendo aranceles a… las películas, a los cineastas”, declaró Trump cuando The London Times le preguntó sobre el plan arancelario en una conferencia de prensa. “Y vamos a imponer aranceles para deshacernos de ellos, porque muchos de ellos se han ido de este país. Todos viven aquí, el dinero viene de aquí, todo viene de aquí, pero las producen en otros países. Así que vamos a hacer algo para que regresen, quizás en gran medida”.
“Pero James Bond no tiene nada de qué preocuparse, eso les puedo asegurar”, añadió Trump. Y saben, Sean Connery era amigo mío. Fue el responsable de que obtuviera la zonificación en Aberdeen. Dijo: ‘Que ese maldito tipo construya sus campos de golf’. Llevo como cuatro años en el proceso, y era imposible en Aberdeen… Era un gran tipo, Sean Connery.
En medio de la confusión por el anuncio inicial de Trump, la Casa Blanca emitió un comunicado indicando que aún no se han tomado decisiones definitivas sobre la imposición de aranceles a las películas. Un portavoz añadió: “La Administración está explorando todas las opciones para cumplir con la directiva del presidente Trump de salvaguardar la seguridad nacional y económica de nuestro país, a la vez que se busca que Hollywood vuelva a ser grande”.
Jon Voight y su socio productor, Steven Paul, revelaron tras el anuncio de Trump que le habían presentado un plan integral para rescatar la industria del entretenimiento. El plan incluye incentivos federales para la producción y la posproducción, tratados de coproducción con países extranjeros y subsidios de infraestructura para los propietarios de cines.
Las figuras de Hollywood no tardaron en criticar a Trump por siquiera considerar imponer un arancel a las películas. La presentadora de “The View”, Whoopi Goldberg, le dijo a Trump que no se metiera con Hollywood, y añadió: “Mira, ¿podrías bajar el precio de los huevos antes de empezar esto?”.
“¿A quién le vas a imponer este arancel?”, preguntó Goldberg. “¿A la producción? ¿Al estudio? ¿De qué estás hablando?… Es parte de lo que hacemos. Por favor, deja de hacerlo. Lo fundamental son los incentivos fiscales. Si quieres cambiar, tienes que hacerlo en los estados y permitir que la gente filme aquí. No nos impidas ir a filmar en el extranjero, porque entonces nos estás limitando”.
A principios de la pasada semana se dio a conocer una inquietante noticia: el presidente Trump anunció un plan para aplicar un arancel del 100 % a todas las películas rodadas fuera de EE. UU.
Conclusiones clave ➔ El problema es real (y más grave de lo que se cree): la producción cinematográfica en Los Ángeles ha disminuido casi un 40 % en los últimos 10 años. En una encuesta reciente, ninguna ciudad estadounidense figuraba entre los 5 destinos de rodaje preferidos por los ejecutivos de los estudios.
➔ ️ Nada ocurrirá mañana: incluso si este arancel avanza, requeriría una revisión de 270 días y enfrentaría importantes obstáculos legales. Siendo realistas, nada ocurriría hasta 2026 como muy pronto.
➔ La mayoría de los profesionales del cine prefieren incentivos a aranceles: la mayoría de los profesionales de la industria preferirían un mayor apoyo a las producciones estadounidenses que sanciones por filmar en el extranjero.
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¿Qué anunció Trump exactamente? En Truth Social, Trump instó al Departamento de Comercio a imponer un arancel del 100 % a todas las películas producidas fuera de EE. UU., argumentando que se trata de un problema de seguridad nacional debido a la gran cantidad de producción cinematográfica que abandona el país. Escribió:
“La industria cinematográfica estadounidense está muriendo rápidamente… Este es un esfuerzo conjunto de otras naciones y, por lo tanto, una amenaza para la seguridad nacional”.
Pero aquí está el truco: no hay ninguna política oficial ni orden ejecutiva que lo respalde (al menos no todavía). La Casa Blanca declaró posteriormente: “No se han tomado decisiones definitivas”.
¿Está realmente muriendo la industria cinematográfica estadounidense? Morir puede ser una palabra extrema, pero seamos sinceros, las cifras no son alentadoras:
La producción de cine y televisión en Los Ángeles ha caído casi un 40 % en la última década. La producción televisiva en Los Ángeles se desplomó un 58,4 % entre 2021 y 2024. Estados Unidos ha perdido el equivalente a un estudio completo en empleos (más de 18 000) en tan solo tres años. ¿Y qué ocurre cuando los ejecutivos de los estudios enumeran sus 5 mejores lugares para filmar en 2025-2026? Ni uno solo está en Estados Unidos. ¿Los lugares más populares ahora? Toronto, el Reino Unido, Vancouver, Europa Central y Australia. California quedó en el puesto número 6. Sí… nada bien. ¿Por qué Estados Unidos está perdiendo producciones? En una palabra: incentivos.
Países de todo el mundo ofrecen generosas exenciones fiscales, que a menudo suponen un ahorro inicial para las producciones de entre el 25 % y el 35 %. California limita su programa de incentivos, pero lugares como el Reino Unido, Canadá y Australia ofrecen reembolsos sin límite o incluso mayores que hacen que filmar en el extranjero sea realmente atractivo.
Y no se trata solo de las ventajas fiscales. El dólar estadounidense rinde más en el extranjero, y las tarifas del equipo en muchos países son más bajas que en las principales ciudades estadounidenses. En resumen, las producciones pueden ahorrar decenas de millones al trasladar sus rodajes a otros lugares.
¿Se están implementando realmente los aranceles? Todavía no, y tal vez nunca de la forma en que se ha descrito. La Casa Blanca afirma que aún están “explorando opciones”, y que cualquier arancel real requeriría una larga revisión del Departamento de Comercio que podría llevar meses.
Si se implementa algo, probablemente se basaría en una ley de seguridad nacional (Sección 232), pero usarla de esta manera sería algo sin precedentes.
¿Cómo funcionarían estos aranceles? Esa es la gran pregunta, y nadie sabe realmente cómo funcionaría. Las películas no son importaciones físicas que cruzan la frontera en camiones; son digitales y están clasificadas como propiedad intelectual, por lo que no hay una forma clara de rastrearlas ni gravarlas.
Scott Karol, un experto de la industria que asistió a la reunión con Jon Voight que dio origen a esta idea, sugiere un enfoque más moderado: gravar únicamente las producciones que no tengan que pasar por Estados Unidos, y solo con tasas que se ajusten a los incentivos extranjeros (por ejemplo, un arancel del 30 % para compensar un crédito extranjero del 30 %).
¿Cómo afectaría esto a los cineastas? Si el arancel entrara en vigor, los estudios se enfrentarían a decisiones difíciles:
Pagar el arancel: Absorber los costos. Trasladar la producción de vuelta a Estados Unidos: Logísticamente difícil, pero posible Cancelar o retrasar proyectos: Especialmente si las cuentas ya no cuadran Los cineastas independientes y extranjeros podrían enfrentarse a obstáculos aún mayores, ya que algunas películas de cine independiente extranjeras podrían resultar demasiado caras para distribuirse en Estados Unidos.
¿Son los aranceles la solución equivocada? La mayoría de los expertos de la industria coinciden en que los incentivos, no los aranceles, serían un enfoque más eficaz. Algunas propuestas comunes incluyen:
Ampliación de incentivos estatales: California está considerando aumentar su crédito fiscal para películas de $330 millones a $750 millones anuales. Programa federal de incentivos fiscales: Un incentivo nacional para películas que ofrece entre un 25% y un 30% de reembolso sobre gastos calificados. Créditos fiscales transferibles: Siguiendo el modelo de Georgia, que les ha ayudado a convertirse en una potencia de producción. Inversión en infraestructura: Construir estudios e instalaciones de sonido más modernos. ️ ¿Qué debo hacer con mis proyectos? Para los cineastas que planean proyectos en los próximos 6 meses, nuestro consejo es simple: mantengan la calma y sigan adelante. Lo más probable es que un arancel entre en vigor en 2026, y la política final (si la hay) probablemente sea muy diferente a la propuesta inicialmente.
A largo plazo, comiencen a investigar y planificar las posibles implicaciones y consideren estrategias para limitar la producción en el extranjero.
Fuente: ¿Qué sucederá después? A pesar del caos que ha causado el anuncio, casi todos coinciden en una cosa: Estados Unidos está perdiendo terreno en la producción cinematográfica. Ya sea que la solución llegue mediante aranceles o incentivos, se están produciendo cambios en el panorama de la producción mundial.
Después de todo, nació en Cincinnati, Ohio, durante la década de 1920, y aún hoy esa ciudad no es conocida por ser un manantial de tolerancia racial. Es muy probable que Doris Kappelhoff (su nombre real) creciera con pensamientos y creencias que la mayoría de la gente hoy consideraría retrógrados, e incluso racistas, ya que formaron parte de su crianza. También es probable que nunca los perdiera con la edad.
Lo único que dificulta afirmar categóricamente que era racista es el rumor de que tuvo una aventura o una serie de encuentros sexuales prolongados con el gran jugador de béisbol de los Dodgers, Maury Wills. Wills, quien es afroamericano, mencionó la aventura en su autobiografía, y aunque Day negó que ocurriera, no niega haber conocido a Wills; y otras personas que conocen a ambos lo han confirmado. Dado que la vida romántica de Day aparentemente incluyó un período en el que mantuvo relaciones con seis hombres diferentes, además de un alto grado de secretismo, es difícil refutar por completo la afirmación de Wills.
Day no era abiertamente racista. No existen declaraciones suyas sobre la inferioridad racial de nadie, no hay rumores de que Day sintiera antipatía por las minorías, y aunque votó por el Partido Republicano, Day nunca expresó públicamente opiniones políticas racistas. En esencia, probablemente era más tolerante que muchas personas de su época; sin embargo, no poseía opiniones raciales que reflejaran las de las personas progresistas de hoy.
Los cuerpos del actor ganador del Oscar, de 95 años, y de su esposa, Betsy Arakawa, de 65, con quien llevaba 30 años casado, fueron encontrados junto con su perro el 27 de febrero de este año. Llevaban un tiempo muertos cuando fueron descubiertos por un trabajador de mantenimiento.
Hackman, quien protagonizó películas como “Contacto en Francia”, “Sin perdón” y “Los Tenenbaums”, se casó con la pianista clásica Arakawa en 1991.
Las primeras investigaciones descartaron la muerte por intoxicación por monóxido de carbono. Un informe de necropsia confirmó posteriormente que Arakawa había fallecido a causa del síndrome pulmonar por hantavirus, una rara enfermedad transmitida por roedores. Hackman falleció a causa de una enfermedad cardíaca complicada con Alzheimer, y es posible que no supiera del fallecimiento de su esposa.
Una evaluación de riesgo ambiental posterior, realizada por el Departamento de Salud Pública de Nuevo México, encontró indicios de roedores en varios edificios de la propiedad de la pareja.
La enfermedad por hantavirus se propaga a través de la orina, las heces y la saliva de roedores infectados, y en EE. UU. se transmite con mayor frecuencia por el ratón ciervo, de apariencia inofensiva. Esta enfermedad, grave y potencialmente mortal, afecta los pulmones y presenta síntomas similares a los de la gripe antes de progresar.
Se encontraron heces de roedores en tres garajes, dos casitas (casas de huéspedes) y tres cobertizos de la propiedad de la pareja. Dos roedores (uno muerto) y un nido de roedores se encontraron en tres garajes independientes. Dos vehículos en la propiedad también mostraron indicios de presencia de roedores, con nidos, excrementos y avistamientos de los animales.
Según el informe, la infestación parecía estar en curso, ya que se habían instalado trampas vivas en las dependencias.
Sin embargo, la residencia principal se consideró de bajo riesgo, sin indicios de actividad de roedores dentro de la casa de la pareja. La investigación se realizó para determinar el riesgo para los socorristas y los familiares que visitaron la propiedad después de las muertes.
También fue necesaria para determinar el riesgo de propagación. Tres personas más han muerto a causa del virus en un pequeño pueblo de California, sin relación con la muerte de Arakawa.
La enfermedad pulmonar por hantavirus es mortal en casi cuatro de cada diez personas infectadas. Se identificaron poco menos de 730 casos en EE. UU. entre 1993 y 2017. Casi todos los casos se registraron al oeste del río Misisipi.
Los autocines fueron un fenómeno importante entre los años 50 y 70; sin embargo, comenzaron a decaer en los 80, y hoy en día quedan pocos en Estados Unidos.
Las razones de su desaparición son, en realidad, más complejas que la simple búsqueda de una mejor experiencia de entretenimiento por parte del público.
Uno de los factores clave fue la inmersión en una experiencia cinematográfica cerrada, con sonido envolvente y pantallas cada vez más grandes, que se popularizó durante los 80. Sin embargo, el cine también estaba cambiando. Star Wars y En busca del arca perdida se destacaron por ofrecer una experiencia cinematográfica excepcional, y otras películas les siguieron. Para disfrutar de la experiencia completa, era mejor verla en una sala grande y cerrada, y no desde el interior de un coche a través del parabrisas.
Otro factor a considerar era la responsabilidad. En un aparcamiento oscuro y desnivelado, salpicado de postes de acero y lleno de coches conducidos por adolescentes, los accidentes leves eran habituales.
Luego venían los infractores, que intentaban introducir a escondidas a la mayor cantidad posible de gente en el recinto, a menudo ocultándola en el maletero. Esto no solo era peligroso, sino que incluso provocaba muertes por asfixia, algunas por intoxicación por monóxido de carbono.
Además, estaba el factor climatológico. Si llovía, nevaba o había niebla, la experiencia cinematográfica era horrible y, en algunos casos, se cancelaba. Esto convertía los ingresos estables del cine, durante el invierno, en un grave problema.
La calidad del audio en los primeros tiempos de los autocines era ridícula. Un pequeño altavoz metálico, conectado a un cable, colgaba de la ventanilla parcialmente bajada. Se usaba una sola perilla para ajustar el volumen y la calidad del audio mono que salía de un único altavoz de 4 pulgadas era pésima. Si olvidabas quitar el altavoz después de la película, el altavoz, aún conectado, te rompía la ventanilla.
La calidad del audio mejoró considerablemente más tarde, cuando se instalaron los transmisores FM, y se podía simplemente sintonizar la emisora del cine y escucharla a través del sistema de audio del coche.
Sin embargo, la principal razón del cierre de los autocines no tenía nada que ver con eso. Tenía que ver con el sector inmobiliario.
Los autocines ocupaban una gran cantidad de terreno y a menudo se ubicaban en las afueras de la ciudad, donde la luz y la actividad no molestaban a nadie. El terreno era relativamente barato en las décadas de 1950 y 1960, así que no era un problema. Sin embargo, durante la década de 1970, la rápida expansión de los suburbios hacia zonas periféricas y el rápido aumento del valor de los terrenos cambiaron esta situación. Ahora, el terreno ocupado por los autocines se consideraba una inversión, y cobrar 3 dólares por coche por noche simplemente no podía generar ingresos que compitieran con la venta de un terreno de viviendas o los pagos de alquiler de un centro comercial.
Como resultado, uno a uno, los autocines fueron comprados y desarrollados para otros usos, como la construcción de casas, condominios, apartamentos o centros comerciales. El terreno simplemente valía demasiado como para justificar el gasto, la responsabilidad y los bajos ingresos.
Si bien la popularidad de los autocines ha resurgido, especialmente en medio de esta pandemia, estos problemas básicos persisten.
El actor británico Marty Feldman no tuvo mucho éxito como joven estrella. De hecho, era un caso aislado. Luego, un accidente náutico, una afección tiroidea y un accidente de coche en su juventud le dañaron gravemente el rostro. Y sus ojos se fueron agrandando y separando, hasta que su apariencia se volvió bastante grotesca…
Si se ven fotos de Feldman de joven, en realidad era bastante guapo. Pero a medida que envejecía, su apariencia se volvió cada vez más extraña.
Y fue por esta razón, sobre todas las demás, que se hizo famoso. Sin embargo, se negó a la cirugía para parecer “normal”:
“Si aspirara a ser Robert Redford, me enderezaría los ojos y me arreglaría la nariz y acabaría como cualquier otro actor malo, con dos líneas en Kojak. Pero así, soy una novedad”.
Este hombre no era el epítome de la belleza masculina. No era una estrella de cine ruda ni un atractivo clásico, al menos no durante la mayor parte de su carrera. Y, de hecho, se benefició de ello. Y, además, recibía muchísima atención femenina, según todos sus amigos del mundo del espectáculo, ya que era un tipo encantador y seguro de sí mismo en su vida personal.
Sí, la apariencia importa. Pero, idealmente, deberías ser muy guapo, o tan gracioso que puedas ganar dinero con ello. Hay un punto ideal: o eres agradable a la vista o eres raro pero intrigante. Solo tienes que encontrar tu nicho y aprovecharlo.
La recién estrenada miniserie ‘Adolescencia’ ha expuesto la preocupación que hay sobre los ‘incels’, un colectivo que ya existía pero que ha adquirido visibilidad últimamente por el peligro que representan sus ideas, especialmente en un tiempo en el que Internet tiene amplia influencia en los adolescentes.
Los ‘incels’ (acrónimo de ‘involuntary celibate’, célibe involuntario, en inglés), son personas, principalmente hombres, que se sienten frustrados por su incapacidad para establecer relaciones románticas o sexuales, llevando a menudo a una visión negativa de las mujeres.
El origen del término se remonta a décadas atrás, en 1997, cuando una estudiante canadiense creó un sitio web para documentar sus dificultades para encontrar pareja llamado ‘Alana’s Involuntary Celibacy Project’ (El proyecto de celibato involuntario de Alana). A partir de ahí la abreviación pasó a formar parte del lenguaje que utilizaba con sus seguidores cuando compartían experiencias sobre la imposibilidad de tener una relación sentimental. Sin embargo, con el paso de los años, el término empezó a adquirir significados diferentes.
Rápidamente, esta web se convirtió en un espacio digital para personas con experiencias similares. Este grupo ha sido objeto de controversia debido a su ideología y actos violentos que fomentan la misoginia, un fuerte odio y resentimiento hacia las mujeres, culpándolas de su situación de soledad.
La serie, que está entre las más vistas de la plataforma Netflix en diversos países, aborda este fenómeno a través de personajes que representan diversas realidades sociales y emocionales. Trata el caso de Jamie, un adolescente de 13 años, acusado de haber asesinado a una compañera tras haber estado expuesto a material misógino ‘online’ y haber sido objeto de ciberacoso.
Retrata así, cómo la masculinidad tóxica puede desarrollarse en silencio, bajo un sistema digital que la refuerza y difunde. El reciente interés social por los ‘incels’ muestra una reacción a problemas contemporáneos que afectan tanto a las relaciones de género como a la salud mental y a la democracia digital.
El debate se centra en cómo la serie retrata y humaniza a estos individuos, explorando sus luchas y frustraciones. Por un lado, algunos críticos argumentan que ofrece una representación superficial que podría normalizar actitudes tóxicas.
Por otro lado, ha generado la necesidad de abordar y tomar conciencia sobre el impacto cultural, social y político de las subculturas digitales, y de la influencia en menores y jóvenes en las redes sociales. En este sentido hay quienes defienden que la serie ofrece una perspectiva necesaria sobre la soledad y la búsqueda de conexión.
Sam Elliott es un actor estadounidense conocido por su voz profunda, su personalidad robusta y su imponente presencia en cine y televisión. Nacido el 9 de agosto de 1944 en Sacramento, California, Elliott ha forjado una carrera de más de cinco décadas, ganando reconocimiento por sus papeles en westerns, dramas y películas de acción.
Elliott creció en Oregón, donde desarrolló una pasión por la actuación. Tras estudiar en el Clark College, se dedicó a Hollywood, consiguiendo papeles menores en películas como Dos hombres y un destino (1969). Sus primeros trabajos en westerns televisivos le ayudaron a consolidar su reputación como figura del vaquero, lo que le llevó a papeles más destacados.
Elliott alcanzó un amplio reconocimiento con su actuación en Salvavidas (1976), seguida de papeles destacados en Mask (1985) y Road House (1989). Su interpretación de Virgil Earp en Tombstone (1993) y del general de brigada John Buford en Gettysburg (1993) consolidó su estatus como leyenda del western. En 2018, Elliott protagonizó Ha nacido una estrella junto a Bradley Cooper y Lady Gaga, obteniendo una nominación al Óscar a Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para aportar profundidad y autenticidad a sus personajes lo ha convertido en una figura muy querida en Hollywood.
Elliott sigue cautivando al público, y recientemente protagonizó 1883, la precuela de Yellowstone. Su distintiva voz y su imponente presencia siguen siendo sus señas de identidad, convirtiéndolo en uno de los actores más respetados de la industria.
Justo cuando amanece en California, Sam Elliott se despierta, normalmente alrededor de las 5:30 a. m. Sale con su café en la mano y respira el aire fresco de la mañana. A sus 80 años, sus días son más tranquilos que antes, pero su rutina se mantiene constante. Recorre su propiedad, escuchando los sonidos de la naturaleza, antes de regresar a ver cómo está su esposa, la actriz Katharine Ross. Su matrimonio, que dura casi 40 años, se ha mantenido firme a pesar de los cambios de la vida.
El desayuno es sencillo: avena o huevos, según el día. Elliott cree en la moderación, una lección aprendida durante décadas en Hollywood. Su voz profunda e icónica aún tiene peso, aunque ahora habla con más suavidad, eligiendo cuidadosamente sus palabras. Pasa las mañanas leyendo, a veces guiones, pero a menudo libros de historia o novelas del Oeste. Valora las historias de resiliencia, de personas fuertes que se enfrentan a un mundo difícil.
Elliott ya no busca papeles activamente. Los selecciona con cuidado, atraído por guiones con determinación y autenticidad. Siente que gran parte de Hollywood ha perdido su esencia, pero comprende la industria. Cuando aparece un papel adecuado, lo acepta, como interpretar al rudo vaquero Shea Brennan en “1883”. Le recordó su pasión inicial por la actuación. Ahora es más selectivo, disfrutando de la libertad que le brinda su éxito de larga data.
Sale a caminar a media mañana, a menudo con su esposa, y sus conversaciones fluctúan entre el pasado y el presente. A veces, reflexiona sobre su juventud en Sacramento, donde su sueño de actuar parecía lejano. Recuerda los días difíciles, trabajando en la construcción mientras hacía audiciones. Siempre supo que encajaba en el western, que su voz y presencia encajaban a la perfección con el género.
Almuerza ligero, un sándwich o una ensalada. Se mantiene activo, convencido de que el movimiento es crucial para la longevidad. Sus entrenamientos se centran en mantener la fuerza, no en desarrollar músculo, para disfrutar de la vida. Estira, hace ejercicios con el propio peso corporal y se toma tiempo personal.
A menudo pasa las tardes en su rancho, haciendo pequeñas tareas o simplemente disfrutando del entorno. Valora la paz, la distancia del bullicio de Hollywood. Su hogar es su santuario, donde puede ser simplemente un hombre que vive su vida, no “Sam Elliott, el actor”.
Sus noches son relajadas. Disfruta de la música: country clásico, blues, cualquier cosa con una historia genuina. Toma una copa, a veces bourbon, a veces vino, y contempla la puesta de sol. Si él y Katharine tienen ganas, ven una película, pero rara vez la suya. Nunca ha sido de los que ven sus actuaciones repetidamente.
Su filosofía de vida ha madurado con la edad. Cree en la paciencia y en apreciar el presente. Una vez dijo: “Las mejores cosas de la vida suceden cuando no las buscas”, y todavía lo cree. Reconoce su suerte, pero sabe que la suerte no significa nada sin trabajo duro.
Al caer la noche, se relaja y se acuesta temprano. Su vida ya no se trata de perseguir el próximo gran éxito; Se trata de estar presente, disfrutar de la sencillez de una vida bien vivida.
George Richard Chamberlain, a menudo conocido como el “Rey de las Miniseries”, fue un célebre actor estadounidense cuya carrera se extendió durante décadas y dejó una huella imborrable en la televisión y el cine. Nacido el 31 de marzo de 1934 en Beverly Hills, California, Chamberlain saltó a la fama a principios de la década de 1960 como protagonista del drama médico Dr. Kildare, donde interpretó al serio y encantador Dr. James Kildare. Su papel en la serie lo convirtió en un nombre familiar y un galán, ganándose la admiración de todos y estableciéndose un lugar en Hollywood.
La carrera de Chamberlain se caracterizó por su versatilidad y su disposición a asumir papeles desafiantes. Tras el éxito de Dr. Kildare, dio el salto a la escena teatral, actuando en producciones como Hamlet y Desayuno con diamantes. Su trabajo teatral demostró su gran talento actoral y le valió elogios de la crítica. Chamberlain también incursionó en el cine, apareciendo en obras destacadas como Los Tres Mosqueteros y Las Minas del Rey Salomón. Sin embargo, su verdadero fuerte siguió siendo la televisión, donde se convirtió en sinónimo de miniseries épicas.
Con Sharon Stone en Las Minas del Rey Salomon
Chamberlain en Shogun
Con Rachel Ward en Rl Pájaro Espino
En la década de 1980, Chamberlain protagonizó dos de las miniseries más icónicas de la época: Shogun y El Pájaro Espino. Su interpretación del Padre Ralph de Bricassart en El Pájaro Espino fue particularmente memorable, capturando las complejidades del amor prohibido y la ambición. Estas actuaciones consolidaron su reputación como maestro del melodrama y le valieron elogios tanto del público como de la crítica.
Más allá de sus logros profesionales, la vida personal de Chamberlain estuvo marcada por la valentía y la resiliencia. En 2003, se declaró públicamente gay en su autobiografía, Amor Destrozado, rompiendo barreras y desafiando estereotipos en una industria que a menudo exigía conformidad. Su franqueza sobre sus dificultades e identidad inspiró a muchos y destacó la importancia de la autenticidad.
El legado de Chamberlain es de talento, perseverancia e impacto. Falleció el 29 de marzo de 2025, a la edad de 90 años, dejando tras de sí una rica obra que sigue impactando a fans de todo el mundo. Desde sus inicios como estrella de la televisión hasta sus últimos años como respetado actor y defensor, la vida y la carrera de Richard Chamberlain ejemplifican el poder del arte y la valentía de ser uno mismo. Sus contribuciones al entretenimiento y la cultura siguen siendo un testimonio de su perdurable influencia.
El artista de 90 años murió cerca de la medianoche del sábado a las afueras de Honolulu, Hawái.
El actor estadounidense Richard Chamberlain ha fallecido a la edad de 90 años a causa de las complicaciones de un derrame cerebral. El artista murió cerca de la medianoche del sábado en su casa, a las afueras de Honolulu, Hawái.
Entre 1961 y 1965, el actor alcanzó la fama al protagonizar la exitosa serie ‘Dr. Kildare’. A partir de los años 70 fue la estrella de producciones televisivas como ‘Hamlet’ y ‘El pájaro espino’. La miniserie ‘Shogun’ de 1980 también le reportó mucho éxito.
La imagen de ídolo estadounidense de matiné de Chamberlain frenó su carrera actoral en ocasiones, hasta que demostró su valía en el escenario con una aclamada producción de “Hamlet” y otras interpretaciones shakespearianas. Sin embargo, no fue suficiente para impulsarlo a una importante carrera cinematográfica. Protagonizó varias películas notables, como “Petulia”, “Los tres mosqueteros”, “Los amantes de la música” y “La última ola” de Peter Weir. Pero su fuerte siguió siendo la pantalla chica, donde interpretó a personajes de todos los tamaños, desde el inglés Eduardo VIII y el novelista F. Scott Fitzgerald hasta el héroe de la Segunda Guerra Mundial Raoul Wallenberg.
Varias actrices famosas tienen historias fascinantes, incluyendo experiencias como bailarinas exóticas antes de alcanzar la fama en Hollywood. Estas experiencias a menudo reflejan su resiliencia y determinación para triunfar en la industria del entretenimiento. Aquí hay algunos ejemplos notables:
Lady GagaWuLeakes
Lady Gaga, conocida por su personalidad audaz y talento musical, trabajó como camarera de día y bailarina exótica de noche antes de su salto al estrellato. Ha compartido abiertamente cómo esta etapa de su vida la ayudó a forjar su confianza y presencia escénica. Las actuaciones de Gaga a menudo incorporaban elementos de su pasado, mostrando su capacidad para cautivar al público.
Constance Wu, célebre por sus papeles en Crazy Rich Asians y Hustlers, también tiene una conexión con el mundo de la danza exótica. Si bien no era bailarina, se sumergió en la cultura para prepararse para su papel en Hustlers. Su dedicación a la autenticidad resalta la importancia de comprender y respetar las experiencias de los demás.
NeNe Leakes, estrella de The Real Housewives of Atlanta, trabajó como bailarina exótica bajo el nombre de “Silk” antes de su carrera televisiva. En sus memorias, describió cómo el baile la empoderó y le brindó independencia financiera durante una época difícil de su vida. La trayectoria de Leakes, del escenario a los realities, ejemplifica su determinación y carisma.
Estas historias ilustran cómo las diversas experiencias pueden contribuir al camino de una artista. El baile exótico, a menudo incomprendido, requiere habilidad, confianza y resiliencia, cualidades que sin duda han influido en las carreras de estas actrices. Sus caminos hacia la fama nos recuerdan que el éxito a menudo proviene de aceptar la propia historia y usarla como base para el crecimiento personal.
Arnold Schwarzenegger no se contuvo cuando atacó a Donald Trump durante una aparición televisiva en vivo. El icónico actor y exgobernador de California, conocido por su personalidad dura y su actitud sensata, se desató por completo contra el expresidente, y su respuesta encendida dio que hablar.
Arnold Schwarzenegger y Donald Trump han tenido una relación conflictiva, marcada por desacuerdos y críticas públicas. Schwarzenegger, exgobernador republicano de California, ha expresado abiertamente su desaprobación de Trump, en particular con respecto a las acciones y políticas de Trump.
Resultados electorales: Schwarzenegger ha criticado a Trump por su continuo rechazo a los resultados de las elecciones de 2020 y los eventos del 6 de enero de 2021.
Respaldos políticos: En las elecciones presidenciales de 2024, Schwarzenegger respaldó a Kamala Harris y Tim Walz, afirmando que cree que Trump no es apto para la reelección.
Declaraciones públicas: Schwarzenegger ha hecho varias declaraciones públicas contra Trump, enfatizando la necesidad de un cambio de liderazgo y criticando la retórica divisiva de Trump.
Predicciones: En entrevistas, Schwarzenegger ha compartido sus predicciones sobre el futuro político de Trump, expresando a menudo escepticismo sobre la capacidad de Trump para unir al país.
Partido Republicano: La postura de Schwarzenegger refleja una tendencia más amplia de algunos republicanos que se distancian de Trump y respaldan a candidatos de otros partidos.
Percepción pública: La disputa en curso entre Schwarzenegger y Trump resalta las profundas divisiones dentro del Partido Republicano y las diferentes perspectivas sobre el liderazgo de Trump.
El actor y exgobernador de California sostuvo que Trump “es el peor presidente de la historia”
El legendario actor, dos veces ganador del Oscar y autor Gene Hackman y su esposa, la pianista clásica Betsy Arakawa, fueron encontrados muertos ayer miércoles por la tarde en su casa en la comunidad de Santa Fe Summit, al noreste de la ciudad.
Hackman y su esposa
Gene Hackman, nacido como Eugene Allen Hackman el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, fue un actor versátil y célebre cuya carrera se extendió por más de cuatro décadas. Conocido por su encanto rudo y su habilidad para interpretar personajes complejos, Hackman ganó dos premios Oscar: Mejor actor por su papel de Jimmy “Popeye” Doyle en “Contacto en Francia” (1971) y Mejor actor de reparto por su papel de Little Bill Daggett en “Sin perdón” (1992)1.
Los primeros años de vida de Hackman estuvieron marcados por frecuentes mudanzas y una temporada en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Estudió interpretación en el Pasadena Playhouse, donde inicialmente se lo consideró “el menos probable de triunfar” junto con su colega actor Dustin Hoffman2. Sin embargo, el talento de Hackman pronto se hizo evidente, lo que le llevó a obtener papeles memorables en películas como “Bonnie y Clyde” (1967), “La conversación” (1974) y “Superman” (1978).
Hackman se había retirado de la actuación en 2004 y decidió centrarse en escribir novelas y disfrutar de una vida más tranquila en Santa Fe, Nuevo México, con su esposa, Betsy Arakawa. Su legado se define por su capacidad para aportar autenticidad y profundidad a sus personajes, lo que lo convierte en uno de los actores más respetados y duraderos de Hollywood.
El sheriff del condado de Santa Fe, Adan Mendoza, confirmó poco después de la medianoche del jueves que la pareja había muerto, junto con su perro.
Mendoza dijo en una entrevista el miércoles por la noche que no había indicios inmediatos de que se hubiera cometido un delito. No proporcionó una causa de muerte ni dijo cuándo podría haber muerto la pareja.
Los años 60 fueron una década vibrante para la televisión, en la que se produjeron algunos de los programas de acción y aventuras más emblemáticos que cautivaron a la audiencia y dejaron un legado duradero.Estos programas combinaban narrativas emocionantes, personajes carismáticos y una narración innovadora, estableciendo el estándar para las generaciones futuras de programación de acción y aventuras.
“El agente de CIPOL” (1964-1968) es una de las series de acción y aventuras más celebradas de los años 60. Creada por Sam Rolfe y desarrollada por Norman Felton, la serie seguía las hazañas de dos agentes secretos, Napoleon Solo (Robert Vaughn) e Illya Kuryakin (David McCallum), que trabajaban para el Comando de la Red Unida para la Aplicación de la Ley (C.I.N.C.L.E.).
Su misión era frustrar los siniestros planes de THRUSH, una organización criminal internacional.La combinación de espionaje, artilugios y bromas ingeniosas del programa, junto con su elegante representación de la era de la Guerra Fría, lo convirtieron en un fenómeno cultural.
“El agente de U.N.C.L.E.”inspiró una variedad de productos, productos derivados e incluso una adaptación cinematográfica en 2015.
“Misión: Imposible” (1966-1973) es otra serie destacada de acción y aventuras de la década de 1960. Creada por Bruce Geller, el programa narraba las misiones de la Fuerza de Misiones Imposibles (IMF), un equipo de agentes secretos encargados de llevar a cabo operaciones encubiertas.
Liderados por el enigmático Jim Phelps (Peter Graves), el equipo utilizó planes intrincados, disfraces y artilugios de alta tecnología para completar sus misiones.
Conocida por su icónica música temática, su narrativa innovadora y sus giros de trama llenos de suspenso, “Misión: Imposible” dejó una marca indeleble en el género.
La influencia del programa perdura a través de una exitosa franquicia cinematográfica protagonizada por Tom Cruise.
“Batman” (1966-1968) trajo a un héroe de cómic a la pantalla chica con una combinación única de acción, aventura y humor exagerado.
Protagonizada por Adam West como Batman y Burt Ward como Robin, la serie presentaba al dinámico dúo luchando contra una variedad de coloridos villanos en Ciudad Gótica, como El Pinguino, El Guason o El Joker.
El estilo visual distintivo del programa, la pegadiza canción principal y las frases memorables lo convirtieron en una sensación de la cultura pop.
“Batman” no solo entretuvo a los espectadores, sino que también presentó a una nueva generación al mundo de los superhéroes, allanando el camino para futuras adaptaciones.
“Los Vengadores” (1961-1969) fue una serie de espionaje británica que ganó reconocimiento internacional.
Protagonizada por Patrick Macnee como el afable John Steed y Diana Rigg como la elegante y hábil Emma Peel, la serie siguió al dúo mientras investigaban y frustraban varios complots nefastos.
Conocida por su ingenio sofisticado, sus tramas ingeniosas y sus personajes carismáticos, “Los Vengadores” se convirtió en un sello distintivo de la televisión británica e influyó en innumerables programas de espías que le siguieron.
La década de 1960 fue una época dorada para la televisión de acción y aventuras, con programas icónicos como “El agente de CIPOL”, “Misión: Imposible”, “Batman” y “Los Vengadores”.Estas series cautivaron a la audiencia con sus emocionantes historias, personajes memorables y una narrativa innovadora, dejando un legado duradero en el mundo de la televisión.Establecieron el estándar para el género y continúan inspirando y entreteniendo a nuevas generaciones de espectadores.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” fue prohibido recientemente en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos (DoDEA, por sus siglas en inglés) debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión (DEI, por sus siglas en inglés).
El libro infantil semiautobiográfico, publicado en 2007, cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma tal como es. Moore expresó su conmoción y decepción por la prohibición, especialmente porque ella misma es una orgullosa graduada de una escuela del Departamento de Defensa.En respuesta a la prohibición, su editor ha decidido reimprimir el libro para satisfacer la creciente demanda.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” se ha vuelto realmente controvertido.El libro fue prohibido en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión.La historia semiautobiográfica sobre una niña que aprende a aceptar sus pecas fue marcada por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.
La controversia ha provocado un debate sobre el equilibrio entre promover la inclusión y mantener los estándares educativos.
Julianne Moore
La trama de “Freckleface Strawberry” en sí no es inherentemente controvertida.Es un libro infantil que cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma como es.El mensaje del libro trata sobre la autoaceptación y la comprensión de que cada persona es única, lo que generalmente se considera positivo y alentador. Sin embargo, la controversia surge del contexto en el que se prohibió el libro.
La ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión llevó a que el libro fuera marcado por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.Esta decisión ha provocado un debate sobre qué constituye material apropiado para niños y el papel de los programas DEI en la educación. La controversia tiene más que ver con las implicaciones políticas y sociales de la prohibición que con el contenido del libro en sí.Es un debate sobre cómo equilibrar la inclusión y los estándares educativos, y sobre si ciertos temas deberían restringirse en los entornos educativos.
Muchos escritores y autores han expresado su preocupación por la tendencia creciente de las prohibiciones de libros y su impacto en la libertad de expresión. Autores y editores han criticado la prohibición como un ejemplo de censura que sofoca la creatividad y limita el acceso a perspectivas diversas.La Asociación de Bibliotecas de Estados Unidos y PEN America han condenado la prohibición, destacando la importancia de permitir que los niños exploren diferentes puntos de vista y aprendan sobre la aceptación y el amor propio.
Además, varios autores destacados se han sumado a la conversación, expresando su solidaridad con Moore y enfatizando la necesidad de proteger la literatura infantil de las agendas políticas.La controversia también ha dado lugar a debates sobre las implicaciones más amplias de las prohibiciones de libros y el papel de la educación en el fomento del pensamiento crítico y la empatía. Está claro que la comunidad literaria está unida en su oposición a la prohibición y aboga por la preservación de la libertad de expresión y el acceso a una literatura diversa.
Si Ramon hubiera evitado tratar con extraños para curar su soledad, habría vivido hasta una edad avanzada y no habría sido asesinado en circunstancias sórdidas.
El 30 de octubre de 1968, Ramon recibió una llamada telefónica de estos dos completos desconocidos, los hermanos Tom y Paul Ferguson, de 17 y 22 años, que se ofrecieron a Roman para una noche de sexo (permítanme decir aquí mismo que Ramon Navarro era gay y se valía de los servicios de prostitutos masculinos). Los hermanos Ferguson obtuvieron el número de teléfono de Ramon de uno de los hombres que le ofrecía sus favores a Ramon de manera regular. Ramon dijo que sí, que viniera y que haríamos una fiesta.
Lo único, sin embargo, era que tener sexo con una leyenda del cine mudo no estaba en sus mentes. Era un robo. Ramón tenía un montón de dinero por la suma de $5000 ($46,548 en dinero de 2025) escondido en su casa y querían apoderarse de él. Sin el permiso de Navarro…
En lugar de una noche de éxtasis y placer en un trío, estos dos neandertales sometieron a este pobre hombre solitario de 69 años y le propinaron torturas y palizas brutales para que Ramón revelara este escondite secreto de efectivo que era solo una fantasía. Todo lo que Ramón tenía eran 20 dólares que estos cretinos le arrebataron y dejaron a Navarro morir de una muerte lenta y agonizante ahogándose en su propia sangre. Los hermanos Ferguson fueron capturados y condenados y recibieron largas sentencias de prisión. Fueron liberados durante los años 70, pero ambos hermanos fueron capturados y condenados más tarde por otros delitos y recibieron sentencias más largas que las que recibieron por asesinar a Navarro. Tom se suicidaría más tarde en 2005 y Paul sería asesinado por un recluso mientras cumplía una condena por violación en una prisión de Missouri en 2018.
Lo que demuestra que tener sexo con extraños es muy arriesgado y podría matarte. Especialmente si recibes una llamada en tu teléfono de alguien a quien nunca has conocido que quiere tener sexo contigo.
Nacido el 1 de enero de 1969 en Sturgis, Michigan, Troyer fue un actor más conocido por su papel de Mini-Me en la serie “Austin Powers”. A pesar de enfrentar los desafíos de haber nacido con acondroplasia, una forma de enanismo, Verne Troyer hizo contribuciones significativas a la industria del entretenimiento y utilizó su plataforma para promover la educación y la concienciación.
El viaje de Troyer en la industria del entretenimiento comenzó a mediados de la década de 1990, y rápidamente ganó reconocimiento por su talento y carisma únicos. Su papel de Mini-Me en “Austin Powers: La espía que me achuchó” (1999) y su secuela, “Austin Powers en Miembro de Oro” (2002), lo catapultó a la fama internacional. A pesar de las limitaciones físicas impuestas por su condición, Troyer demostró una notable versatilidad y dedicación a su oficio, ganándose la admiración del público y de sus colegas por igual.
Más allá de su carrera como actor, Verne Troyer fue un defensor de la educación y la promoción de las disciplinas STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas). Comprendió la importancia de la educación para empoderar a las personas y fomentar la innovación. Troyer participó a menudo en eventos e iniciativas destinadas a alentar a los jóvenes, especialmente a aquellos con discapacidades, a perseguir sus pasiones y sobresalir en sus campos elegidos.
La defensa de Troyer se extendió a la concienciación sobre el enanismo y los desafíos que enfrentan las personas pequeñas. Al compartir sus experiencias y éxitos, buscó inspirar a otros a superar obstáculos y perseguir sus sueños. Su mensaje fue de resiliencia, determinación y la importancia de la educación para alcanzar las metas de uno.
En conclusión, el legado de Verne Troyer se extiende más allá de sus memorables papeles en cine y televisión. Fue un defensor apasionado de la educación y la promoción de las disciplinas STEM, utilizando su plataforma para inspirar y empoderar a otros. Las contribuciones de Troyer a la industria del entretenimiento y sus esfuerzos por crear conciencia sobre el enanismo y la importancia de la educación siguen resonando, lo que lo convierte en una figura notable que trascendió las limitaciones de su condición. Su vida sirve como testimonio del poder de la perseverancia y el impacto transformador de la educación.
Troyer falleció el 21 de abril de 2018, a la edad de 49 años. Su muerte se atribuyó a complicaciones derivadas de una intoxicación alcohólica. Troyer había luchado contra la depresión y el abuso de sustancias a lo largo de su vida. A pesar de sus desafíos, dejó un legado duradero a través de su trabajo en el cine, sus esfuerzos en el ámbito de la educación y su defensa de las personas con enanismo.
“Las calles de San Francisco” es un drama policial estadounidense por excelencia que se emitió entre 1972 y 1977. El programa, producido por Quinn Martin Productions, presenta un dúo formidable: el veterano detective teniente Mike Stone, interpretado por Karl Malden, y su compañero más joven, el inspector Steve Keller, interpretado por Michael Douglas. La serie, que tiene como telón de fondo las pintorescas y sórdidas calles de San Francisco, combina una narrativa cautivadora con el encanto único de su entorno.
La premisa del programa gira en torno a Stone y Keller mientras abordan diversos delitos, que van desde homicidios hasta robos, en la bulliciosa ciudad de San Francisco. Cada episodio es una historia independiente, que presenta un nuevo caso para que los detectives resuelvan. La química entre Malden y Douglas es una piedra angular del éxito del programa. La interpretación de Malden del experimentado y sabio Stone complementa perfectamente la representación de Douglas del entusiasta e idealista Keller. Su dinámica captura la relación mentor-aprendiz, añadiendo profundidad a sus personajes y a las narrativas.
MaldenDouglas
Una de las características distintivas de “The Streets of San Francisco” es su compromiso con la autenticidad. El programa se filmó en el lugar, utilizando los monumentos icónicos de la ciudad, las colinas empinadas y los diversos vecindarios. Esto no solo proporcionó un telón de fondo visualmente impresionante, sino que también infundió a la serie una sensación de realismo. Los tranvías, el puente Golden Gate y el bullicioso Fisherman’s Wharf se convirtieron en partes integrales de la narración, convirtiendo a la ciudad casi en un personaje por derecho propio.
La serie fue elogiada por su representación realista del trabajo policial y su capacidad para abordar problemas sociales complejos. Los episodios a menudo ahondaban en temas como la adicción a las drogas, el racismo y la salud mental, reflejando los desafíos sociales de la época. Este enfoque diferenció a “The Streets of San Francisco” de otros dramas policiales, ya que ofrecía más que solo suspenso y acción: proporcionaba un espejo de los problemas del mundo real que enfrenta la sociedad.
La participación de Michael Douglas en el programa fue particularmente notable. Su papel en “The Streets of San Francisco” ayudó a lanzar su carrera, mostrando su destreza actoral y ganándose elogios de la crítica. El éxito del programa también reforzó la reputación de Karl Malden como actor versátil y convincente.
En conclusión, “The Streets of San Francisco” sigue siendo un clásico querido en el género de los dramas policiales. Su combinación de un fuerte desarrollo de personajes, un entorno auténtico y un compromiso con los problemas sociales ha dejado un impacto duradero en la historia de la televisión. La serie no solo entretuvo a los espectadores, sino que también ofreció una exploración reflexiva de las complejidades de la vida urbana y la aplicación de la ley.
La icónica mansión de la popular película ‘Mi pobre angelito’ (‘Solo en casa’, en España), ubicada en Winnetka (Illinois, EE.UU.), ha sido vendida oficialmente por 5,5 millones de dólares.
Tim y Trisha Johnson compraron la vivienda por 1,58 millones de dólares en 2012 y, seis años después, la renovaron y ampliaron conservando el exterior de ladrillo que la hizo famosa en el clásico filme protagonizado por el actor Macaulay Culkin.
Cabe señalar que solo el exterior del inmueble apareció en la película, ya que el interior era demasiado estrecho para un equipo de rodaje completo. Así que para la grabación se construyó un enorme plató de dos plantas en el interior de una escuela abandonada que se encontraba cerca.
La casa, que ha encontrado nuevo dueño después de menos de un año en el mercado, es muy espaciosa: cuenta con cinco dormitorios, seis baños, una sala de cine de alta gama e incluso una pista polideportiva cubierta de primer nivel.
Paul Newman se alistó en la Marina apenas cuatro días antes de cumplir 18 años con la esperanza de convertirse en piloto, pero debido a su daltonismo lo nombraron artillero.
Newman estuvo destinado en un portaaviones como artillero de torreta de un Avenger y, si no hubiera sido por un extraño giro del destino, tal vez no hubiera sobrevivido a la Segunda Guerra Mundial.
Durante la batalla de Okinawa, la tripulación de Newman fue asignada al portaaviones USS Bunker Hill.
Una infección de oído impidió al piloto de Newman volar, por lo que permanecieron en Hawái mientras su escuadrón se unía al portaaviones.
El 11 de mayo de 1945, el Bunker Hill fue atacado por dos kamikazes japoneses, matando a más de la mitad de la tripulación, incluidos todos los miembros del escuadrón de Newman.
Newman dijo una vez que nunca superó la angustia de perder a tantos amigos, o la culpa del sobreviviente de haber sido salvado hasta que conoció a Joanne Woodward.
Actor duro, hombre duro
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11 de diciembre de 1946, una tarde fría y lluviosa. Un delincuente de poca monta llamado John Thomas Daniels busca una presa fácil junto a la carretera. Su plan es conseguir que lo lleven y luego robar al conductor. Si elige a su víctima con cuidado, no debería haber problema. Exmilitar, mide 1,88 m y pesa 86 kg. Lo suficientemente grande como para intimidar a casi cualquiera.
Parece que tiene suerte, ya que un amable y solitario conductor no tarda en ofrecerle llevarlo. Debería ser fácil. El conductor mide 1,68 m, pesa unos 60 kg y solo tiene 21 años. Un niño. Grave error. El conductor es Audie Murphy, intrépido héroe de guerra y condecorado con numerosas medallas.
Audie relató más tarde a un periódico lo sucedido: “De repente, este tipo me clavó algo en las costillas, me dio una bofetada en la boca y dijo: ‘Ahora soy el jefe'”. Si no hablas tú, este .45 sí. Puedo usar este coche. Admití que él era prácticamente el jefe en ese momento y condujimos unos seis kilómetros más. Me dijo que parara en una gasolinera y me detuviera. Lo hice, tomó las llaves y me indicó que me deslizara por el asiento y saliera a su lado del coche.
Fue entonces cuando el soldado que llevaba adentro Audie, intervino y agarró al ladrón. Ambos salieron corriendo a la carretera y se produjo una pelea que duró 10 minutos. No había ningún arma y terminó con Daniels inconsciente en el suelo. Audie corrió a llamar a la policía y arrestaron a Daniels.
PrisioneroEnArgentina.com
Junio 20, 2025
El ascenso a la cuarta economía más grande del mundo
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California ha superado oficialmente a Japón para convertirse en la cuarta economía más grande del mundo, solo superada por Estados Unidos, China y Alemania. Con un PIB nominal de 4,1 billones de dólares, la expansión económica de California pone de relieve su dominio en tecnología, entretenimiento, agricultura y manufactura. Este hito refleja la capacidad del estado para superar a sus competidores globales, a pesar de desafíos como los altos impuestos, las trabas regulatorias y las políticas comerciales federales.
La economía de California ha crecido a una tasa promedio del 7,5 % en los últimos cuatro años, superando las tasas de crecimiento de EE. UU. (5,3 %), China (2,6 %) y Alemania (2,9 %).
Varios factores han contribuido a esta rápida expansión: Tecnología e innovación: sede de Silicon Valley, California lidera la inteligencia artificial, la biotecnología y el desarrollo de software, atrayendo el 40 % de la financiación de capital riesgo de EE. UU. Industria del entretenimiento: Hollywood sigue siendo el centro mundial del cine y la televisión, generando miles de millones de dólares en ingresos anuales.
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Agricultura y Manufactura: California produce el 75% de las frutas y frutos secos de Estados Unidos y es el estado manufacturero más grande, con más de 1.1 millones de empleados. Turismo y Comercio: Los dos principales puertos marítimos internacionales del estado y un gasto turístico récord (156,7 mil millones de dólares en 2024) impulsan aún más su economía.
A pesar de su éxito, California enfrenta amenazas económicas derivadas de las políticas federales. El gobernador Gavin Newsom ha criticado las políticas arancelarias de Trump, argumentando que desestabilizan los mercados y aumentan los costos para empresas y consumidores. California ha presentado una demanda impugnando el uso de poderes de emergencia por parte de la administración para imponer aranceles, citando posibles pérdidas anuales de 100 mil millones de dólares.
Además, los altos impuestos y las cargas regulatorias han llevado a algunas empresas a reubicarse en estados con costos más bajos. Sin embargo, California continúa atrayendo nuevas empresas de la lista Fortune 500, lo que refuerza su resiliencia económica.
Si bien la economía de California está prosperando, las proyecciones indican que India podría superarla para 2026. Para mantener su posición, el estado debe equilibrar la innovación con la sostenibilidad económica, garantizando que las empresas sigan siendo competitivas a pesar de los desafíos federales. El ascenso de California a la cuarta economía más grande subraya su influencia global y fortaleza económica. Su liderazgo en tecnología, entretenimiento y comercio la posiciona como un motor clave del crecimiento económico estadounidense y mundial. Sin embargo, los continuos conflictos políticos y la competencia internacional definirán su trayectoria futura.
PrisioneroEnArgentina.com
Junio 15, 2025
El Origen de Los Tres Chiflados
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Los Tres Chiflados son uno de los grupos de comedia más emblemáticos de la historia estadounidense, conocidos por su humor físico, sus rutinas de comedia bufonada y su estilo anárquico. Su trayectoria comenzó a principios de la década de 1920, evolucionando de un espectáculo de vodevil a una legendaria franquicia de cine y televisión que entretuvo al público durante décadas.
Los orígenes de Los Tres Chiflados se remontan a Ted Healy, un comediante que formó un espectáculo de vodevil llamado “Ted Healy and His Stooges” en 1922. La formación original incluía a Moe Howard, quien posteriormente incorporó a su hermano Shemp Howard y a su amigo Larry Fine. Los Chiflados hacían de contrapunto cómico, interrumpiendo las actuaciones de Healy con sus payasadas.
En 1930, el grupo debutó en el cine con “Soup to Nuts”, pero las tensiones con Healy llevaron a Shemp a
abandonar el grupo. Fue reemplazado por Curly Howard, hermano menor de Moe, en 1932. Este trío —Moe, Larry y Curly— se convirtió en la versión más famosa de Los Tres Chiflados.
En 1934, Moe, Larry y Curly se separaron de Healy y firmaron un contrato con Columbia Pictures, convirtiéndose oficialmente en Los Tres Chiflados. Durante los siguientes 12 años, produjeron más de 90 cortometrajes, estableciendo su estilo característico de violencia slapstick, reacciones exageradas y situaciones absurdas.
El humor enérgico e infantil de Curly lo convirtió en un favorito del público, pero su salud se deterioró, lo que provocó su salida en 1946. Shemp regresó al grupo, manteniendo el éxito hasta su muerte en 1955.
Tras el fallecimiento de Shemp, Los Tres Chiflados tuvieron dificultades para encontrar un tercer miembro permanente. Joe Besser se unió brevemente en 1956, seguido por “Curly Joe” DeRita en 1958. El auge de la sindicación televisiva en la década de 1960 presentó a los Tres Chiflados a una nueva generación, convirtiéndolos en íconos de la cultura pop.
A pesar de su precaria salud, Moe y Larry continuaron actuando hasta 1970, cuando Larry sufrió un derrame cerebral. Moe falleció en 1975, marcando el final de la era original de los Tres Chiflados.
Los Tres Chiflados siguen siendo uno de los espectáculos cómicos más influyentes de la historia, inspirando a generaciones de comediantes y cineastas. Su humor atemporal sigue entreteniendo al público de todo el mundo, demostrando que la comedia física nunca pasa de moda.
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Mayo 28, 2025
De estrella de Hollywood a monja benedictina
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La vida de Dolores Hart es una notable historia de transformación, desde una actriz emergente de Hollywood hasta una devota monja benedictina. Su trayectoria está llena de fe, sacrificio y un profundo compromiso con una vocación que la alejó del glamour de la gran pantalla y la adentró en la serena devoción de la vida monástica.
Nacida como Dolores Hicks el 20 de octubre de 1938 en Chicago, Illinois, Hart se sintió atraída por la actuación desde muy joven. Su padre, Bert Hicks, era actor, y su abuelo trabajaba como proyeccionista de cine, lo que la expuso a la magia del cine. Continuó su pasión por la actuación, asistiendo al Marymount College, y pronto se encontró en Hollywood, donde adoptó el nombre artístico de Dolores Hart.
El salto a la fama de Hart llegó en 1957, cuando protagonizó junto a Elvis Presley “Loving You”. Rápidamente se convirtió en una actriz muy solicitada, apareciendo en películas como King Creole (1958), Where the Boys
Are (1960) y Francis of Assisi (1961), donde interpretó a Santa Clara de Asís. Su talento y belleza la hicieron comparada con Grace Kelly, y estaba en camino de convertirse en un ícono de Hollywood.
A pesar de su éxito, Hart sintió una creciente vocación espiritual. En 1963, en la cima de su carrera, conmocionó a Hollywood al dejar la industria para unirse a la Abadía de Regina Laudis, un monasterio benedictino en Bethlehem, Connecticut. Su decisión fue profundamente personal, impulsada por un propósito que trascendía la fama y la fortuna.
La transición de Hart no fue fácil. Había estado comprometida con Don Robinson, quien siguió siendo un amigo cercano, pero nunca se casó después de que ella dejara Hollywood. Abrazó la vida monástica, dedicándose a la oración, el trabajo y el servicio. Con los años, se convirtió en la Madre Dolores Hart, desempeñando un papel vital en la comunidad de la abadía y sus esfuerzos de ayuda social.
Aunque dejó Hollywood, Hart siguió vinculada a las artes. Se convirtió en la única monja con derecho a voto de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, donde reseñaba películas y mantenía su pasión por la narrativa. Su vida se narró en el documental “Dios es el Elvis más grande”, nominado al Óscar en 2012.
La trayectoria de Dolores Hart es un testimonio del poder de la fe y la convicción personal. Cambió la fama por una vida de devoción, demostrando que la verdadera plenitud no reside en la fama, sino en seguir el corazón.
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 21, 2025
Donald Trump y James Bond
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“Como saben, estamos imponiendo aranceles a… las películas, a los cineastas”, declaró Trump cuando The London Times le preguntó sobre el plan arancelario en una conferencia de prensa. “Y vamos a imponer aranceles para deshacernos de ellos, porque muchos de ellos se han ido de este país. Todos viven aquí, el dinero viene de aquí, todo viene de aquí, pero las producen en otros países. Así que vamos a hacer algo para que regresen, quizás en gran medida”.
“Pero James Bond no tiene nada de qué preocuparse, eso les puedo asegurar”, añadió Trump. Y saben, Sean Connery era amigo mío. Fue el responsable de que obtuviera la zonificación en Aberdeen. Dijo: ‘Que ese maldito tipo construya sus campos de golf’. Llevo como cuatro años en el proceso, y era imposible en Aberdeen… Era un gran tipo, Sean Connery.
En medio de la confusión por el anuncio inicial de Trump, la Casa Blanca emitió un comunicado indicando que aún no se han tomado decisiones definitivas sobre la imposición de aranceles a las películas. Un portavoz añadió: “La Administración está explorando todas las opciones para cumplir con la directiva del presidente Trump de salvaguardar la seguridad nacional y económica de nuestro país, a la vez que se busca que Hollywood vuelva a ser grande”.
Jon Voight y su socio productor, Steven Paul, revelaron tras el anuncio de Trump que le habían presentado un plan integral para rescatar la industria del entretenimiento. El plan incluye incentivos federales para la producción y la posproducción, tratados de coproducción con países extranjeros y subsidios de infraestructura para los propietarios de cines.
Las figuras de Hollywood no tardaron en criticar a Trump por siquiera considerar imponer un arancel a las películas. La presentadora de “The View”, Whoopi Goldberg, le dijo a Trump que no se metiera con Hollywood, y añadió: “Mira, ¿podrías bajar el precio de los huevos antes de empezar esto?”.
“¿A quién le vas a imponer este arancel?”, preguntó Goldberg. “¿A la producción? ¿Al estudio? ¿De qué estás hablando?… Es parte de lo que hacemos. Por favor, deja de hacerlo. Lo fundamental son los incentivos fiscales. Si quieres cambiar, tienes que hacerlo en los estados y permitir que la gente filme aquí. No nos impidas ir a filmar en el extranjero, porque entonces nos estás limitando”.
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 12, 2025
Todo sobre el arancel cinematográfico de Trump
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A principios de la pasada semana se dio a conocer una inquietante noticia: el presidente Trump anunció un plan para aplicar un arancel del 100 % a todas las películas rodadas fuera de EE. UU.
Conclusiones clave
➔ El problema es real (y más grave de lo que se cree): la producción cinematográfica en Los Ángeles ha disminuido casi un 40 % en los últimos 10 años. En una encuesta reciente, ninguna ciudad estadounidense figuraba entre los 5 destinos de rodaje preferidos por los ejecutivos de los estudios.
➔ ️ Nada ocurrirá mañana: incluso si este arancel avanza, requeriría una revisión de 270 días y enfrentaría importantes obstáculos legales. Siendo realistas, nada ocurriría hasta 2026 como muy pronto.
➔ La mayoría de los profesionales del cine prefieren incentivos a aranceles: la mayoría de los profesionales de la industria preferirían un mayor apoyo a las producciones estadounidenses que sanciones por filmar en el extranjero.
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¿Qué anunció Trump exactamente?
En Truth Social, Trump instó al Departamento de Comercio a imponer un arancel del 100 % a todas las películas producidas fuera de EE. UU., argumentando que se trata de un problema de seguridad nacional debido a la gran cantidad de producción cinematográfica que abandona el país. Escribió:
“La industria cinematográfica estadounidense está muriendo rápidamente… Este es un esfuerzo conjunto de otras naciones y, por lo tanto, una amenaza para la seguridad nacional”.
Pero aquí está el truco: no hay ninguna política oficial ni orden ejecutiva que lo respalde (al menos no todavía). La Casa Blanca declaró posteriormente: “No se han tomado decisiones definitivas”.
¿Está realmente muriendo la industria cinematográfica estadounidense? Morir puede ser una palabra extrema, pero seamos sinceros, las cifras no son alentadoras:
La producción de cine y televisión en Los Ángeles ha caído casi un 40 % en la última década.
La producción televisiva en Los Ángeles se desplomó un 58,4 % entre 2021 y 2024.
Estados Unidos ha perdido el equivalente a un estudio completo en empleos (más de 18 000) en tan solo tres años.
¿Y qué ocurre cuando los ejecutivos de los estudios enumeran sus 5 mejores lugares para filmar en 2025-2026? Ni uno solo está en Estados Unidos. ¿Los lugares más populares ahora? Toronto, el Reino Unido, Vancouver, Europa Central y Australia. California quedó en el puesto número 6. Sí… nada bien.
¿Por qué Estados Unidos está perdiendo producciones?
En una palabra: incentivos.
Países de todo el mundo ofrecen generosas exenciones fiscales, que a menudo suponen un ahorro inicial para las producciones de entre el 25 % y el 35 %. California limita su programa de incentivos, pero lugares como el Reino Unido, Canadá y Australia ofrecen reembolsos sin límite o incluso mayores que hacen que filmar en el extranjero sea realmente atractivo.
Y no se trata solo de las ventajas fiscales. El dólar estadounidense rinde más en el extranjero, y las tarifas del equipo en muchos países son más bajas que en las principales ciudades estadounidenses. En resumen, las producciones pueden ahorrar decenas de millones al trasladar sus rodajes a otros lugares.
¿Se están implementando realmente los aranceles?
Todavía no, y tal vez nunca de la forma en que se ha descrito. La Casa Blanca afirma que aún están “explorando opciones”, y que cualquier arancel real requeriría una larga revisión del Departamento de Comercio que podría llevar meses.
Si se implementa algo, probablemente se basaría en una ley de seguridad nacional (Sección 232), pero usarla de esta manera sería algo sin precedentes.
¿Cómo funcionarían estos aranceles?
Esa es la gran pregunta, y nadie sabe realmente cómo funcionaría. Las películas no son importaciones físicas que cruzan la frontera en camiones; son digitales y están clasificadas como propiedad intelectual, por lo que no hay una forma clara de rastrearlas ni gravarlas.
Scott Karol, un experto de la industria que asistió a la reunión con Jon Voight que dio origen a esta idea, sugiere un enfoque más moderado: gravar únicamente las producciones que no tengan que pasar por Estados Unidos, y solo con tasas que se ajusten a los incentivos extranjeros (por ejemplo, un arancel del 30 % para compensar un crédito extranjero del 30 %).
¿Cómo afectaría esto a los cineastas?
Si el arancel entrara en vigor, los estudios se enfrentarían a decisiones difíciles:
Pagar el arancel: Absorber los costos.
Trasladar la producción de vuelta a Estados Unidos: Logísticamente difícil, pero posible
Cancelar o retrasar proyectos: Especialmente si las cuentas ya no cuadran
Los cineastas independientes y extranjeros podrían enfrentarse a obstáculos aún mayores, ya que algunas películas de cine independiente extranjeras podrían resultar demasiado caras para distribuirse en Estados Unidos.
¿Son los aranceles la solución equivocada?
La mayoría de los expertos de la industria coinciden en que los incentivos, no los aranceles, serían un enfoque más eficaz. Algunas propuestas comunes incluyen:
Ampliación de incentivos estatales: California está considerando aumentar su crédito fiscal para películas de $330 millones a $750 millones anuales.
Programa federal de incentivos fiscales: Un incentivo nacional para películas que ofrece entre un 25% y un 30% de reembolso sobre gastos calificados.
Créditos fiscales transferibles: Siguiendo el modelo de Georgia, que les ha ayudado a convertirse en una potencia de producción.
Inversión en infraestructura: Construir estudios e instalaciones de sonido más modernos.
️ ¿Qué debo hacer con mis proyectos?
Para los cineastas que planean proyectos en los próximos 6 meses, nuestro consejo es simple: mantengan la calma y sigan adelante. Lo más probable es que un arancel entre en vigor en 2026, y la política final (si la hay) probablemente sea muy diferente a la propuesta inicialmente.
A largo plazo, comiencen a investigar y planificar las posibles implicaciones y consideren estrategias para limitar la producción en el extranjero.
Fuente:
¿Qué sucederá después?
A pesar del caos que ha causado el anuncio, casi todos coinciden en una cosa: Estados Unidos está perdiendo terreno en la producción cinematográfica. Ya sea que la solución llegue mediante aranceles o incentivos, se están produciendo cambios en el panorama de la producción mundial.
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 13, 2025
El lado oscuro de Doris Day
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Después de todo, nació en Cincinnati, Ohio, durante la década de 1920, y aún hoy esa ciudad no es conocida por ser un manantial de tolerancia racial. Es muy probable que Doris Kappelhoff (su nombre real) creciera con pensamientos y creencias que la mayoría de la gente hoy consideraría retrógrados, e incluso racistas, ya que formaron parte de su crianza. También es
probable que nunca los perdiera con la edad.
Lo único que dificulta afirmar categóricamente que era racista es el rumor de que tuvo una aventura o una serie de encuentros sexuales prolongados con el gran jugador de béisbol de los Dodgers, Maury Wills. Wills, quien es afroamericano, mencionó la aventura en su autobiografía, y aunque Day negó que ocurriera, no niega haber conocido a Wills; y otras personas que conocen a ambos lo han confirmado. Dado que la vida romántica de Day aparentemente incluyó un período en el que mantuvo relaciones con seis hombres diferentes, además de un alto grado de secretismo, es difícil refutar por completo la afirmación de Wills.
Day no era abiertamente racista. No existen declaraciones suyas sobre la inferioridad racial de nadie, no hay rumores de que Day sintiera antipatía por las minorías, y aunque votó por el Partido Republicano, Day nunca expresó públicamente opiniones políticas racistas. En esencia, probablemente era más tolerante que muchas personas de su época; sin embargo, no poseía opiniones raciales que reflejaran las de las personas progresistas de hoy.
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 3, 2025
La propiedad de Gene Hackman considerada posible caldo de cultivo para el hantavirus
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Hackman, quien protagonizó películas como “Contacto en Francia”, “Sin perdón” y “Los Tenenbaums”, se casó con la pianista clásica Arakawa en 1991.
Las primeras investigaciones descartaron la muerte por intoxicación por monóxido de carbono. Un informe de necropsia confirmó posteriormente que Arakawa había fallecido a causa del síndrome pulmonar por hantavirus, una rara enfermedad transmitida por roedores. Hackman falleció a causa de una enfermedad cardíaca complicada con Alzheimer, y es posible que no supiera del fallecimiento de su esposa.
Una evaluación de riesgo ambiental posterior, realizada por el Departamento de Salud Pública de Nuevo México, encontró indicios de roedores en varios edificios de la propiedad de la pareja.
Se encontraron heces de roedores en tres garajes, dos casitas (casas de huéspedes) y tres cobertizos de la propiedad de la pareja. Dos roedores (uno muerto) y un nido de roedores se encontraron en tres garajes independientes. Dos vehículos en la propiedad también mostraron indicios de presencia de roedores, con nidos, excrementos y avistamientos de los animales.
Según el informe, la infestación parecía estar en curso, ya que se habían instalado trampas vivas en las dependencias.
Sin embargo, la residencia principal se consideró de bajo riesgo, sin indicios de actividad de roedores dentro de la casa de la pareja. La investigación se realizó para determinar el riesgo para los socorristas y los familiares que visitaron la propiedad después de las muertes.
También fue necesaria para determinar el riesgo de propagación. Tres personas más han muerto a causa del virus en un pequeño pueblo de California, sin relación con la muerte de Arakawa.
La enfermedad pulmonar por hantavirus es mortal en casi cuatro de cada diez personas infectadas. Se identificaron poco menos de 730 casos en EE. UU. entre 1993 y 2017. Casi todos los casos se registraron al oeste del río Misisipi.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 17, 2025
Autocines
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Los autocines fueron un fenómeno importante entre los años 50 y 70; sin embargo, comenzaron a decaer en los 80, y hoy en día quedan pocos en Estados Unidos.
Las razones de su desaparición son, en realidad, más complejas que la simple búsqueda de una mejor experiencia de entretenimiento por parte del público.
Uno de los factores clave fue la inmersión en una experiencia cinematográfica cerrada, con sonido envolvente y pantallas cada vez más grandes, que se popularizó durante los 80. Sin embargo, el cine también estaba cambiando. Star Wars y En busca del arca perdida se destacaron por ofrecer una experiencia cinematográfica excepcional, y otras películas les siguieron. Para disfrutar de la experiencia completa, era mejor verla en una sala grande y cerrada, y no desde el interior de un coche a través del parabrisas.
Otro factor a considerar era la responsabilidad. En un aparcamiento oscuro y desnivelado, salpicado de postes de acero y lleno de coches conducidos por adolescentes, los accidentes leves eran habituales.
Luego venían los infractores, que intentaban introducir a escondidas a la mayor cantidad posible de gente en el recinto, a menudo ocultándola en el maletero. Esto no solo era peligroso, sino que incluso provocaba muertes por asfixia, algunas por intoxicación por monóxido de carbono.
Además, estaba el factor climatológico. Si llovía, nevaba o había niebla, la experiencia cinematográfica era horrible y, en algunos casos, se cancelaba. Esto convertía los ingresos estables del cine, durante el invierno, en un grave problema.
La calidad del audio en los primeros tiempos de los autocines era ridícula. Un pequeño altavoz metálico, conectado a un cable, colgaba de la ventanilla parcialmente bajada. Se usaba una sola perilla para ajustar el volumen y la calidad del audio mono que salía de un único altavoz de 4 pulgadas era pésima. Si olvidabas quitar el altavoz después de la película, el altavoz, aún conectado, te rompía la ventanilla.
La calidad del audio mejoró considerablemente más tarde, cuando se instalaron los transmisores FM, y se podía simplemente sintonizar la emisora del cine y escucharla a través del sistema de audio del coche.
Sin embargo, la principal razón del cierre de los autocines no tenía nada que ver con eso. Tenía que ver con el sector inmobiliario.
Los autocines ocupaban una gran cantidad de terreno y a menudo se ubicaban en las afueras de la ciudad, donde la luz y la actividad no molestaban a nadie. El terreno era relativamente barato en las décadas de 1950 y 1960, así que no era un problema. Sin embargo, durante la década de 1970, la rápida expansión de los suburbios hacia zonas periféricas y el rápido aumento del valor de los terrenos cambiaron esta situación. Ahora, el terreno ocupado por los autocines se consideraba una inversión, y cobrar 3 dólares por coche por noche simplemente no podía generar ingresos que compitieran con la venta de un terreno de viviendas o los pagos de alquiler de un centro comercial.
Como resultado, uno a uno, los autocines fueron comprados y desarrollados para otros usos, como la construcción de casas, condominios, apartamentos o centros comerciales. El terreno simplemente valía demasiado como para justificar el gasto, la responsabilidad y los bajos ingresos.
Si bien la popularidad de los autocines ha resurgido, especialmente en medio de esta pandemia, estos problemas básicos persisten.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 15, 2025
El talento importa
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El actor británico Marty Feldman no tuvo mucho éxito como joven estrella. De hecho, era un caso aislado. Luego, un accidente náutico, una afección tiroidea y un accidente de coche en su juventud le dañaron gravemente el rostro. Y sus ojos se fueron agrandando y separando, hasta que su apariencia se volvió bastante grotesca…
Si se ven fotos de Feldman de joven, en realidad era bastante guapo. Pero a medida que envejecía, su apariencia se volvió cada vez más extraña.
“Si aspirara a ser Robert Redford, me enderezaría los ojos y me arreglaría la nariz y acabaría como cualquier otro actor malo, con dos líneas en Kojak. Pero así, soy una novedad”.
Este hombre no era el epítome de la belleza masculina. No era una estrella de cine ruda ni un atractivo clásico, al menos no durante la mayor parte de su carrera. Y, de hecho, se benefició de ello. Y, además, recibía muchísima atención femenina, según todos sus amigos del mundo del espectáculo, ya que era un tipo encantador y seguro de sí mismo en su vida personal.
Sí, la apariencia importa. Pero, idealmente, deberías ser muy guapo, o tan gracioso que puedas ganar dinero con ello. Hay un punto ideal: o eres agradable a la vista o eres raro pero intrigante. Solo tienes que encontrar tu nicho y aprovecharlo.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 5, 2025
Incels
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Los ‘incels’ (acrónimo de ‘involuntary celibate’, célibe involuntario, en inglés), son personas, principalmente hombres, que se sienten frustrados por su incapacidad para establecer relaciones románticas o sexuales, llevando a menudo a una visión negativa de las mujeres.
El origen del término se remonta a décadas atrás, en 1997, cuando una estudiante canadiense creó un sitio web para documentar sus dificultades para encontrar pareja llamado ‘Alana’s Involuntary Celibacy Project’ (El proyecto de celibato involuntario de Alana). A partir de ahí la abreviación pasó a formar parte del lenguaje que utilizaba con sus seguidores cuando compartían experiencias sobre la imposibilidad de tener una relación sentimental. Sin embargo, con el paso de los años, el término empezó a adquirir significados diferentes.
Rápidamente, esta web se convirtió en un espacio digital para personas con experiencias similares. Este grupo ha sido objeto de controversia debido a su ideología y actos violentos que fomentan la misoginia, un fuerte odio y resentimiento hacia las mujeres, culpándolas de su situación de soledad.
La serie, que está entre las más vistas de la plataforma Netflix en diversos países, aborda este fenómeno a través de personajes que representan diversas realidades sociales y emocionales. Trata el caso de Jamie, un adolescente de 13 años, acusado de haber asesinado a una compañera tras haber estado expuesto a material misógino ‘online’ y haber sido objeto de ciberacoso.
Retrata así, cómo la masculinidad tóxica puede desarrollarse en silencio, bajo un sistema digital que la refuerza y difunde. El reciente interés social por los ‘incels’ muestra una reacción a problemas contemporáneos que afectan tanto a las relaciones de género como a la salud mental y a la democracia digital.
El debate se centra en cómo la serie retrata y humaniza a estos individuos, explorando sus luchas y frustraciones. Por un lado, algunos críticos argumentan que ofrece una representación superficial que podría normalizar actitudes tóxicas.
Por otro lado, ha generado la necesidad de abordar y tomar conciencia sobre el impacto cultural, social y político de las subculturas digitales, y de la influencia en menores y jóvenes en las redes sociales. En este sentido hay quienes defienden que la serie ofrece una perspectiva necesaria sobre la soledad y la búsqueda de conexión.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 6, 2025
El último vaquero
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Sam Elliott es un actor estadounidense conocido por su voz profunda, su personalidad robusta y su imponente presencia en cine y televisión. Nacido el 9 de agosto de 1944 en Sacramento, California, Elliott ha forjado una carrera de más de cinco décadas, ganando reconocimiento por sus papeles en westerns, dramas y películas de acción.
Elliott creció en Oregón, donde desarrolló una pasión por la actuación. Tras estudiar en el Clark College, se dedicó a Hollywood, consiguiendo papeles menores en películas como Dos hombres y un destino (1969). Sus primeros trabajos en westerns televisivos le ayudaron a consolidar su reputación como figura del vaquero, lo que le llevó a papeles más destacados.
Elliott alcanzó un amplio reconocimiento con su actuación en Salvavidas (1976), seguida de papeles destacados en Mask (1985) y Road House (1989). Su interpretación de Virgil Earp en Tombstone (1993) y del general de brigada John Buford en Gettysburg (1993) consolidó su estatus como leyenda del western. En 2018, Elliott protagonizó Ha nacido una estrella junto a Bradley Cooper y Lady Gaga, obteniendo una nominación al Óscar a Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para aportar profundidad y autenticidad a sus personajes lo ha convertido en una figura muy querida en Hollywood.
Elliott sigue cautivando al público, y recientemente protagonizó 1883, la precuela de Yellowstone. Su distintiva voz y su imponente presencia siguen siendo sus señas de identidad, convirtiéndolo en uno de los actores más respetados de la industria.
Justo cuando amanece en California, Sam Elliott se despierta, normalmente alrededor de las 5:30 a. m. Sale con su café en la mano y respira el aire fresco de la mañana. A sus 80 años, sus días son más tranquilos que antes, pero su rutina se mantiene
constante. Recorre su propiedad, escuchando los sonidos de la naturaleza, antes de regresar a ver cómo está su esposa, la actriz Katharine Ross. Su matrimonio, que dura casi 40 años, se ha mantenido firme a pesar de los cambios de la vida.
El desayuno es sencillo: avena o huevos, según el día. Elliott cree en la moderación, una lección aprendida durante décadas en Hollywood. Su voz profunda e icónica aún tiene peso, aunque ahora habla con más suavidad, eligiendo cuidadosamente sus palabras. Pasa las mañanas leyendo, a veces guiones, pero a menudo libros de historia o novelas del Oeste. Valora las historias de resiliencia, de personas fuertes que se enfrentan a un mundo difícil.
Elliott ya no busca papeles activamente. Los selecciona con cuidado, atraído por guiones con determinación y autenticidad. Siente que gran parte de Hollywood ha perdido su esencia, pero comprende la industria. Cuando aparece un papel adecuado, lo acepta, como interpretar al rudo vaquero Shea Brennan en “1883”. Le recordó su pasión inicial por la actuación. Ahora es más selectivo, disfrutando de la libertad que le brinda su éxito de larga data.
Sale a caminar a media mañana, a menudo con su esposa, y sus conversaciones fluctúan entre el pasado y el presente. A veces, reflexiona sobre su juventud en Sacramento, donde su sueño de actuar parecía lejano. Recuerda los días difíciles, trabajando en la construcción mientras hacía audiciones. Siempre supo que encajaba en el western, que su voz y presencia encajaban a la perfección con el género.
Almuerza ligero, un sándwich o una ensalada. Se mantiene activo, convencido de que el movimiento es crucial para la longevidad. Sus entrenamientos se centran en mantener la fuerza, no en desarrollar músculo, para disfrutar de la vida. Estira, hace ejercicios con el propio peso corporal y se toma tiempo personal.
A menudo pasa las tardes en su rancho, haciendo pequeñas tareas o simplemente disfrutando del entorno. Valora la paz, la distancia del bullicio de Hollywood. Su hogar es su santuario, donde puede ser simplemente un hombre que vive su vida, no “Sam Elliott, el actor”.
Sus noches son relajadas. Disfruta de la música: country clásico, blues, cualquier cosa con una historia genuina. Toma una copa, a veces bourbon, a veces vino, y contempla la puesta de sol. Si él y Katharine tienen ganas, ven una película, pero rara vez la suya. Nunca ha sido de los que ven sus actuaciones repetidamente.
Su filosofía de vida ha madurado con la edad. Cree en la paciencia y en apreciar el presente. Una vez dijo: “Las mejores cosas de la vida suceden cuando no las buscas”, y todavía lo cree. Reconoce su suerte, pero sabe que la suerte no significa nada sin trabajo duro.
Al caer la noche, se relaja y se acuesta temprano. Su vida ya no se trata de perseguir el próximo gran éxito; Se trata de estar presente, disfrutar de la sencillez de una vida bien vivida.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 6, 2025
El Rey de las Miniseries
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George Richard Chamberlain, a menudo conocido como el “Rey de las Miniseries”, fue un célebre actor estadounidense cuya carrera se extendió durante décadas y dejó una huella imborrable en la televisión y el cine. Nacido el 31 de marzo de 1934 en Beverly Hills, California, Chamberlain saltó a la fama a principios de la década de 1960 como protagonista del drama médico Dr. Kildare, donde interpretó al serio y encantador Dr. James Kildare. Su papel en la serie lo convirtió en un nombre familiar y un galán, ganándose la admiración de todos y estableciéndose un lugar en Hollywood.
La carrera de Chamberlain se caracterizó por su versatilidad y su disposición a asumir papeles desafiantes. Tras el éxito de Dr. Kildare, dio el salto a la escena teatral, actuando en producciones como Hamlet y Desayuno con diamantes. Su trabajo teatral demostró su gran talento actoral y le valió elogios de la crítica. Chamberlain también incursionó en el cine, apareciendo en obras destacadas como Los Tres Mosqueteros y Las Minas del Rey Salomón. Sin embargo, su verdadero fuerte siguió siendo la televisión, donde se convirtió en sinónimo de miniseries épicas.
En la década de 1980, Chamberlain protagonizó dos de las miniseries más icónicas de la época: Shogun y El Pájaro Espino. Su interpretación del Padre Ralph de Bricassart en El Pájaro Espino fue particularmente memorable, capturando las complejidades del amor prohibido y la ambición. Estas actuaciones consolidaron su reputación como maestro del melodrama y le valieron elogios tanto del público como de la crítica.
Más allá de sus logros profesionales, la vida personal de Chamberlain estuvo marcada por la valentía y la resiliencia. En 2003, se declaró públicamente gay en su autobiografía, Amor Destrozado, rompiendo barreras y desafiando estereotipos en una industria que a menudo exigía conformidad. Su franqueza sobre sus dificultades e identidad inspiró a muchos y destacó la importancia de la autenticidad.
El legado de Chamberlain es de talento, perseverancia e impacto. Falleció el 29 de marzo de 2025, a la edad de 90 años, dejando tras de sí una rica obra que sigue impactando a fans de todo el mundo. Desde sus inicios como estrella de la televisión hasta sus últimos años como respetado actor y defensor, la vida y la carrera de Richard Chamberlain ejemplifican el poder del arte y la valentía de ser uno mismo. Sus contribuciones al entretenimiento y la cultura siguen siendo un testimonio de su perdurable influencia.
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Marzo 31, 2025
Richard Chamberlain
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El actor estadounidense Richard Chamberlain ha fallecido a la edad de 90 años a causa de las complicaciones de un derrame cerebral. El artista murió cerca de la medianoche del sábado en su casa, a las afueras de Honolulu, Hawái.
Entre 1961 y 1965, el actor alcanzó la fama al protagonizar la exitosa serie ‘Dr. Kildare’. A partir de los años 70 fue la estrella de producciones televisivas como ‘Hamlet’ y ‘El pájaro espino’. La miniserie ‘Shogun’ de 1980 también le reportó mucho éxito.
La imagen de ídolo estadounidense de matiné de Chamberlain frenó su carrera actoral en ocasiones, hasta que demostró su valía en el escenario con una aclamada producción de “Hamlet” y otras interpretaciones shakespearianas. Sin embargo, no fue suficiente para impulsarlo a una importante carrera cinematográfica. Protagonizó varias películas notables, como “Petulia”, “Los tres mosqueteros”, “Los amantes de la música” y “La última ola” de Peter Weir. Pero su fuerte siguió siendo la pantalla chica, donde interpretó a personajes de todos los tamaños, desde el inglés Eduardo VIII y el novelista F. Scott Fitzgerald hasta el héroe de la Segunda Guerra Mundial Raoul Wallenberg.
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Marzo 30, 2025
Bailarinas Exóticas
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Varias actrices famosas tienen historias fascinantes, incluyendo experiencias como bailarinas exóticas antes de alcanzar la fama en Hollywood. Estas experiencias a menudo reflejan su resiliencia y determinación para triunfar en la industria del entretenimiento. Aquí hay algunos ejemplos notables:
Lady Gaga, conocida por su personalidad audaz y talento musical, trabajó como camarera de día y bailarina exótica de noche antes de su salto al estrellato. Ha compartido abiertamente cómo esta etapa de su vida la ayudó a forjar su confianza y presencia escénica. Las actuaciones de Gaga a menudo incorporaban elementos de su pasado, mostrando su capacidad para cautivar al público.
Constance Wu, célebre por sus papeles en Crazy Rich Asians y Hustlers, también tiene una conexión con el mundo de la danza exótica. Si bien no era bailarina, se sumergió en la cultura para prepararse para su papel en Hustlers. Su dedicación a la autenticidad resalta la importancia de comprender y respetar las experiencias de los demás.
NeNe Leakes, estrella de The Real Housewives of Atlanta, trabajó como bailarina exótica bajo el nombre de “Silk” antes de su carrera televisiva. En sus memorias, describió cómo el baile la empoderó y le brindó independencia financiera durante una época difícil de su vida. La trayectoria de Leakes, del escenario a los realities, ejemplifica su determinación y carisma.
Estas historias ilustran cómo las diversas experiencias pueden contribuir al camino de una artista. El baile exótico, a menudo incomprendido, requiere habilidad, confianza y resiliencia, cualidades que sin duda han influido en las carreras de estas actrices. Sus caminos hacia la fama nos recuerdan que el éxito a menudo proviene de aceptar la propia historia y usarla como base para el crecimiento personal.
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Marzo 22, 2025
Volveré: Arnold Vs. Donald
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Arnold Schwarzenegger y Donald Trump han tenido una relación conflictiva, marcada por desacuerdos y críticas públicas. Schwarzenegger, exgobernador republicano de California, ha expresado abiertamente su desaprobación de Trump, en particular con respecto a las acciones y políticas de Trump.
Respaldos políticos: En las elecciones presidenciales de 2024, Schwarzenegger respaldó a Kamala Harris y Tim Walz, afirmando que cree que Trump no es apto para la reelección.
Declaraciones públicas: Schwarzenegger ha hecho varias declaraciones públicas contra Trump, enfatizando la necesidad de un cambio de liderazgo y criticando la retórica divisiva de Trump.
Predicciones: En entrevistas, Schwarzenegger ha compartido sus predicciones sobre el futuro político de Trump, expresando a menudo escepticismo sobre la capacidad de Trump para unir al país.
Partido Republicano: La postura de Schwarzenegger refleja una tendencia más amplia de algunos republicanos que se distancian de Trump y respaldan a candidatos de otros partidos.
Percepción pública: La disputa en curso entre Schwarzenegger y Trump resalta las profundas divisiones dentro del Partido Republicano y las diferentes perspectivas sobre el liderazgo de Trump.
El actor y exgobernador de California sostuvo que Trump “es el peor presidente de la historia”
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Marzo 3, 2025
Gene Hackman y su esposa fueron encontrados muertos en su casa
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Gene Hackman, nacido como Eugene Allen Hackman el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, fue un actor versátil y célebre cuya carrera se extendió por más de cuatro décadas. Conocido por su encanto rudo y su habilidad para interpretar personajes complejos, Hackman ganó dos premios Oscar: Mejor actor por su papel de Jimmy “Popeye” Doyle en “Contacto en Francia” (1971) y Mejor actor de reparto por su papel de Little Bill Daggett en “Sin perdón” (1992)1.
Los primeros años de vida de Hackman estuvieron marcados por frecuentes mudanzas y una temporada en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Estudió interpretación en el Pasadena Playhouse, donde inicialmente se lo consideró “el menos probable de triunfar” junto con su colega actor Dustin Hoffman2. Sin embargo, el talento de Hackman pronto se hizo evidente, lo que le llevó a obtener papeles memorables en películas como “Bonnie y Clyde” (1967), “La conversación” (1974) y “Superman” (1978).
Hackman se había retirado de la actuación en 2004 y decidió centrarse en escribir novelas y disfrutar de una vida más tranquila en Santa Fe, Nuevo México, con su esposa, Betsy Arakawa. Su legado se define por su capacidad para aportar autenticidad y profundidad a sus personajes, lo que lo convierte en uno de los actores más respetados y duraderos de Hollywood.
El sheriff del condado de Santa Fe, Adan Mendoza, confirmó poco después de la medianoche del jueves que la pareja había muerto, junto con su perro.
Mendoza dijo en una entrevista el miércoles por la noche que no había indicios inmediatos de que se hubiera cometido un delito. No proporcionó una causa de muerte ni dijo cuándo podría haber muerto la pareja.
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Febrero 27, 2025
Esos maravillosos programas de televisión de los años 60
La década de 1960 fue una época dorada para la televisión de acción y aventuras, con programas icónicos como “El agente de CIPOL”, “Misión: Imposible”, “Batman” y “Los Vengadores”. Estas series cautivaron a la audiencia con sus emocionantes historias, personajes memorables y una narrativa innovadora, dejando un legado duradero en el mundo de la televisión. Establecieron el estándar para el género y continúan inspirando y entreteniendo a nuevas generaciones de espectadores.
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La prohibición de libros en la América actual
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El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” fue prohibido recientemente en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos (DoDEA, por sus siglas en inglés) debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión (DEI, por sus siglas en inglés).
El libro infantil semiautobiográfico, publicado en 2007, cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma tal como es. Moore expresó su conmoción y decepción por la prohibición, especialmente porque ella misma es una orgullosa graduada de una escuela del Departamento de Defensa. En respuesta a la prohibición, su editor ha decidido reimprimir el libro para satisfacer la creciente demanda.
El libro de Julianne Moore “Freckleface Strawberry” se ha vuelto realmente controvertido. El libro fue prohibido en las escuelas administradas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos debido a la ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión. La historia semiautobiográfica sobre una niña que aprende a aceptar sus pecas fue marcada por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”.
La controversia ha provocado un debate sobre el equilibrio entre promover la inclusión y mantener los estándares educativos.
La trama de “Freckleface Strawberry” en sí no es inherentemente controvertida. Es un libro infantil que cuenta la historia de una niña que aprende a aceptar sus pecas y a aceptarse a sí misma como es. El mensaje del libro trata sobre la autoaceptación y la comprensión de que cada persona es única, lo que generalmente se considera positivo y alentador. Sin embargo, la controversia surge del contexto en el que se prohibió el libro.
La ofensiva de la administración Trump contra los programas de diversidad, equidad e inclusión llevó a que el libro fuera marcado por promover potencialmente una “ideología de equidad discriminatoria”. Esta decisión ha provocado un debate sobre qué constituye material apropiado para niños y el papel de los programas DEI en la educación. La controversia tiene más que ver con las implicaciones políticas y sociales de la prohibición que con el contenido del libro en sí. Es un debate sobre cómo equilibrar la inclusión y los estándares educativos, y sobre si ciertos temas deberían restringirse en los entornos educativos.
Muchos escritores y autores han expresado su preocupación por la tendencia creciente de las prohibiciones de libros y su impacto en la libertad de expresión. Autores y editores han criticado la prohibición como un ejemplo de censura que sofoca la creatividad y limita el acceso a perspectivas diversas. La Asociación de Bibliotecas de Estados Unidos y PEN America han condenado la prohibición, destacando la importancia de permitir que los niños exploren diferentes puntos de vista y aprendan sobre la aceptación y el amor propio.
Además, varios autores destacados se han sumado a la conversación, expresando su solidaridad con Moore y enfatizando la necesidad de proteger la literatura infantil de las agendas políticas. La controversia también ha dado lugar a debates sobre las implicaciones más amplias de las prohibiciones de libros y el papel de la educación en el fomento del pensamiento crítico y la empatía. Está claro que la comunidad literaria está unida en su oposición a la prohibición y aboga por la preservación de la libertad de expresión y el acceso a una literatura diversa.
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Febrero 21, 2025
Ramon Novarro
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Si Ramon hubiera evitado tratar con extraños para curar su soledad, habría vivido hasta una edad avanzada y no habría sido asesinado en circunstancias sórdidas.
El 30 de octubre de 1968, Ramon recibió una llamada telefónica de estos dos completos desconocidos, los hermanos Tom y Paul Ferguson, de 17 y 22 años, que se ofrecieron a Roman para una noche de sexo (permítanme decir aquí mismo que Ramon Navarro era gay y se valía de los servicios de prostitutos masculinos). Los hermanos Ferguson obtuvieron el número de teléfono
de Ramon de uno de los hombres que le ofrecía sus favores a Ramon de manera regular. Ramon dijo que sí, que viniera y que haríamos una fiesta.
Lo único, sin embargo, era que tener sexo con una leyenda del cine mudo no estaba en sus mentes. Era un robo. Ramón tenía un montón de dinero por la suma de $5000 ($46,548 en dinero de 2025) escondido en su casa y querían apoderarse de él. Sin el permiso de Navarro…
En lugar de una noche de éxtasis y placer en un trío, estos dos neandertales sometieron a este pobre hombre solitario de 69 años y le propinaron torturas y palizas brutales para que Ramón revelara este escondite secreto de efectivo que era solo una fantasía. Todo lo que Ramón tenía eran 20 dólares que estos cretinos le arrebataron y dejaron a Navarro morir de una muerte lenta y agonizante ahogándose en su propia sangre. Los hermanos Ferguson fueron capturados y condenados y recibieron largas sentencias de prisión. Fueron liberados durante los años 70, pero ambos hermanos fueron capturados y condenados más tarde por otros delitos y recibieron sentencias más largas que las que recibieron por asesinar a Navarro. Tom se suicidaría más tarde en 2005 y Paul sería asesinado por un recluso mientras cumplía una condena por violación en una prisión de Missouri en 2018.
Lo que demuestra que tener sexo con extraños es muy arriesgado y podría matarte. Especialmente si recibes una llamada en tu teléfono de alguien a quien nunca has conocido que quiere tener sexo contigo.
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Febrero 10, 2025
Verne Troyer
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Nacido el 1 de enero de 1969 en Sturgis, Michigan, Troyer fue un actor más conocido por su papel de Mini-Me en la serie “Austin Powers”. A pesar de enfrentar los desafíos de haber nacido con acondroplasia, una forma de enanismo, Verne Troyer hizo contribuciones significativas a la industria del entretenimiento y utilizó su plataforma para promover la educación y la concienciación.
El viaje de Troyer en la industria del entretenimiento comenzó a mediados de la década de 1990, y rápidamente ganó reconocimiento por su talento y carisma únicos. Su papel de Mini-Me en “Austin Powers: La espía que me achuchó” (1999) y su secuela, “Austin Powers en Miembro de Oro” (2002), lo catapultó a la fama internacional. A pesar de las limitaciones físicas impuestas por su condición, Troyer demostró una notable versatilidad y dedicación a su oficio, ganándose la admiración del público y de sus colegas por igual.
Más allá de su carrera como actor, Verne Troyer fue un defensor de la educación y la promoción de las disciplinas STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas). Comprendió la importancia de la educación para empoderar a las personas y fomentar la innovación. Troyer participó a menudo en eventos e iniciativas destinadas a alentar a los jóvenes, especialmente a aquellos con discapacidades, a perseguir sus pasiones y sobresalir en sus campos elegidos.
La defensa de Troyer se extendió a la concienciación sobre el enanismo y los desafíos que enfrentan las personas pequeñas. Al compartir sus experiencias y éxitos, buscó inspirar a otros a superar obstáculos y perseguir sus sueños. Su mensaje fue de resiliencia, determinación y la importancia de la educación para alcanzar las metas de uno.
En conclusión, el legado de Verne Troyer se extiende más allá de sus memorables papeles en cine y televisión. Fue un defensor apasionado de la educación y la promoción de las disciplinas STEM, utilizando su plataforma para inspirar y empoderar a otros. Las contribuciones de Troyer a la industria del entretenimiento y sus esfuerzos por crear conciencia sobre el enanismo y la importancia de la educación siguen resonando, lo que lo convierte en una figura notable que trascendió las limitaciones de su condición. Su vida sirve como testimonio del poder de la perseverancia y el impacto transformador de la educación.
Troyer falleció el 21 de abril de 2018, a la edad de 49 años. Su muerte se atribuyó a complicaciones derivadas de una intoxicación alcohólica. Troyer había luchado contra la depresión y el abuso de sustancias a lo largo de su vida. A pesar de sus desafíos, dejó un legado duradero a través de su trabajo en el cine, sus esfuerzos en el ámbito de la educación y su defensa de las personas con enanismo.
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Febrero 6, 2025
Las calles de San Francisco
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“Las calles de San Francisco” es un drama policial estadounidense por excelencia que se emitió entre 1972 y 1977. El programa, producido por Quinn Martin Productions, presenta un dúo formidable: el veterano detective teniente Mike Stone, interpretado por Karl Malden, y su compañero más joven, el inspector Steve Keller, interpretado por Michael Douglas. La serie, que tiene como telón de fondo las pintorescas y sórdidas calles de San Francisco, combina una narrativa cautivadora con el encanto único de su entorno.
La premisa del programa gira en torno a Stone y Keller mientras abordan diversos delitos, que van desde homicidios hasta robos, en la bulliciosa ciudad de San Francisco. Cada episodio es una historia independiente, que presenta un nuevo caso para que los detectives resuelvan. La química entre Malden y Douglas es una piedra angular del éxito del programa. La interpretación de Malden del experimentado y sabio Stone complementa perfectamente la representación de Douglas del entusiasta e idealista Keller. Su dinámica captura la relación mentor-aprendiz, añadiendo profundidad a sus personajes y a las narrativas.
Una de las características distintivas de “The Streets of San Francisco” es su compromiso con la autenticidad. El programa se filmó en el lugar, utilizando los monumentos icónicos de la ciudad, las colinas empinadas y los diversos vecindarios. Esto no solo proporcionó un telón de fondo visualmente impresionante, sino que también infundió a la serie una sensación de realismo. Los tranvías, el puente Golden Gate y el bullicioso Fisherman’s Wharf se convirtieron en partes integrales de la narración, convirtiendo a la ciudad casi en un personaje por derecho propio.
La serie fue elogiada por su representación realista del trabajo policial y su capacidad para abordar problemas sociales complejos. Los episodios a menudo ahondaban en temas como la adicción a las drogas, el racismo y la salud mental, reflejando los desafíos sociales de la época. Este enfoque diferenció a “The Streets of San Francisco” de otros dramas policiales, ya que ofrecía más que solo suspenso y acción: proporcionaba un espejo de los problemas del mundo real que enfrenta la sociedad.
La participación de Michael Douglas en el programa fue particularmente notable. Su papel en “The Streets of San Francisco” ayudó a lanzar su carrera, mostrando su destreza actoral y ganándose elogios de la crítica. El éxito del programa también reforzó la reputación de Karl Malden como actor versátil y convincente.
En conclusión, “The Streets of San Francisco” sigue siendo un clásico querido en el género de los dramas policiales. Su combinación de un fuerte desarrollo de personajes, un entorno auténtico y un compromiso con los problemas sociales ha dejado un impacto duradero en la historia de la televisión. La serie no solo entretuvo a los espectadores, sino que también ofreció una exploración reflexiva de las complejidades de la vida urbana y la aplicación de la ley.
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Enero 29, 2025
La mansión de ‘Mi pobre angelito’, vendida por 5,5 millones de dólares
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Tim y Trisha Johnson compraron la vivienda por 1,58 millones de dólares en 2012 y, seis años después, la renovaron y ampliaron conservando el exterior de ladrillo que la hizo famosa en el clásico filme protagonizado por el actor Macaulay Culkin.
Cabe señalar que solo el exterior del inmueble apareció en la película, ya que el interior era demasiado estrecho para un equipo de rodaje completo. Así que para la grabación se construyó un enorme plató de dos plantas en el interior de una escuela abandonada que se encontraba cerca.
La casa, que ha encontrado nuevo dueño después de menos de un año en el mercado, es muy espaciosa: cuenta con cinco dormitorios, seis baños, una sala de cine de alta gama e incluso una pista polideportiva cubierta de primer nivel.
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Enero 20, 2024
Newman y la Armada
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Paul Newman se alistó en la Marina apenas cuatro días antes de cumplir 18 años con la esperanza de convertirse en piloto, pero debido a su daltonismo lo nombraron artillero.
Durante la batalla de Okinawa, la tripulación de Newman fue asignada al portaaviones USS Bunker Hill.
Una infección de oído impidió al piloto de Newman volar, por lo que permanecieron en Hawái mientras su escuadrón se unía al portaaviones.
El 11 de mayo de 1945, el Bunker Hill fue atacado por dos kamikazes japoneses, matando a más de la mitad de la tripulación, incluidos todos los miembros del escuadrón de Newman.
Newman dijo una vez que nunca superó la angustia de perder a tantos amigos, o la culpa del sobreviviente de haber sido salvado hasta que conoció a Joanne Woodward.
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Enero 18, 2024