Valerie Lundeen era la esposa de 62 años de la estrella de “Tarzán” Ron Ely y ex reina de belleza. Fue apuñalada hasta la muerte en su casa de Santa Bárbara, California, el 15 de octubre de 2019. Su marido de 81 años estaba dentro de la casa, pero no resultó herido, dice la policía.
El sospechoso, que no ha sido identificado, fue asesinado a tiros más tarde por los ayudantes del sheriff del condado de Santa Bárbara, dijo el departamento en un comunicado. Ely es mejor recordado como el actor principal en el programa de televisión “Tarzán” de NBC que se emitió entre 1966 y 1968. Además, Ely también interpretó el papel de Doc Savage en “Doc Savage: The Man of Bronze”.
Ely y Lundeen se casaron en 1984 y tuvieron tres hijos juntos: dos hijas, Kirsten, Kaitland y un hijo, Cameron.
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Lundeen ganó Miss Florida en 1981 mientras representaba a Miami y compitió en el concurso de belleza Miss USA más tarde ese año.
La muerte de Lundeen fue confirmada en una publicación en las redes sociales de un amigo cercano.
Lundeen fue encontrada sin vida víctima de puñaladas a las 8:15 p.m. en la casa de la pareja en el Rancho Hope, en el área de Mariposa Drive de Santa Bárbara. Los oficiales habían sido llamados a la casa después de recibir un informe sobre un disturbio familiar. El sospechoso estaba en la propiedad cuando los oficiales respondieron a la escena donde fue asesinado a tiros.
El oficial de información pública de la Oficina del Sheriff del Condado de Santa Bárbara, el teniente Erik Raney, le dijo a KEYT-TV en Santa Bárbara que no había oficiales heridos y que había varios diputados involucrados en el tiroteo. Raney dijo: “No sabemos exactamente cuántos disparos se realizaron. Teníamos varios ayudantes que estuvieron involucrados en el tiroteo. Afortunadamente, todos nuestros oficiales están bien”. Según el protocolo estatal, los policías involucrados en el tiroteo serán puestos en licencia mientras se lleva a cabo una investigación.
Ronald DeFeo Jr. es llevado a juicio por los asesinatos de sus padres y cuatro hermanos en su casa de Amityville, Nueva York, el 14 de octubre de 1975. Más tarde se dijo que la casa de la familia estaba embrujada y sirvió de inspiración para varios libros y películas de horror.
DeFeo Jr.
En la noche del 13 de noviembre de 1974, Ronald “Butch” DeFeo Jr. entró en un bar de Amityville y le dijo a la gente que habían disparado a sus padres dentro de su casa. Varios clientes del bar acompañaron a DeFeo a la casa de su familia, en 112 Ocean Avenue, donde un hombre llamado Joe Yeswit llamó a la policía de Suffolk Country para denunciar el crimen. Cuando llegaron los agentes, encontraron los cuerpos de Ronald DeFeo Sr., de 43 años, su esposa Louise, de 42 años, y sus hijos Dawn, de 18 años, Allison, de 13 años, Marc, de 11, y John, de 9. Las víctimas habían sido asesinadas a tiros en sus camas Ronald DeFeo Jr., de 22 años, inicialmente intentó decir que los asesinatos fueron un golpe de la mafia; sin embargo, al día siguiente confesó haber cometido los crímenes él mismo.
Un aspecto del caso que desconcertó a los investigadores fue el hecho de que las seis víctimas parecían haber muerto mientras dormían, sin lucha, y los vecinos no escucharon ningún disparo, a pesar de que el rifle que DeFeo usó no tenía silenciador. Cuando el juicio de DeFeo comenzó en octubre de 1975, su abogado abogó por una defensa contra la locura; sin embargo, ese noviembre, fue declarado culpable de seis cargos de asesinato en segundo grado y luego sentenciado a seis sentencias consecutivas de 25 años a cadena perpetua. DeFeo, quien dio relatos contradictorios de su historia a lo largo de los años, luego afirmó que su hermana Dawn y otros dos cómplices estuvieron involucrados en los asesinatos.
La casa DeFeo fue vendida a George Lutz, quien se mudó con su esposa y sus tres hijos en diciembre de 1975. Los nuevos propietarios residieron en la casa durante 28 días, antes de huir, alegando que los espíritus de la familia DeFeo la perseguían.
Lutz
George Lutz aseguraba que se despertaba a las 3:15 de la mañana todas las mañanas, aproximadamente la hora cuando Ron DeFeo llevó a cabo sus asesinatos. La familia Lutz afirmó que olía olores extraños, observó sustancias verdes que brotaban de las paredes y cerraduras, y experimentó puntos fríos en ciertas áreas de la casa. Cuando un sacerdote vino a bendecir la casa, supuestamente escuchó una voz gritar “¡Fuera!” Le dijo a los Lutze que nunca durmieran en una habitación particular de la casa. Otras actividades paranormales expresadas por los Lutz: una puerta de garaje cercana que se abre y se cierra; un espíritu invisible golpeando un cuchillo en la cocina; una criatura parecida a un cerdo con ojos rojos mirando a George Lutz y a su hijo Daniel desde una ventana; George despertando con su esposa Kathy levitando fuera de su cama; hijos Daniel y Christopher también levitando juntos en sus camas. Después de contar su historia, George y Kathy Lutz realizaron una prueba de detector de mentiras para demostrar su inocencia. Ellos pasaron.
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La pareja estaba empantanada en asuntos legales y financieros, lo que llevó a los escépticos a creer que tenían motivos para crear una historia fantástica para vender al público. El ex abogado de Lutz, William Weber, quien se enfrentó con ellos por cuestiones de dinero, habló en público en 1979, alegando que a los tres se les ocurrió la historia de terror despues de una noche de muchas botellas de vino descorchadas.
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Su hijo Daniel Lutz, que vive en Queens, Nueva York, trabajando como albañil, afirma que la casa arruinó su vida y que sigue teniendo pesadillas hasta el día de hoy.
DeFeo Jr., hoy
Los críticos acusaron a George Lutz de inventar la historia para ganar dinero, pero sostuvo que estaba diciendo la verdad. En 1977, Jay Anson publicó una novela titulada The Amityville Horror. El libro se convirtió en un best-seller e inspiró una película de 1979 del mismo nombre, así como una nueva versión de 2005.
El asesino Ron DeFeo, que todavía está vivo y cumple seis sentencias de cadena perpetua de 25 años en un centro correccional de Nueva York, afirmó que escuchó voces que lo instaban a matar a su familia. Desde entonces ha cambiado su historia varias veces. DeFeo contrajo enlace tres veces tras las rejas. George Lutz y Kathy Lutz se divorciaron en 1980. Ella murió en el año 2004. Él falleció en 2006, víctima de un ataque cardíaco.
La famosa Casa Amityville se vendió oficialmente en febrero de 2017 a un propietario no revelado por $ 605,000, que fue $ 200,000 menos que el precio original solicitado. Anteriormente había sido propiedad de otras cuatro familias desde los asesinatos, uno de los cuales cambió la dirección a 108 Ocean Ave. (La casa originalmente se encontraba en 112 Ocean Ave.)
El 10 de octubre de 2004, el actor Christopher Reeve, que se hizo famoso por su papel protagonista en cuatro películas de Superman, muere de insuficiencia cardíaca a la edad de 52 años en un hospital cerca de su casa en el condado de Westchester, Nueva York. Reeve, que quedó paralítico en un accidente de equitación en 1995, fue uno de los principales defensores de la investigación de la médula espinal.
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Christopher Reeve nació el 25 de septiembre de 1952 en la ciudad de Nueva York y se graduó de la Universidad de Cornell y la Juilliard School. Hizo su debut en Broadway en 1976 en A Matter of Gravity, protagonizada por Katharine Hepburn. La obra, en principio planeada por seis semanas de teatro, duró varios meses en cartel.
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Robin Williams y Christopher Reeve eran tan buenos amigos, era como si fueran hermanos. Su conexión comenzó cuando estudiaron juntos en Juilliard en la década de 1970. A lo largo de los años, los dos hablaron, se rieron y se apoyaron mutuamente, particularmente cuando Reeve se volvió tetrapléjico debido a un accidente en 1995. En su autobiografía de 1998 Still Me, Reeve escribió: “Robin pudo compartir sus sentimientos reales conmigo, y yo siempre hice lo mismo con él. Esto se ha mantenido así durante veinticinco años “. Williams cubrió de sus propio bolsillo varios de los tratamientos de Reeve.
Su amistad perduró hasta la muerte de Reeve en 2004.
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El actor de 6’4″ (193 cm) saltó a la fama en 1978 cuando fue seleccionado entre otros 200 actores para el papel principal en Superman. Aunque interpretaría al héroe de acción en tres películas más, Reeve estaba decidido a “escapar de la capa” y evitar ser encasillado. Como resultado, asumió una variedad de roles en el escenario y la pantalla. Sus créditos cinematográficos incluyen Somewhere in Time (1980), Deathtrap (1983), The Remains of the Day (1993) y Village of the Damned (1995).
El 27 de mayo de 1995, Reeve, un atleta fuerte y un ávido jinete, quedó paralizado del cuello hacia abajo después de ser arrojado de su caballo y romperse el cuello durante una competencia ecuestre en Virginia. El actor se convirtió en un cruzado para las personas con lesiones de la médula espinal y también presionó para que el gobierno financiara la investigación con células madre embrionarias. Durante un discurso en los Premios de la Academia de 1996, Reeve instó a la comunidad de Hollywood a hacer más películas sobre temas sociales. Además de su trabajo de recaudación de fondos y defensa, Reeve escribió dos libros sobre sus experiencias de vida y continuó su carrera como actor. En 1997, hizo su debut como director con In the Gloaming de HBO, que fue nominado a cinco premios Emmy, y en 1999, protagonizó una nueva versión del thriller clásico de Alfred Hitchcock, Rear Window, y The Brooke Ellison Story, una película basada en un verdadero historia sobre el primer cuadripléjico en graduarse de la Universidad de Harvard.
En 2000, Reeve, quien mantuvo un régimen intensivo de fisioterapia desde el momento de su accidente, pudo mover su dedo índice. Dijo públicamente que estaba decidido a caminar de nuevo. En el obituario del New York Times de Reeve, uno de los médicos que lo atendió dijo: “Antes [de Reeve] realmente no había esperanza. Si tuviste una lesión en la médula espinal como la suya, no se pudo hacer mucho, pero él cambió todo eso, demostró que hay esperanza y que hay cosas que se pueden hacer “.
Dos profesionales del séptimo arte categorizados como actores del “método” en el mismo set. En el medio, el director de “Joker” (El Guasón) Todd Phillips. Este reveló que hubo una pequeña tensión entre las estrellas Joaquin Phoenix y Robert De Niro durante el desarrollo de su drama inspirado en el legendario villano vinculado al cómic de Batman. Según el director de “Joker”, Phoenix y De Niro no estuvieron de acuerdo sobre el proceso de ensayo antes de que comenzara el rodaje. De Niro se mostró inflexible al leer el guión con el elenco y el equipo, pero a Phoenix no le gustó ese proceso y trabaja más en el momento en el set, tratando de ver como se desarrlollan las cosas.
Max Cady (DeNiro)The Joker (Phoenix)Travis Bickle (DeNiro)
“Para mí, siempre pensé que actuar debería ser como un documental”, dijo Phoenix a la prensa sobre su estilo de actuación. “Que deberías sentir lo que sea que estés sintiendo, lo que creas que está pasando el personaje en ese momento”.
Phoenix tiene un estilo de actuación de “deja que suceda con naturaleza”, mientras que De Niro cree que el trabajo de preparación es un proceso estándar. Phillips dijo: “Bob me llamó y me dijo: ‘Dile que es actor y que debe estar allí, me gusta escuchar toda la película, y todos vamos a entrar en una habitación y leer el guión’. Estoba en medio de fuego cruzado porque Joaquín dice: “No hay forma de que haga una lectura”, y Bob dice: “Hago lecturas antes de disparar, eso es lo que hacemos los actores”.
Phoenix fue persuadido para unirse al ensayo de lectura, que tuvo lugar en las oficinas de De Niro en Manhattan. Tal como Phillips lo recuerda, Phoenix “murmuró el guión y luego se fue a un rincón a fumar”. Cuando De Niro solicitó hablar cara a cara Phoenix en su oficina personal, Phoenix se negó. “[Joaquín está] delante de Bob, y él dice:” No puedo, tengo que irme a casa “, dijo Phillips,” porque se sintió enfermo después de esa lectura, no le gustó “.
Los dos actores finalmente resolvieron sus problemas, con De Niro besando a Phoenix en la mejilla y diciéndole: “Todo va a andar muy bien”. Phillips calificó la reconciliación entre sus actores como “hermosa”. Mientras hablaba con la prensa, Phoenix dijo que los dos actores rara vez conversaban en el set durante la realización de la película.
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“No me gustaba hablar con él en el set”, dijo Phoenix. “El primer día dijimos buenos días, y más allá de eso, no sé si hablamos mucho”.
De Niro agregó: “Su personaje y mi personaje, no necesitábamos hablar de nada. Simplemente decimos: ‘Haz el trabajo. Se relacionan como los personajes entre sí “. Lo hace más simple y no [hablamos]. No hay razón para hacerlo “. A pesar de esto, Phoenix emite solo elogios para su co-estrella. “Él es mi actor favorito”, Phoenix aseguró sobre De Niro. “Tuve la impresión de que hizo cosas en [una] escena, ciertos comportamientos, ciertos gestos o movimientos, si la cámara estaba sobre él o no”.
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Incluso Phoenix comentó que en esta última cinta, se nutrió de personajes como Travis Bickle de Taxi-Driver o Max Cady de Cabo de Miedo para dar vida a “Joker”.
La película ya ha sido considerada una “obra maestra” sorprendiendo, ya que se trata del desprendimiento de un personaje de reparto de un comic. Algunos tambén se muestran escépticos con esta pelea, que podría ser además un truco publicitario. Phoenix, tiempo atrás, desapareció durante un año del ojo público, aunque esto se trató de parte de la preparación y promoción de otra producción cinematográfica.
En “Joker”, Phoenix protagoniza el personaje principal, mientras que De Niro interpreta a un presentador de televisión nocturno que Joker idolatra. La película se estrenará en Estados Unidos el 4 de octubre.
El 2 de octubre de 1985, el actor Rock Hudson, de 59 años, se convierte en la primera gran celebridad estadounidense en morir por complicaciones del SIDA. La muerte de Hudson aumentó la conciencia pública sobre la epidemia, que hasta ese momento había sido ignorada por muchos en la corriente principal como una “plaga gay”.
Hudson, nacido Leroy Harold Scherer Jr., el 17 de noviembre de 1925, en Winnetka, Illinois, era un rompecorazones de Hollywood cuya carrera en el cine y la televisión abarcó casi tres décadas. Con buena apariencia de protagonista, Hudson interpretó numerosos dramas y comedias románticas en los años 50 y 60, incluyendo Magnificent Obsession, Giant y Pillow Talk. En la década de 1970, encontró el éxito en la pantalla chica con series como McMillan y Wife. Para proteger su imagen machista, la vida fuera de la pantalla de Hudson como hombre gay se mantuvo en secreto del público.
En 1984, mientras trabajaba en el programa de televisión Dynasty, Hudson fue diagnosticado con SIDA. El 25 de julio de 1985, reconoció públicamente que tenía la enfermedad en un hospital de París, donde había ido a buscar tratamiento. La noticia de que Hudson, un ícono internacional, tenía el SIDA concentró la atención mundial en la enfermedad y ayudó a cambiar las percepciones públicas de la misma.
Los primeros casos de SIDA se informaron en 1981 y las primeras víctimas fueron hombres homosexuales que a menudo enfrentaban hostilidad y discriminación públicas. Como los científicos y los funcionarios de atención médica solicitaron fondos para combatir la enfermedad, el presidente Ronald Reagan y su administración los ignoraron en gran medida. Rock Hudson era amigo de Reagan y se decía que su muerte había cambiado la visión del presidente sobre la enfermedad. Sin embargo, Reagan fue criticado por no abordar el tema del SIDA en un discurso público importante hasta 1987; Para entonces, más de 20,000 estadounidenses ya habían muerto de la enfermedad y se había extendido a más de 100 países.
Algunos afirmaron que bebía en exceso; otros que exceso era una palabra demasiado suave para describir su adicción. Hubo un sentimiento generalizado de que podía ser voluntario, testarudo, difícil, violento, peligroso, inmanejable y poco confiable. Si hubiera sido acusado de esa lista de discapacidades, él era el tipo de hombre que se reía y gruñía y decía: “Por supuesto, pero ¿qué esperas de un actor serio?” Era serio y de aspecto severo, pero también tenía un tono cómico triste. George C. Scott era alto, moreno y guapo, con la mirada de un águila: era físicamente mucho más dominante que el general George Patton, el papel con el que siempre estará asociado. Tenía autoridad innata, inteligencia, una voz fina y algo que uno debía llamar pasión. Tenía solo tres años menos que Marlon Brando y, sin embargo, estaba tan dotado como Brando para desafiar los grandes papeles clásicos en el escenario. Era impresionante como Antony y Shylock, pero debería haber habido más. Pudo haber sido un gigante, y parecía en años posteriores que estaba herido por haber dejado caer sus grandes dones.
Mucho antes del final, una reputación rebelde había afectado el trabajo disponible para él. A fines de los años setenta y ochenta, se había convertido en un gran actor desvaído, a veces en el escenario o en el cine, pero con mayor frecuencia en películas de televisión y especiales. Aunque, 25 años antes, después de que el valiente y realista East Side / West Side (en el que interpretaba a un trabajador social idealista) había fallado, había jurado que nunca volvería a hacer una serie de televisión.
Era un hombre de votos sinceros y posturas comprometidas; después de todo, estuvo casado cinco veces, siempre con actrices, con quienes tuvo cinco hijos. Dos de estos matrimonios fueron con Colleen Dewhurst, quien lo hizo parecer más grande que la vida. Por algún dulce misterio, su hijo, Campbell Scott, resultó ser un actor extraordinariamente sutil y delicado.
George C. Scott
Profesion: Actor
Nacionalidad: Estados Unidos de América
americano
Las mejores películas: Patton, The Hospital y 12 Angry Men.
Nacido: 18 de octubre de 1927
Lugar de nacimiento: Wise, Virginia, EE. UU.
Murió: 22 de septiembre de 1999 (71 años)
Causa de la muerte: ruptura de un aneurisma aórtico abdominal
Scott nació en Wise, Virginia, y se crió en el área de Detroit, Michigan. En el último año de la guerra, ingresó en el Cuerpo de Marines y sirvió cuatro años. Luego fue a la Universidad de Missouri, donde estudió inglés y teatro. Fue solo entonces que vio la actuación como una posible carrera.
En 1956, tuvo un notable éxito interpretando a Ricardo III para el Festival de Shakespeare de Nueva York. Durante varios años estuvo activo en producciones fuera de Broadway; estaba en un renacimiento de Los hijos de la oscuridad de Edwin Justus Mayer (1958), con Colleen Dewhurst, e interpretó al juez defensor en el juicio de Andersonville (1959).
Con Marlon Brando en LA FÓRMULA
Muy pronto fue reclutado para la televisión y el cine. En 1958, interpretó a Sydney Carton en una producción de A Tale of Two Cities, y al año siguiente debutó en la pantalla grande como el villano en uno de los últimos westerns de Gary Cooper, The Hanging Tree. Al mismo tiempo, era rival para el astuto abogado del país de James Stewart, interpretando al fiscal de Lansing, en Anatomía de un asesinato de Otto Preminger (1959). Su silencios parecían latigazos en esa película, su cortesía helada y la competitividad letal lo hicieron parecer un veterano en medio de un elenco muy experimentado.
Pero eso no fue nada comparado con su gángster de la sala de billar en The Hustler (1961) de Robert Rossen, un hombre cuya repugnante explotación de los demás nunca oculta su inteligencia. Hay un momento en esa película, durante el primer gran partido entre Paul Newman y Jackie Gleason, cuando Scott mira al personaje de Newman y lo llama “un perdedor” con una finalidad tan decisiva que su juego comienza a desmoronarse.
Scott obtuvo nominaciones al Oscar como actor de reparto por Anatomy of a Murder y The Hustler (la vergonzosa historia tiene que admitir que Hugh Griffith ganó por Ben-Hur y George Chakiris por West Side Story en los años correspondientes, un momento en el que Scott podría haber aceptado La estatuilla).
Era una estrella, pero no siempre muy sensible en los años de gloria. En Broadway, apareció en The Little Foxes (1967) y en los tres papeles masculinos en Neil Simon’s Plaza Suite (1968), este último un gran éxito. En televisión, fue el policía del sacerdote de Olivier en una versión de The Power and the Glory (1961) de Graham Greene. Luego, después de East Side / West Side, interpretó el papel principal en las versiones televisivas de dos obras de Arthur Miller, The Crucible (1967) y The Price (1971). Este último le ganó un Emmy, pero rechazó el premio.
En el cine, sus papeles fueron más allá de una explicación fácil. Estaba en La coja de John Huston, The List of Adrian Messenger (1963); fue una de las muchas estrellas en The Yellow Rolls-Royce (1964); pero fue brillante y divertido como el general “Buck” Turgidson, obsesionado con sus fluidos corporales, en el Dr. Strangelove (1964) de Stanley Kubrick. Él fue Abraham en La Biblia de Huston (todo el tiempo enamorado de su Sarah, Ava Gardner). Estaba en una fatigada comedia romántica, ¡No con mi esposa, tú no! (1966), pero fue muy inteligente interpretando a un tramposo en The Flim-Flam Man (1967).
Eventos en la vida de George C. Scott
1964-01-29 “Dr Strangelove”, dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Peter Sellers y George C. Scott.
1970-02-04 “Patton” dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizada por George C. Scott se estrena en Nueva York.
1984-12-18 “A Christmas Carol” dirigida por Clive Donner protagonizada por George C. Scott se estrena en los Estados Unidos
1985-11-24 Miniserie de NBC “Mussolini: The Untold Story” protagonizada por George C. Scott se estrena en los Estados Unidos
Luego vino su mejor trabajo como protagonista en películas: era el hombre divorciado enamorado de Petulia (1968), la película que estableció su estatus como una figura de gran talento. Dos años después, para Franklin Schaffner, fue Patton, el controvertido general de la Segunda Guerra Mundial. Fue una gran parte, muy bien escrita por Francis Ford Coppola y Edmund H North.
Cuando fue nominado como mejor actor, pidió que la reunión de los premios de la Academia fuera clausurada. De hecho, había hecho la misma solicitud en el momento de la nominación de The Hustler. Algunos dijeron que había estado tan decepcionado por no haber ganado Anatomy of a Murder que se sintió agriado por todo el negocio de los premios. Scott dijo que la carrera de los Oscar fue “ofensiva, bárbara e innatamente corrupta”. Le dijo a la Academia que no asistiría a los premios de 1970, y hubo una controversia por adelantado, coronada por “¡Oh, Dios mío! ¡El ganador es George C Scott!” cuando ella abrió el sobre. Brando envió a una “doncella india” dos años más tarde, para declinar en su nombre, pero eso fue por otros motivos políticos. Scott fue el primero en hacer una desautorización tan completa del concurso. Fue honrado por eso, pero nadie que lo conociera pensó menos en su impulso competitivo.
Scott en DR. STRANGELOVE
Interpretó a Rochester junto a Jane Eyre (interpretada por )Susannah York, y también en 1971, fue el excéntrico que cree ser Sherlock Holmes en They Might Be Giants de Anthony Harvey (con Joanne Woodward como su Watson). Esa película podría haberse derrumbado fácilmente como una fantasía pretenciosa. Pero el proyecto aún hoy sigue siendo suavemente cómico debido al fiel trastorno y vueltas de tuerca de los vuelos mercuriales en la actuación de Scott. La película no fue un éxito, pero nunca fue más eléctrico o trágico, y el papel muy complicado requirió un actor de refinamiento incuestionable. El mismo año, fue nominado una vez más como mejor actor para The Hospital, dirigido por Arthur Hiller y escrito por Paddy Chayefsky, donde es el último portavoz del orden humano en un sistema que se está desmoronando. Raramente el noble agotamiento y el idealismo demente se transmiten mejor en la película.
Terminaron su tercer y cuarto matrimonio (1960-65 y 1967-72), ambos con Colleen Dewhurst. Se casó por quinta vez con una actriz aparentemente más flexible, Trish Van Devere. Sin embargo, por dentro parecía volverse más salvaje o más difícil de contener. En 1970, dirigió The Andersonville Trial para televisión, y en 1972 dirigió y protagonizó la película Rage (sobre un ranchero que busca vengarse del estúpido sistema). Luego, en 1974, dirigió The Savage is Loose (un melodrama que involucra incesto). Ambas películas fracasaron, y Scott quedó amargado: siempre se había enorgullecido de sus habilidades y conocimientos más allá de los de la mayoría de los actores. Pero en el mismo período, hizo un trabajo notable en el escenario: Astrov en Tío Vanya (1973); Willy Loman en un renacimiento de La muerte de un vendedor (1975); y otro triunfo cómico rico como Foxwell J Sly en la reelaboración de Volpone de Larry Gelbart, Sly Fox (1976).
Sin embargo, su actuación en películas comenzó a declinar. Tuvo una gran escena suicida como policía en The New Centurions (1972); fue divertido en Oklahoma Crude (1973), un western moderno sobre el petróleo; habló con credibilidad a los delfines en El día del delfín (1973); e hizo un intento respetable de ser Hemingway en la película de Schaffner Islands in the Stream (1977). Pero la mayoría de sus películas fueron intrascendentes.
La última gran prueba de Scott fue el padre calvinista que persigue a su hija fugitiva en el mundo del cine pornográfico en Hardcore (1979) de Paul Schrader. Su actuación fue errática; a veces parecía aburrido o perdido, pero el momento en que tiene que ver una película de su hija en acciones pornográficas fue desgarrador.
Después de eso, sus películas fueron más allá de la rima o la razón: The Changeling (1980); La fórmula (1980); otro comandante militar en Taps (1981); Firestarter (1984); Exorcista III (1990); y un papel secundario en Malicia (1993). Tuvo mejores oportunidades en televisión donde interpretó a Fagin en Oliver Twist (1982); Scrooge en A Christmas Carol (1984); il Duce en Mussolini: La historia no contada (1985); y una triste repetición de la vieja gloria en The Last Days of Patton (1986). Fue perseguido por una enfermedad e incluso cuando tuvo un éxito en Broadway y una nominación a Tony, en un resurgimiento de Inherit the Wind (1996), se perdió muchas actuaciones de su propio programa.
Quizás Scott era su peor enemigo, pero era un luchador y un actor de raro coraje. La gente todavía habla sobre la desastrosa producción de A Three Studio de The Three Sisters, en Londres, en la que Scott interpretó a Vershinin. Los críticos fueron despiadados. Al día siguiente, el director y el jefe del estudio, Lee Strasberg, reunieron al elenco para decirles que las críticas eran correctas. Strasberg Comenzó una diatriba contra su propio elenco. Pero Scott se puso de pie, se enfrentó al gran maestro de la actuación estadounidense y lo silenció con un discurso colorido y violento sobre asumir la responsabilidad del director. Luego, se dice, se fue a emborrachar con Ava Gardner. Era tan dominante, pero también era un paria.
Durante demasiado tiempo, las contribuciones de las mujeres a la historia han sido marginadas, disminuidas y descartadas. Pero estas mujeres influyentes en la historia son imposibles de ignorar. Desde una científica en África hasta una de las primeras actrices más queridas de la historia, estas mujeres dejaron su huella en el mundo.
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Benazir Bhutto
Fue la primera mujer en convertirse en la
primera ministra de una nación musulmana.
Fue noticia en todo el mundo cuando ganó
las elecciones de 1988 en Pakistán. Bhutto
demostró ser una figura valiente y resistente
en una nación marcada por golpes militares
sangrientos.
Amelia Boynton Robinson
Como parte del grupo que dirigió el Movimiento de
Derechos Civiles de Estados Unidos que tuvo lugar
en Selma, Alabama, Robinson desempeñó un papel
importante en la marcha del Domingo Sangriento
en 1965. Recibió la medalla de Libertad Martin
Luther King Jr. en 1990.
Elizabeth Blackwell
Elizabeth Blackwell es la primera mujer en la historia
de los Estados Unidos en recibir un título médico.
También es considerada la pionera de la educación
de la mujer en el campo de la medicina en todo el
país. Además, es la primera mujer en aparecer en
el Registro Médico del Reino Unido.
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Ellen Johnson-Sirleaf
Actualmente presidenta de Liberia, Johnson-Sirleaf
es la primera mujer en la historia en ser elegida Jefa
de Estado en África. Junto con Leymah Gbowee y
Tawakel Karman, recibió el Premio Nobel de la
Paz en 2011.
Meryl Streep
Ampliamente considerada como la mejor actriz de
La historia de Hollywood, Meryl Streep ha sido
nominada al Oscar a la mejor actriz 15 veces
y ganó el codiciado premio tres veces. la
Actriz, recordada por sus papeles en películas
como Sophie’s Choice y The Iron Lady, recibió
la Medalla Presidencial de la Libertad en 2014.
Sirimavo Bandaranaike
Sirimavo Bandaranaike creó una historia al convertirse
en la primera mujer jefa de gobierno en Sri Lanka.
Dirigió el partido Freedom de Sri Lanka durante
mucho tiempo y tuvo un gran impacto durante su
tiempo como Primer Ministro de Sri Lanka.
Para algunos paises es el día martes, pero hoy en día, las personas de la mayor parte el mundo se sentirán incómodas por tener que levantarse de la cama, abandonar sus hogares o realizar sus rutinas diarias normales, todo debido a una superstición. Estas personas desafortunadas sufren de Parascevedecatriafobia, una neurosis común que todos conocemos: el temor del viernes 13. Pero, ¿de dónde vino esta asociación supersticiosa y cómo se desarrolló?
La verdad es que nadie está absolutamente seguro de dónde se originó la idea de que el viernes 13 tuvo mala suerte. Donald Dossey, el fundador del Stress Management Center y el Instituto de Fobia en Asheville, Carolina del Norte, sospecha que el miedo se remonta a un mito nórdico sobre 12 dioses que cenaron en Valhalla, el legendario salón donde los legendarios héroes nórdicos festejaron por la eternidad después de que murieron, eso fue interrumpido por un decimotercer invitado, el dios malvado y malvado Loki.
Según la leyenda, Loki engañó a Höðr (el dios ciego del invierno y el hijo de Odin, el dios supremo en la mitología nórdica) para disparar a su hermano Baldr (el dios benévolo del verano que también era un hijo de Odin) con una lanza mágica con punta de lanza. muérdago, la única sustancia que podría derrotarlo. Así, el número 13 fue calificado como desafortunado debido al ominoso período de luto tras la pérdida de tales dioses poderosos por este noveno invitado no deseado.
Por cualquier razón, entre muchas culturas, el número 12 surgió a lo largo de la historia como un número “completo”: hay 12 meses en un año, 12 signos del zodíaco, 12 dioses del Olimpo, 12 hijos de Odín, 12 labores de Hércules, 12 Jyotirlingas o santuarios hindúes donde se adora a Shiva, 12 sucesores de Muhammad en el Islam chiíta y 12 tribus de Israel. En el cristianismo, Jesús fue traicionado por uno de sus 12 apóstoles, Judas, que fue el decimotercer invitado en llegar a la Última Cena. Superar el número 12 aparentemente desequilibra la naturaleza ideal de las cosas; Debido a que se considera irregular e irrespetuoso con el sentido de la perfección, el número 13 tiene el estigma de la desgracia y la mala suerte que conocemos hoy en día.
¿Y el viernes? El viernes se une a la mezcla principalmente porque todos los primeros relatos de la crucifixión de Jesús están de acuerdo en que tuvo lugar el viernes, el día normal de las crucifixiones en Roma. Como Chaucer señaló en The Canterbury Tales, “Y un viernes cayó toda esta desgracia”. Sin embargo, perpetuar el viernes como un día de mala suerte en Estados Unidos vino de la tradición estadounidense de finales del siglo XIX de llevar a cabo todas las ejecuciones los viernes; El viernes 13 se convirtió en el día más desafortunado simplemente porque combinaba dos supersticiones distintas en una. De acuerdo con el Oxford Press Press Dictionary of Superstitions, la primera referencia al viernes 13 en sí no fue hasta 1913. (A pesar de que en realidad ocurrió el viernes 13 de octubre de 1307, la idea popular de que el viernes 13 es el estigma proviene de la fecha en la cual la famosa orden de los Caballeros Templarios fue anulada por el rey Felipe de Francia es solo una coincidencia.)
Las repercusiones de estas fobias repercutieron en la cultura estadounidense, particularmente en el siglo XX. La mayoría de los rascacielos y hoteles carecen de un piso 13, lo que se debe específicamente a la tendencia de los edificios de la ciudad de Nueva York a principios de 1900 a omitir el número de mala suerte (aunque el Empire State Building tiene un piso 13). Algunas direcciones de calles también omiten del 12 al 14, mientras que los aeropuertos pueden omitir la 13ª puerta. Al parecer, las populares películas del viernes 13 fueron llamadas así solo para sacar provecho de este reconocimiento de fecha amenazante, no porque los realizadores realmente creyeran que la fecha fuera desafortunada.
Entonces, ¿el viernes 13 es realmente desafortunado? A pesar de los siglos de comportamiento supersticioso, en gran parte parece psicológico jumbo. Un estudio de 1993 pareció revelar que, estadísticamente hablando, el viernes 13 es desafortunado, pero los autores del estudio dijeron a LiveScience que, aunque los datos eran precisos, “el documento fue muy divertido y no se lo debe tomar en serio”. Otros estudios no han demostrado una correlación entre cosas como el aumento de accidentes o lesiones y el viernes 13.
Y el viernes 13 no es un gran problema en otras culturas, que tienen sus propios días desafortunados: los griegos y los países de habla española consideran que el martes 13 es el día más desafortunado, mientras que los italianos se mantienen alejados del viernes 17. Así que en trece días, el pr◙ximo viernes 13, trata de descansar un poco: Puede que no sea tan desafortunado. Después de todo, el descanso del fin de semana está a la vuelta de la esquina, a menos que seas planero o político, quienes nunca trabajan.
Lucille Desiree Ball, una de las pelirrojas más queridas del mundo del espectáculo de los Estados Unidos, nace el 6 de agosto de 1911 cerca de Jamestown, Nueva York.
A los 15 años, Ball fue a la ciudad de Nueva York para asistir a la escuela de teatro y convertirse en actriz. Sin embargo, recibió poco aliento y fue rechazada varias veces por las líneas de coro de Broadway. Después de trabajar como camarera y trabajar como modelo de sombreros, Ball fue contratada en 1933 como la chica de cigarrillos de Chesterfield. Alrededor de este tiempo, ella comenzó a interpretar papeles en películas de Hollywood. Pasó a papeles principales en docenas de películas B a fines de la década de 1930 y 1940. En 1940, Ball conoció al líder de la banda cubana Desi Arnaz mientras filmaba Too Many Girls y la pareja pronto se fugó.
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De 1947 a 1951, Ball interpretó a una esposa tonta en el programa de radio My Favorite Husband (Mi Esposo Favorito). Cuando CBS decidió lanzar la popular serie en el relativamente nuevo medio de televisión, Lucy insistió en que Arnaz fuera elegida como su esposo en la versión para televisión. Los ejecutivos de la red inicialmente discutieron contra la idea, argumentando que nadie creería que la pareja estaba casada. Sin embargo, Ball y Arnaz finalmente fueron elegidos como Lucy y Ricky Ricardo en I Love Lucy, que se emitió de 1951 a 1957 y se convirtió en una de las comedias de televisión más populares de la historia. Ella era Lucy Ricardo es la loca esposa del director de banda cubano Ricky Ricardo.
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Según el obituario de Ball en The New York Times: “Fue un evento nacional importante cuando, el 19 de enero de 1953, Lucy Ricardo dio a luz a Little Ricky en el aire la misma noche que Lucille Ball dio a luz a su segundo hijo, Desiderio Alberto Arnaz y de Acha 4to. La audiencia para el episodio se estimó en 44 millones, un récord en ese momento, y CBS dijo que 1 millón de televidentes respondieron con llamadas telefónicas de felicitación, telegramas, cartas o regalos “.
El éxito de I Love Lucy convirtió a la compañía de producción de la pareja, Desilu, en un negocio multimillonario. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, y su colaboración profesional también terminó. Arnaz murió en 1986. Ball también protagonizó varios otros programas de “Lucy”, incluyendo The Lucy Show, que se estrenó en 1962 y funcionó durante seis temporadas, y Here’s Lucy, en la que protagonizó con sus dos hijos; el programa se canceló en 1974. Un programa posterior, Life with Lucy, con Lucy como abuela, se canceló después de solo ocho episodios en 1986. Ball murió a los 77 años el 26 de abril de 1989. En 2001, el Servicio Postal de los Estados Unidos la honró con un sello conmemorativo.
El 5 de agosto de 1962, la actriz de cine Marilyn Monroe es encontrada muerta en su casa en Los Ángeles. Fue descubierta acostada desnuda en su cama, boca abajo, con un teléfono en una mano. Botellas vacías de píldoras, recetadas para tratar su depresión, estaban esparcidas por la habitación. Después de una breve investigación, la policía de Los Ángeles concluyó que su muerte fue “causada por una sobredosis autoadministrada de drogas sedantes y que el modo de muerte es un suicidio probable”.
Marilyn Monroe nació Norma Jean Mortenson en Los Ángeles el 1 de junio de 1926. Su madre era emocionalmente inestable y frecuentemente estaba confinada en un asilo, por lo que Norma Jean fue criada por una sucesión de padres adoptivos y en un orfanato. A los 16 años, se casó con un compañero de trabajo en una fábrica de aviones, pero se divorciaron unos años más tarde. Comenzó a modelar en 1944 y en 1946 firmó un contrato a corto plazo con 20th Century Fox, tomando como su nombre de pantalla Marilyn Monroe. Tuvo algunas partes pequeñas y luego volvió al modelaje, y posó desnuda para un calendario en 1949.
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Comenzó a llamar la atención como actriz en 1950 después de aparecer en papeles menores en The Asphalt Jungle y All About Eve. Aunque solo estaba en pantalla brevemente interpretando a una amante en ambas películas, el público tomó nota de la bomba rubia y ganó un nuevo contrato de Fox. Su carrera como actriz comenzó a principios de la década de 1950 con actuaciones en Love Nest (1951), Monkey Business (1952) y Niagara (1953). Celebrada por su voluptuosidad y encanto de ojos abiertos, ganó fama internacional por sus papeles de símbolo sexual en Gentlemen Prefer Blondes (1953), How to Marry a Millionaire (1953) y There’s No Business Like Show Business (1954). The Seven-Year Itch (1955) mostró su talento cómico y presenta la escena clásica en la que se para sobre una rejilla del metro y hace que su falda blanca se levante por el viento de un tren que pasa. En 1954, se casó con el gran jugador de béisbol Joe DiMaggio, atrayendo más publicidad, pero se divorciaron ocho meses después.
En 1955, estudió con Lee Strasberg en el Actors Studio en la ciudad de Nueva York y, posteriormente, tuvo una gran actuación como una desventurada artista en Bus Stop (1956). En 1956, se casó con el dramaturgo Arthur Miller. Hizo de The Prince and the Showgirl, un fracaso crítico y comercial, con Laurence Olivier en 1957, pero en 1959 dio una actuación aclamada en la exitosa comedia Some Like It Hot. Su último papel, en The Misfits (1961), fue dirigido por John Huston y escrito por Miller, de quien se divorció solo una semana antes del estreno de la película.
Muy atrás, en tiempos de inocencia quedó su apogeo cinematográfico y la lucha junto a su pareja sentimental ARMANDO BÓ, contra la férrea censura a lo que en mayoría queríamos ver y no nos dejaban porque “estaba prohibido”. Pasaron los años y ya adulto, en la década de los 80 siendo segundo Jefe de la Brigada de Investigaciones Tigre, debí contactarme con HILDA ISABEL GORRINDO SARLI quien había cumplido algo más de 50 años de edad y que permanecía casi recluida en su casa de la localidad de Martínez. Allí vivía con su familia del corazón, sus animalitos rescatados y numerosas imágenes de ARMANDO, fallecido un par de años antes. Como símbolo sexual de una época estaba asustada y dormía con un martillo debajo de la almohada, al tiempo que alguien la acosaba por vía telefónica. Para su tranquilidad, le regalé un Spray de gas pimienta con el que suplantó el martillo y con amigos de la empresa telefónica, en 24 horas ubicamos el domicilio de quien la hostigaba permanentemente. Un día después, teníamos alojado en un calabozo por doble A (Averiguación de Antecedentes) a su “obsesivo admirador”, hombre de poco más de 30 años de edad, de buena presencia física y posición social. Antes de cumplirse los tiempos legales de la época (24 horas) y emocionalmente desmoronado por su permanencia en un territorio poco amigable, tuvimos una charla con pormenores fetichistas que hubieran sido ideales para el análisis de un psiquiatra. Voluntariamente se deshizo de su colección de imágenes eróticas de la señora SARLI, junto a su promesa de no volver a molestarla nunca más. El hombre cumplió cabalmente, solucionándose el problema en forma más que discreta. Tiempo después ISABEL SARLI, colaboró concurriendo a eventos destinados a recaudar fondos para las castraciones de perros y gatos en San Isidro y Tigre, organizados por JUANITA MARTINEZ (su gran amiga), cónyuge del actor cómico JOSÉ MARRONE y mi esposa. ISABEL ,sencilla, recatada y de muy buenos sentimientos, alternaba y conversaba amigablemente con las asistentes despertando solo afectos. Su desaparición como antes fue la de JOSÉ Y JUANITA marcaron una época que no volverá. En ella su protagonismo mezclaba el misterio de lo prohibido y lo erótico en una sociedad que comenzaba a perder su inocencia.
“Nada de lo que fue vuelve a ser, y las cosas y los
hombres y los niños no son lo que fueron un día.
¡Qué horror y qué tristeza, la mirada del niño que
perdimos!”
Norma Jeane Mortenson, que será conocida en todo el mundo como la glamorosa actriz y símbolo sexual Marilyn Monroe, nace el 1 de Junio en 1926, en Los Ángeles, California. Más tarde le dieron el nombre de su madre y la bautizaron Norma Jeane Baker.
Después de una tumultuosa infancia, tanto las abuelas maternas como su madre estaban internadas en instituciones mentales, y ella vivía con una serie de familias temporarias, Norma Jeane se casó con uno de sus vecinos, James Dougherty, cuando tenía 16 años. Más tarde el se unió a los Marines y Fue enviado al Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. Una fotógrafa “descubrió” a la fotogénica Norma Jeane cuando trabajaba en una fábrica de municiones de California, y pronto se lanzó a una exitosa carrera como modelo. Se divorció de Dougherty en junio de 1946 y poco después firmó un contrato de cine con 20th Century Fox.
Al comienzo de su carrera como actriz, Norma Jeane se tiñó de rubio castaño y volvió a cambiar su nombre, llamándose a sí misma Marilyn Monroe (Monroe era el apellido de su abuela). Después de una pequeña parte en The Shocking Miss Pilgrim en 1947, tuvo una serie de papeles olvidables antes de conseguir un lugar en la película de suspenso de John Huston, The Asphalt Jungle (1950). Ese mismo año, también llamó la atención por su trabajo en All About Eve, protagonizada por Bette Davis. Sin embargo, su verdadera actuación sobresaliente se produjo en Niagara (1953), un thriller en el que Monroe interpretó a una joven adúltera que conspiraba con su amante para asesinar a su marido.
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Después de protagonizar giros en Gentleman Prefer Blondes y Cómo casarse con un millonario, ambos también lanzados en 1953, Monroe estaba en la cima de la lista A de Hollywood. En enero de 1954, se casó con el gran jugador de béisbol Joe DiMaggio en el ayuntamiento de San Francisco después de un romance de dos años. Aunque la prensa aclamó su relación como el romance por excelencia de los estadounidenses, los problemas comenzaron a surgir casi de inmediato. DiMaggio estaba notoriamente incómodo con la sexy imagen pública de su nueva esposa, y su gran popularidad, como lo demuestra el alboroto entre los militares de Estados Unidos estacionados en Corea durante una actuación que dio en medio de la luna de miel de la pareja. Se divorciarían ese octubre, después de solo nueve meses de matrimonio, pero seguían siendo buenos amigos. (Después de la muerte de Monroe, DiMaggio envió rosas a su tumba varias veces por semana durante más de tres décadas, hasta su propia muerte en 1999).
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Monroe intentó cambiar a roles de actuación más serios, estudiando en el prestigioso Actors ’Studio en Nueva York. Obtuvo críticas positivas por su trabajo más matizado en Bus Stop (1956), The Prince and the Showgirl (1957) y particularmente Some Like It Hot (1959). Sin embargo, para 1961, los problemas en la vida personal de Monroe —su tercer matrimonio, con el aclamado dramaturgo Arthur Miller, disuelto después de cuatro años— la habían llevado a aumentar su fragilidad emocional, y ese año fue ingresada en dos ocasiones en hospitales para observación psiquiátrica y descanso. Su última película fue The Misfits (1961), escrita por Miller y coprotagonizada por Montgomery Clift y Clark Gable (también sería la última aparición de Gable en la pantalla). En junio de 1962, Fox despidió a la actriz después de ausencias repetidas y prolongadas del set de Something’s Got to Give. El 5 de agosto de 1962, Monroe fue encontrada muerta por una sobredosis de barbitúricos en su casa de Brentwood, California. Ella tenía 36 años.
En un día como hoy en 1998, el legendario cantante, actor e ícono del espectáculo Frank Sinatra muere de un ataque al corazón en Los Ángeles, a la edad de 82 años.
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Sinatra surgió de una familia italoamericana en Hoboken, Nueva Jersey, para convertirse en la primera superestrella moderna de la música popular, con una carrera que abarcó más de cinco décadas. En la primera etapa de su carrera como cantante, fue un maestro de las baladas románticas populares durante la Segunda Guerra Mundial. Después de que su atractivo comenzara a decaer a fines de la década de 1940, Sinatra se reinventó a sí mismo como un swinger suave con un estilo de canto más áspero y cansado del mundo, y comenzó una reaparición espectacular en la década de 1950.
Además de su gran éxito musical, Sinatra apareció en 58 películas; Uno de sus primeros años fue Anchors Aweigh (1945). Interpretando a un arrogante soldado italiano-estadounidense que se encuentra con una muerte violenta en From Here to Eternity (1953), coprotagonizada por Burt Lancaster y Montgomery Clift, Sinatra ganó un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto. Su carrera cinematográfica floreció después de eso, cuando interpretó a Nathan Detroit en la película musical Guys and Dolls (1955) y interpretó a un adicto a la heroína en The Man With the Golden Arm (1955), por la cual fue nominado al Oscar al Mejor Actor. . También protagonizó los musicales High Society (1956) y Pal Joey (1957) y realizó una actuación memorable como investigador del Ejército en la aclamada película The Manchurian Candidate (1962).
A fines de la década de 1950, Sinatra se había convertido en el epítome del éxito del mundo del espectáculo y la masculinidad ruda y glamorosa. Incluso dirigió su propio séquito, conocido como Rat Pack, que incluía a Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop. El grupo se formó originalmente alrededor de Humphrey Bogart, quien murió en 1957. El Rat Pack apareció por primera vez juntos en la pantalla grande en el casino de 1960, el Ocean’s Eleven. Continuaron para hacer el sargento Tres (1962), Cuatro para Texas (1963) y Robin y las Siete Campanas (1964). En la pantalla y en la vida real, los famosos terrenos donde pisaba el Pack incluían Las Vegas, Los Ángeles y Nueva York (en particular, el famoso Club Copacabana).
Sinatra trabajó de manera constante en el cine a lo largo de la década de 1960, aunque muchas de sus actuaciones parecían casi superficiales. Su último papel importante en Hollywood llegó en 1980, “The First Deadly Sin”. Un famoso rompecorazones, Sinatra se casó cuatro veces, se divorció de su novia Nancy Barbato después de una década y tres hijos (Nancy, Frank Jr. y Christina) para casarse con la actriz Ava Gardner en 1951.
Su matrimonio duró menos de dos años, y en 1966 Sinatra se casó con la actriz de 21 años Mia Farrow, 30 años menor que él; se divorciaron en 1968. En 1976, se casó con Barbara Blakely Marx (la ex esposa de Zeppo Marx), y permanecieron juntos hasta su muerte.
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Nacido el 12 de diciembre de 1915, en un departamento de Hoboken, Nueva Jersey, Francis Albert Sinatra era azul y no respiraba cuando lo sacaron de su madre con un fórceps. Se pensó que estaba muerto, el bebé fue puesto en el mostrador de la cocina mientras el médico atendía a su madre. Su abuela recogió al recién nacido, lo metió bajo un poco de agua fría y el pequeño Frank sollozó su primera canción.
Las pinzas (fórceps) dejaron su marca en el lado izquierdo de la cara de Sinatra, en forma de una cicatriz que corría desde la esquina de su boca hasta la línea de su mandíbula. En su adolescencia, fue apodado “Scarface”. También sufrió un mal caso de acné adolescente, que dejó sus mejillas picadas. Tímido por su apariencia cuando era adulto, Sinatra a menudo aplicaba maquillaje para ocultar las cicatrices. Incluso con eso, odiaba ser fotografiado en su lado izquierdo. Las inseguridades físicas no terminaron ahí. Sinatra también usó zapatos de elevador para aumentar su estatura a dos o tres pulgadas mas.
La imagen del niño malo de Sinatra comenzó con su infame foto de 1938. ¿La prueba? En una discoteca, uno de sus novias atacó a su futura esposa, Nancy, y luego arrestaron a Frank dos veces, una por seducir a una menor (que finalmente no lo era) y otra vez por adulterio.
En la década de 1940, Frank, o Frankie, como se le conocía, se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes de Estados Unidos. No le quitó nada a su asombrosa voz y su capacidad para excitar a las multitudes femeninas, pero la locura del bobbysoxer que él incitó (así se llama porque los fanáticos de la escuela usaban calcetines bobby de estilo de escuela católica, rodados hasta los tobillos) tuvieron un poco de ayuda. El publicista de Sinatra, George Evans, audicionó a las chicas por lo fuerte que podían gritar, luego les pagó cinco dólares y las colocó estratégicamente en la audiencia para ayudar a estimular la emoción.
En 1945, Sinatra hizo un cortometraje, The House I Live In, que habló en contra del antisemitismo y la intolerancia racial. Irónicamente, una década más tarde, su inclinación liberal lo marcó como simpatizante comunista durante los juicios de Joseph McCarthy. Sinatra nunca testificó, pero fue más fácil para su creciente archivo del FBI. Ese archivo del FBI fue iniciado por J. Edgar Hoover, unos años más tarde, después de que un oyente de radio escribiera a la Oficina, diciendo: “El otro día activé un programa de Frank Sinatra y pensé en lo fácil que sería para los fabricantes con cierta mentalidad para crear otro Hitler aquí en América a través de la influencia de la histeria de masas “. Sinatra también había sido investigado por el FBI por haber pagado a los médicos 40,000 dólares para declararlo inútil para servir en los fuerzas armadas.
En 1946, el lanzamiento debut de Sinatra, The Voice of Frank Sinatra, ayudó a introducir tanto el álbum conceptual como el conjunto de discos en cajas (varios discos en una colección). En un momento en que los discos de larga duración aún eran novedosos, Sinatra emitió un conjunto de discos de 78 rpm con ocho canciones, todas con un tema de amores perdidos. Se vendió por una considerable cantidad de $ 2.50 (el equivalente a unos $ 30 en la actualidad). Pero el precio no impidió que encabezara las listas durante siete semanas. Dos años más tarde, se convirtió en uno de los primeros LP de vinilo de música pop de 10 “. Sinatra más tarde haría álbumes de concepto clásico como Only The Lonely e In The Wee Small Hours para Capitol Records.
La estrella de Frank cayó con fuerza a principios de los cincuenta. Estaba tan bajo en la consideración de los productores musiclaes y de filmes, que incluso intentó suicidarse. Caminando por Times Square, vio multitudes de chicas esperando para entrar en un concierto con el nuevo cantante Eddie Fisher. Sintiéndose deprimido, Sinatra volvió a su apartamento, apoyó la cabeza en la estufa y encendió el gas. Por suerte, su manager lo encontró a tiempo, tendido en el suelo, sollozando. Sinatra realizó otros tres intentos de suicidio, todos ellos en medio de su inestable relación con la actriz Ava Gardner.
Con sus amigos Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford, Sinatra dirigió a la pandilla de Las Vegas conocida como el Rat Pack. El nombre fue acuñado por la actriz Lauren Bacall años antes para describir un círculo de bebedores de Hollywood que incluía a su entonces esposo Humphrey Bogart y Sinatra. Los muchachos en el Rat Pack en realidad se referían a sí mismos con un nombre diferente: The Summit, jugando en una reunión cumbre de 1960 en París entre los principales líderes mundiales.
James Bond tiene sus martinis, agitados no revueltos. Y para Ol ‘Blue Eyes (Viejos ojos azules), el cóctel de elección fue una mezcla de cuatro cubitos de hielo, dos dedos del whisky de Jack Daniel’s y un chorrito de agua. “Esta es una bebida de caballeros”, dijo una vez. Y si quieres sostener la bebida como Frank, no toques el borde. Tápalo en tu mano, aislado por una servilleta de cóctel.
Sinatra en realidad tuvo dos éxitos llamados “Nueva York, Nueva York”. El primero fue en 1949, de la película On the Town, y fue escrito por Leonard Bernstein, Adolph Green y Betty Comden. Treinta años después, Sinatra interpretó su versión de “New York, New York”, de John Kander y Fred Ebb. Originalmente de la banda de sonido de la película New York, New York de Martin Scorsese. Sinatra la convirtió en una de las más importantes de su repertorio.
La actriz y activista de #MeToo Alyssa Milano instó a las mujeres a participar en una “huelga sexual” para protestar contra una nueva ley de aborto en el estado de Georgia. “Hasta que las mujeres tengan control legal sobre nuestros propios cuerpos, simplemente no podemos arriesgarnos a un embarazo”, aseguró la actriz.
Georgia es el estado más reciente en promulgar una legislación que restringe el aborto. El tweet de la Sra. Milano dividió la opinión en las redes sociales, lo que desató un debate que condujo a la etiqueta del #SexStrike (huelga sexual) en Twitter en los EE. UU. El llamado proyecto de ley del “latido del corazón” firmado por el gobernador Brian Kemp el martes, está programado para entrar en vigencia el 1 de enero.
Alyssa Milano✔ @ Alyssa_Milano TWEET
“Nuestros derechos reproductivos se están borrando. Hasta que las mujeres tengan control legal sobre nuestros propios cuerpos, simplemente no podemos arriesgarnos a un embarazo. ÚNASE A MÍ para no tener relaciones sexuales hasta que recuperemos la autonomía corporal. Estoy pidiendo un #SexStrike. Pásalo”
¿Qué es el proyecto de ley y por qué es controvertido? La ley prohíbe los abortos tan pronto como se puede detectar un latido fetal, lo que se produce aproximadamente a las seis semanas de embarazo. Muchas mujeres no saben que están embarazadas a las seis semanas. Las náuseas matutinas suelen comenzar después de aproximadamente nueve semanas. ¿Qué hay detrás del “proyecto de ley de latidos del corazón” contra el aborto de Georgia? Cómo llegó el debate sobre el aborto en los Estados Unidos. Sin embargo, se espera que la ley enfrente desafíos en los tribunales. Un juez federal bloqueó dicha ley en Kentucky. que estaba programado para entrar en vigencia de inmediato, ya que podría ser inconstitucional, mientras que Mississippi aprobó una ley de aborto de seis semanas en marzo que no entrará en vigencia hasta julio y también enfrenta desafíos. Ohio aprobó una ley similarmente restrictiva en 2016 que fue vetada por el gobernador.
Alyssa Milano
¿Qué pasa con la ‘huelga sexual’? La Sra. Milano tuiteó su llamado a la acción el sábado, y tanto ella como el hashtag #SexStrike pronto tuvieron una tendencia en Twitter. A más de 35,000 personas les gustó su tweet, y ha sido retwiteado más de 12,000 veces. La actriz Bette Midler escribió en Twitter para apoyar a la Sra. Milano.
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Pero hubo una reacción inmediata en línea, tanto de quienes apoyan la nueva ley como de quienes criticaron la idea de que las mujeres solo tienen relaciones sexuales para complacer a los hombres. “Aprecio la intención, pero “#sexstrike es una idea mala y sexista”, escribió una persona en Twitter. “Como si brindáramos sexo como una recompensa para los dignos. Es negar el placer de las mujeres”. “La abnegación y la abstinencia por algún tipo de ganancia es la antítesis de un mundo con poder sexual”, escribió otra persona. En su defensa, la Sra. Milano más tarde tuiteó un artículo de Quartz sobre cómo pueden funcionar las huelgas sexuales, lo que provocó más críticas en línea.
¿Y el boicot de los actores? Durante la aprobación del proyecto de ley sobre el aborto, 50 actores propusieron un boicot de producción de cine y televisión en el estado, incluida la Sra. Milano, Amy Schumer, Christina Applegate, Alec Baldwin y Sean Penn. “Queremos quedarnos (a trabajar) en Georgia”, se lee en la carta. “Pero no lo haremos en silencio, y haremos todo lo que esté a nuestro alcance para llevar a nuestra industria a un estado más seguro para las mujeres si [esto] se convierte en ley”.
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Penn
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Otros actores también han expresado su apoyo, al igual que los jefes de varios estudios. Sin embargo, algunos en la industria no se han comprometido con el boicot y están esperando para ver cuáles son los posibles desafíos legales. Chris Ortman, portavoz de la Asociación Cinematográfica, emitió un comunicado diciendo que el grupo planeaba “monitorear los desarrollos “.” La producción cinematográfica y televisiva en Georgia respalda más de 92,000 empleos y brinda importantes beneficios económicos a las comunidades y familias “, dijo.” Es importante recordar que se ha intentado una legislación similar en otros estados y que la ley ha impuesto los tribunales o actualmente están siendo impugnados. El resultado en Georgia también se determinará a través del proceso legal “. Y otros en la misma Georgia recomiendan apoyar los esfuerzos para cuestionar la nueva ley, más bien han boicoteado al estado.
“¿Qué pasa con la gente de la clase trabajadora que se verá afectada en las comunidades rurales de todo el estado? ¿Qué va a hacer un boicot de la industria cinematográfica por ellos? “, Escribió la activista y poeta Aurielle Marie en un hilo de Twitter, pidiendo a los actores que paguen dinero para apoyar a las organizaciones locales. La oficina del gobernador de Georgia dijo que las producciones de cine y televisión generaron $ 2.7 mil millones (2.100 millones de libras) en el estado en 2018. Los éxitos de taquilla de Hollywood, Black Panther y las series The Hunger Games fueron filmados allí, al igual que los programas Stranger Things y The Walking Dead.
A fines de 2018 se estrenó otra exitosa película de Robin Hood, esta vez protagonizada por el joven Taron Egerton en el papel principal. Esto se desprende de Robin Hood de Ridley Scott de 2010, en el que el líder es Russell Crowe, que fue más victorioso en su batalla con el Sheriff de Nottingham que en su batalla con acento de Yorkshire. Esto, a su vez, fue precedido por Robin Hood: Príncipe de los ladrones con Kevin Costner desde 1991.
Estas películas principales representan solo una pequeña proporción de la producción de Robin Hood en el cine y la televisión: desde 1950 apenas ha habido un año en el que no se haya realizado ningún programa de televisión o película sobre Robin Hood, Maid Marian o Merry Men. Robin también se ha mantenido presente en libros, cómics, obras de teatro, e incluso pantomimas, hasta el día de hoy.
Claramente, Robin es un ícono cultural, un personaje que sigue dando y no solo a los pobres. ¿Por qué es una de las leyendas más duraderas de todas?
En cierto sentido, esto es fácil de responder: sea cual sea la edad, siempre necesitamos un héroe, alguien que defienda a los pobres, los débiles, los oprimidos y los que no tienen voz. Este aspecto caballeresco fue sin duda importante para el desarrollo temprano de la leyenda, en el que una figura yanoma adquiere atributos caballerescos en su búsqueda de la justicia. Pero la perdurable longevidad de Robin también se debe a su gran capacidad de adaptación, un héroe que puede ser reinventado infinitamente para los tiempos en que vive su audiencia.
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Russell Crowe
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Kevin Costner
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Los primeros cuentos de Robin Hood sobreviven a finales del siglo XV en Inglaterra. Nuestra fuente principal es el extenso poema The Gest of Robin Hood, compilado en algún momento después de 1450. Este fue un período de crisis nacional para Inglaterra: la pérdida de Normandía y la Guerra de los Cien Años agravó los problemas existentes, agravados e incluso causados por el fallido reinado de Enrique VI. El sistema de justicia no solo sufrió una percepción generalizada de su corrupción (un tema central de las primeras manifestaciones culturales de Robin Hood en obras de teatro, poemas y baladas), sino que, en general, se consideró que la ley y el orden se encontraban en un estado de desorden. Y desde 1455 hasta 1487 estamos en la era de las Guerras de las Rosas, que se suman a los problemas del país y posiblemente alimentan a la leyenda heroica.
Pero cuando los cuentos se establecieron en el Gest, la historia de Robin probablemente tenía más de 200 años y ya se había desarrollado y adaptado para adaptarse a los tiempos. Este es un patrón que se repite a lo largo de los siglos.
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Audrey Hepburn (Maryan) and Sean Connery
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Fox
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Al final del período Tudor, Robin se fijó para siempre en la imaginación popular como el Conde de Huntingdon, una escalada social para nuestro héroe de la Edad Media. Esta elevación se deriva de dos obras de Anthony Munday en 1598, que reflejan el entusiasmo redescubierto por la caballería de la era isabelina tardía, fijada en torno al culto de la “Gloriana” y el servicio a una dama noble. Como era de esperar, Robin fue asignado por las clases superiores para su entretenimiento.
Las guerras civiles de Gran Bretaña de la década de 1640 vieron cómo una figura de la vida real adoptaba el disfraz de propaganda de Robin Hood en la forma de James (a veces, John) Hind, un soldado realista y famoso hombre de la carretera.
Un resurgimiento del interés anticuario en todas las cosas medievales mantuvo la leyenda muy viva en los siglos XVIII y XIX. El folio de Thomas Percy de antiguas baladas y poemas de mediados de la década de 1760 contenía ocho baladas de Robin Hood, lo que provocó colecciones completas de la literatura de Robin Hood de Joseph Ritson en 1795 y de Francis Child un siglo después. Éstos ofrecieron materiales de fuentes casi “oficiales” para escritores patrióticos en la era del Imperio dispuestos a demostrar la justicia británica y el juego limpio.
Entre Ritson y Child, la leyenda fue transformada por Sir Walter Scott a través de su novela Ivanhoe (1819/20). Aunque Robin (“Locksley”) es un personaje secundario aquí, el enorme éxito del libro lo llevó a una amplia audiencia. En un momento dado, cinco teatros en Londres presentaban simultáneamente la versión teatral de Ivanhoe. La popular Maid Marian de Thomas Love Peacock de 1822 se sumó al impulso y la alimentación del apetito victoriano para todas las cosas medievales, como lo ejemplificó espectacularmente el torneo Eglinton a gran escala de 1839, una recreación que atrajo a una multitud de quizás 100,000 personas.
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Douglas Fairbanks
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Errol Flynn
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Con la llegada del cine en el siglo XX, más personas que nunca pudieron seguir las aventuras de Robin Hood. Robin, interpretado por los actores Douglas Fairbanks (1922) y Errol Flynn (1938), proporcionó un escapismo jovial en los años de entreguerras de la depresión económica y el ascenso del fascismo. En la proliferación de películas en la época de la Guerra Fría, Robin se convirtió en un defensor anticomunista de la democracia y en un luchador contra la libertad autoritario (del aliado británico de Estados Unidos en la OTAN). Más sutilmente, Robin se asoció con la justicia en la era de los “cazadores de brujas” de McCarthy, como lo indica el trato a los judíos en Ivanhoe (1952).
En Gran Bretaña, algunos influyen en la serie de televisión de mediados de los años ochenta Robin of Sherwood como una respuesta a las políticas económicas de libre mercado del gobierno conservador, en el poder desde 1979, que, según ellos, afectaron negativamente a los más pobres y más débiles. miembros de la sociedad que perdieron a las grandes empresas y gobernantes que carecían de compasión. Este es un Robin más gruñón y sombrío, que refleja la dureza percibida de los tiempos. El creciente multiculturalismo de Gran Bretaña se reflejó en la inclusión de un proscrito sarraceno en la banda de Robin, que se repite en el Príncipe de los ladrones.
Robin Hood se actualiza en el mundo financiero posterior a 2008 a través de la última película y, desde 2012, la serie de televisión Arrow, una nueva versión de Robin Hood (de un personaje de DC Comic) para el siglo XXI, en el que El héroe de los arcos lucha contra la avaricia corporativa, el terrorismo y otras preocupaciones apremiantes de nuestro tiempo. La historia nos sugiere que Robin tendrá muchas oportunidades para futuras reencarnaciones en el futuro.
El 23 de marzo del año 2011, la actriz Elizabeth Taylor, quien apareció en más de 50 películas, ganó dos premios de la Academia y fue sinónimo de glamour de Hollywood, muere de complicaciones por insuficiencia cardíaca congestiva en un hospital de Los Ángeles a la edad de 79 años. Taylor, de ojos violetas comenzó su carrera como actriz cuando era niña y pasó la mayor parte de su vida en el centro de atención. Conocida por su sorprendente belleza, se casó ocho veces y más tarde en la vida se convirtió en una destacada activista del VIH / SIDA.
Elizabeth Rosemond Taylor nació en Londres, Inglaterra, el 27 de febrero de 1932, de un comerciante de arte estadounidense y su esposa, una ex actriz. En 1939, la familia se mudó al sur de California, y en 1942 Taylor hizo su debut en el cine en There’s One Born Every Minute. A los 12 años, llegó al estrellato en National Velvet en 1944, y luego pasó a roles adultos como A Place in the Sun en 1951, por lo que obtuvo críticas importantes. Como una de las principales estrellas de Hollywood en la década de 1950 y 1960, sus créditos incluyeron Giant de 1956, con Rock Hudson y James Dean; El condado de Raintree en 1957, con Montgomery Clift y Eva Marie Saint; El gato de 1958 en un techo de hojalata caliente, con Paul Newman; y de repente, Last Summer, con Clift y Katharine Hepburn, de 1959. Cada una de las tres últimas películas obtuvo nominaciones al Oscar Taylor, antes de llevarse a casa los honores de mejor actriz por Butterfield 8 en 1960, con Laurence Harvey y Eddie Fisher, y Who’s Afraid of Virginia Woolf de 1966, con Richard Burton.
Fuera de la pantalla, la colorida vida personal de Taylor generó numerosos titulares. En 1950, la actriz de 18 años se casó con el hotel heredero Conrad Hilton. La unión duró menos de un año, y en 1952, se casó con el actor británico Michael Wilding. La pareja tuvo dos hijos antes de divorciarse en 1957. Ese mismo año, Taylor se casó con el productor Mike Todd, con quien tuvo una hija. Poco más de un año después, Todd murió en un accidente aéreo. En 1959, Taylor se casó con el cantante Eddie Fisher (quien dejó a su esposa Debbie Reynolds por Taylor); La unión terminó en 1964. Días después de que se terminara su divorcio de Fisher, Taylor se casó con el actor galés Richard Burton, con quien coprotagonizó Cleopatra en 1963. (Al interpretar el papel principal de esa película, Taylor se convirtió en la actriz mejor pagada de Hollywood en ese momento). El público estaba fascinado por el lujoso estilo de vida de Taylor y Burton (entre sus dones para ella estaba un diamante de 69 quilates) y una relación tumultuosa. La pareja, que adoptó una hija, se divorció en 1974, se volvió a casar al año siguiente y se divorció nuevamente en 1976. Taylor más tarde llamó a Mike Todd y Burton, quienes murieron en 1984, los grandes amores de su vida.
En 1976, Taylor se casó con el político de Virginia, John Warner, quien se convirtió en senador de los Estados Unidos. La pareja se divorció en 1982. En la década de 1980, Taylor, quien luchaba contra las adicciones al alcohol, las drogas y la sobrealimentación, pasó un tiempo en el Centro Betty Ford. En 1991, se casó con el trabajador de la construcción Larry Fortensky, a quien conoció en el centro de tratamiento. Después de una ceremonia de boda en Neverland Valley Ranch en California, el actor Michael Jackson, la pareja se divorció cinco años después. Además de sus problemas de adicción, Taylor sufrió una variedad de problemas de salud a lo largo de su vida, desde reemplazos de cadera hasta discos espinales aplastados y tumores cerebrales.
Además de su carrera cinematográfica (su última aparición en pantalla de plata fue un cameo en The Flintstones en 1994), el legado de Taylor incluye su trabajo como activista pionero en la lucha contra el SIDA. A partir de la década de 1980, la actriz ayudó a recaudar millones de dólares para combatir la enfermedad. Taylor fue enterrada en el Parque Forest Lawn Memorial en Glendale, California, el mismo lugar donde su amigo, el hoy tristemente célebre Michael Jackson, fue enterrado.
El 2 de Febrero de 1996, el bailarín, cantante, actor y coreógrafo Gene Kelly muere a la edad de 83 años, en su casa de Beverly Hills, California.
Nacido en Pittsburgh en 1912, Kelly se graduó con un título en economía de la Universidad de Pittsburgh durante la Gran Depresión. Con escasos empleos, él trabajaba en una escuela de baile, en parte propiedad de su madre, quien había insistido en que todos sus cinco hijos tomaran clases de música y danzas durante su infancia. Para obtener ingresos extra, formó un acto de baile con su hermano Fred, actuando en clubes nocturnos locales y producciones teatrales. En 1938, Kelly decidió probar suerte en la ciudad de Nueva York. Obtuvo su primer trabajo en Broadway en el coro de Leave It to Me, protagonizada por Mary Martin.
Inmediatamente después de su primer gran éxito en Broadway, en My Pal Joey, Kelly se dirigió a Hollywood, después de haber firmado un contrato exclusivo con el productor David O. Selznick. Selznick prestó rápidamente a Kelly a Metro-Goldwyn-Mayer, un estudio más conocido en ese momento por sus musicales de películas a gran escala. MGM puso a Kelly en su primera película, For Me and My Gal (1942), coprotagonizada por Judy Garland, y pronto compró su contrato a Selznick. Dos años más tarde, el estudio lo prestó a Columbia Pictures para que fuera coreógrafo y coprotagonista en Cover Girl, compartiendo pantalla con una Rita Hayworth, entonces desconocida. Esta película fue el primer gran éxito de Kelly en la pantalla grande y su primera colaboración con el director y coreógrafo Stanley Donen. Cover Girl presentó una secuencia innovadora en la que Kelly baila con su “alter ego”, otra imagen de sí mismo filmada por separado y combinada en una sola tira de película.
Kelly continuó su camino en el mundo del cine en su próximo gran éxito, Anchors Aweigh (1945), realizando una rutina de baile con el ratón animado Jerry de la popular serie de dibujos animados de Tom y Jerry. La secuencia de ocho minutos le costó a MGM $ 100,000 y tomó dos meses para filmar, pero se celebró como un momento de gran avance en el cine por su combinación de acción en vivo y material de archivo animado. Después de servir en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Kelly regresó a la pantalla de plata con The Pirate de 1948, nuevamente junto a Judy Garland. También hizo dos películas más con Frank Sinatra (su coprotagonista de Anchors Aweigh), incluido el éxito On the Town, que Kelly dirigió y coreografió con Donen.
En 1951, Kelly encabezó An American en París, que ganó ocho premios de la Academia, incluyendo Mejor Película. Kelly recibió un Oscar especial, en honor a su “extrema versatilidad como actor, cantante, director y bailarín, pero específicamente por su brillante logro en el arte de la coreografía”. En la cima de su carrera, Kelly consolidó su estatus icónico con Su trabajo en lo que fue posiblemente la última gran película musical, Singin’ in the Rain (1952). La película presentó una de las escenas más memorables de la historia del cine: Kelly bailando y cantando sola en la calle durante un aguacero, con solo su paraguas como soporte.
A medida que la popularidad de las películas musicales de gran presupuesto disminuía, las películas de Kelly durante la década de 1950 –Brandadoon (1954), It´s Always Fair Weather (1955) y Les Girls (1957) – alcanzaron diversos grados de éxito. Kelly y Donen se pelearon después de trabajar juntos en su última película, It´s Always Fair Weather, en parte por razones personales: la esposa de Kelly y Donen, Jeanne Coyne, se enamoró y se casó en 1960 (Kelly estaba casado con la actriz Betsy Blair). Kelly trabajó en otros proyectos destinados a elevar el perfil de la danza moderna, como Invitación a la danza sin diálogo en 1956 y un especial de televisión de la NBC, Dancing is a Men´s Game. También coreografió para el ballet en París y San Francisco.
Después de que Jeanne Coyne murió de leucemia en 1973, Kelly se centró en proyectos que lo mantendrían cerca de Los Ángeles, donde estaba criando a sus dos hijos. Al final de su carrera, continuó haciendo apariciones en películas y dirigiendo las películas ocasionalmente, como ¡Hello, Dolly! (1969). El último papel de Kelly en la pantalla grande fue en el kitsch Xanadu (1980), en el que realizó una rutina de baile en patines.
FUE ASESINADA LA ESPOSA DE ‘TARZAN’
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Valerie Lundeen era la esposa de 62 años de la estrella de “Tarzán” Ron Ely y ex reina de belleza. Fue apuñalada hasta la muerte en su casa de Santa Bárbara, California, el 15 de octubre de 2019. Su marido de 81 años estaba dentro de la casa, pero no resultó herido, dice la policía.
Ely y Lundeen se casaron en 1984 y tuvieron tres hijos juntos: dos hijas, Kirsten, Kaitland y un hijo, Cameron.
[ezcol_3fifth]Lundeen ganó Miss Florida en 1981 mientras representaba a Miami y compitió en el concurso de belleza Miss USA más tarde ese año.
La muerte de Lundeen fue confirmada en una publicación en las redes sociales de un amigo cercano.
Lundeen fue encontrada sin vida víctima de puñaladas a las 8:15 p.m. en la casa de la pareja en el Rancho Hope, en el área de Mariposa Drive de Santa Bárbara. Los oficiales habían sido llamados a la casa después de recibir un informe sobre un disturbio familiar. El sospechoso estaba en la propiedad cuando los oficiales respondieron a la escena donde fue asesinado a tiros.
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El oficial de información pública de la Oficina del Sheriff del Condado de Santa Bárbara, el teniente Erik Raney, le dijo a KEYT-TV en Santa Bárbara que no había oficiales heridos y que había varios diputados involucrados en el tiroteo. Raney dijo: “No sabemos exactamente cuántos disparos se realizaron. Teníamos varios ayudantes que estuvieron involucrados en el tiroteo. Afortunadamente, todos nuestros oficiales están bien”. Según el protocolo estatal, los policías involucrados en el tiroteo serán puestos en licencia mientras se lleva a cabo una investigación.
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Octubre 17, 2019
AMITYVILLE
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Ronald DeFeo Jr. es llevado a juicio por los asesinatos de sus padres y cuatro hermanos en su casa de Amityville, Nueva York, el 14 de octubre de 1975. Más tarde se dijo que la casa de la familia estaba embrujada y sirvió de inspiración para varios libros y películas de horror.
En la noche del 13 de noviembre de 1974, Ronald “Butch” DeFeo Jr. entró en un bar de Amityville y le dijo a la gente que habían disparado a sus padres dentro de su casa. Varios clientes del bar acompañaron a DeFeo a la casa de su familia, en 112 Ocean Avenue, donde un hombre llamado Joe Yeswit llamó a la policía de Suffolk Country para denunciar el crimen. Cuando llegaron los agentes, encontraron los cuerpos de Ronald DeFeo Sr., de 43 años, su esposa Louise, de 42 años, y sus hijos Dawn, de 18 años, Allison, de 13 años, Marc, de 11, y John, de 9. Las víctimas habían sido asesinadas a tiros en sus camas Ronald DeFeo Jr., de 22 años, inicialmente intentó decir que los asesinatos fueron un golpe de la mafia; sin embargo, al día siguiente confesó haber cometido los crímenes él mismo.
La casa DeFeo fue vendida a George Lutz, quien se mudó con su esposa y sus tres hijos en diciembre de 1975. Los nuevos propietarios residieron en la casa durante 28 días, antes de huir, alegando que los espíritus de la familia DeFeo la perseguían.
George Lutz aseguraba que se despertaba a las 3:15 de la mañana todas las mañanas, aproximadamente la hora cuando Ron DeFeo llevó a cabo sus asesinatos.
La familia Lutz afirmó que olía olores extraños, observó sustancias verdes que brotaban de las paredes y cerraduras, y experimentó puntos fríos en ciertas áreas de la casa.
Cuando un sacerdote vino a bendecir la casa, supuestamente escuchó una voz gritar “¡Fuera!” Le dijo a los Lutze que nunca durmieran en una habitación particular de la casa.
Otras actividades paranormales expresadas por los Lutz: una puerta de garaje cercana que se abre y se cierra; un espíritu invisible golpeando un cuchillo en la cocina; una criatura parecida a un cerdo con ojos rojos mirando a George Lutz y a su hijo Daniel desde una ventana; George despertando con su esposa Kathy levitando fuera de su cama; hijos Daniel y Christopher también levitando juntos en sus camas.
Después de contar su historia, George y Kathy Lutz realizaron una prueba de detector de mentiras para demostrar su inocencia. Ellos pasaron.
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La pareja estaba empantanada en asuntos legales y financieros, lo que llevó a los escépticos a creer que tenían motivos para crear una historia fantástica para vender al público.
El ex abogado de Lutz, William Weber, quien se enfrentó con ellos por cuestiones de dinero, habló en público en 1979, alegando que a los tres se les ocurrió la historia de terror despues de una noche de muchas botellas de vino descorchadas.
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Su hijo Daniel Lutz, que vive en Queens, Nueva York, trabajando como albañil, afirma que la casa arruinó su vida y que sigue teniendo pesadillas hasta el día de hoy.
Los críticos acusaron a George Lutz de inventar la historia para ganar dinero, pero sostuvo que estaba diciendo la verdad. En 1977, Jay Anson publicó una novela titulada The Amityville Horror. El libro se convirtió en un best-seller e inspiró una película de 1979 del mismo nombre, así como una nueva versión de 2005.
El asesino Ron DeFeo, que todavía está vivo y cumple seis sentencias de cadena perpetua de 25 años en un centro correccional de Nueva York, afirmó que escuchó voces que lo instaban a matar a su familia. Desde entonces ha cambiado su historia varias veces. DeFeo contrajo enlace tres veces tras las rejas. George Lutz y Kathy Lutz se divorciaron en 1980. Ella murió en el año 2004. Él falleció en 2006, víctima de un ataque cardíaco.
La famosa Casa Amityville se vendió oficialmente en febrero de 2017 a un propietario no revelado por $ 605,000, que fue $ 200,000 menos que el precio original solicitado. Anteriormente había sido propiedad de otras cuatro familias desde los asesinatos, uno de los cuales cambió la dirección a 108 Ocean Ave. (La casa originalmente se encontraba en 112 Ocean Ave.)
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Octubre 14, 2019
EL DÍA QUE SUPERMAN MURIÓ
El 10 de octubre de 2004, el actor Christopher Reeve, que se hizo famoso por su papel protagonista en cuatro películas de
Superman, muere de insuficiencia cardíaca a la edad de 52 años en un hospital cerca de su casa en el condado de Westchester, Nueva York. Reeve, que quedó paralítico en un accidente de equitación en 1995, fue uno de los principales defensores de la investigación de la médula espinal.
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Christopher Reeve nació el 25 de septiembre de 1952 en la ciudad de Nueva York y se graduó de la Universidad de Cornell y la Juilliard School. Hizo su debut en Broadway en 1976 en A Matter of Gravity, protagonizada por Katharine Hepburn. La obra, en principio planeada por seis semanas de teatro, duró varios meses en cartel.
[/ezcol_2fifth] [ezcol_3fifth_end]Robin Williams y Christopher Reeve eran tan buenos amigos, era como si fueran hermanos. Su conexión comenzó cuando estudiaron juntos en Juilliard en la década de 1970. A lo largo de los años, los dos hablaron, se rieron y se apoyaron mutuamente, particularmente cuando Reeve se volvió tetrapléjico debido a un accidente en 1995. En su autobiografía de 1998 Still Me, Reeve escribió: “Robin pudo compartir sus sentimientos reales conmigo, y yo siempre hice lo mismo con él. Esto se ha mantenido así durante veinticinco años “. Williams cubrió de sus propio bolsillo varios de los tratamientos de Reeve.
Su amistad perduró hasta la muerte de Reeve en 2004.
[/ezcol_3fifth_end]El 27 de mayo de 1995, Reeve, un atleta fuerte y un ávido jinete, quedó paralizado del cuello hacia abajo después de ser arrojado de su caballo y romperse el cuello durante una competencia ecuestre en Virginia. El actor se convirtió en un cruzado para las personas con lesiones de la médula espinal y también presionó para que el gobierno financiara la investigación con células madre embrionarias. Durante un discurso en los Premios de la Academia de 1996, Reeve instó a la comunidad de Hollywood a
hacer más películas sobre temas sociales. Además de su trabajo de recaudación de fondos y defensa, Reeve escribió dos libros sobre sus experiencias de vida y continuó su carrera como actor. En 1997, hizo su debut como director con In the Gloaming de HBO, que fue nominado a cinco premios Emmy, y en 1999, protagonizó una nueva versión del thriller clásico de Alfred Hitchcock, Rear Window, y The Brooke Ellison Story, una película basada en un verdadero historia sobre el primer cuadripléjico en graduarse de la Universidad de Harvard.
En 2000, Reeve, quien mantuvo un régimen intensivo de fisioterapia desde el momento de su accidente, pudo mover su dedo índice. Dijo públicamente que estaba decidido a caminar de nuevo. En el obituario del New York Times de Reeve, uno de los médicos que lo atendió dijo: “Antes [de Reeve] realmente no había esperanza. Si tuviste una lesión en la médula espinal como la suya, no se pudo hacer mucho, pero él cambió todo eso, demostró que hay esperanza y que hay cosas que se pueden hacer “.
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Octubre 10, 2019
Choque de Titanes
Dos profesionales del séptimo arte categorizados como actores del “método” en el mismo set. En el medio, el director de “Joker” (El Guasón) Todd Phillips. Este reveló que hubo una pequeña tensión entre las estrellas Joaquin Phoenix y Robert De Niro durante el desarrollo de su drama inspirado en el legendario villano vinculado al cómic de Batman. Según el director de “Joker”, Phoenix y De Niro no estuvieron de acuerdo sobre el proceso de ensayo antes de que comenzara el rodaje. De Niro se mostró inflexible al leer el guión con el elenco y el equipo, pero a Phoenix no le gustó ese proceso y trabaja más en el momento en el set, tratando de ver como se desarrlollan las cosas.
“Para mí, siempre pensé que actuar debería ser como un documental”, dijo Phoenix a la prensa sobre su estilo de actuación. “Que deberías sentir lo que sea que estés sintiendo, lo que creas que está pasando el personaje en ese momento”.
Phoenix tiene un estilo de actuación de “deja que suceda con naturaleza”, mientras que De Niro cree que el trabajo de preparación es un proceso estándar. Phillips dijo: “Bob me llamó y me dijo: ‘Dile que es actor y que debe estar allí, me gusta escuchar toda la película, y todos vamos a entrar en una habitación y leer el guión’. Estoba en medio de fuego cruzado porque Joaquín dice: “No hay forma de que haga una lectura”, y Bob dice: “Hago lecturas antes de disparar, eso es lo que hacemos los actores”.
Phoenix fue persuadido para unirse al ensayo de lectura, que tuvo lugar en las oficinas de De Niro en Manhattan. Tal como Phillips lo recuerda, Phoenix “murmuró el guión y luego se fue a un rincón a fumar”. Cuando De Niro solicitó hablar cara a cara Phoenix en su oficina personal, Phoenix se negó. “[Joaquín está] delante de Bob, y él dice:” No puedo, tengo que irme a casa “, dijo Phillips,” porque se sintió enfermo después de esa lectura, no le gustó “.
Los dos actores finalmente resolvieron sus problemas, con De Niro besando a Phoenix en la mejilla y diciéndole: “Todo va a andar muy bien”. Phillips calificó la reconciliación entre sus actores como “hermosa”. Mientras hablaba con la prensa, Phoenix dijo que los dos actores rara vez conversaban en el set durante la realización de la película.
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“No me gustaba hablar con él en el set”, dijo Phoenix. “El primer día dijimos buenos días, y más allá de eso, no sé si hablamos mucho”.
De Niro agregó: “Su personaje y mi personaje, no necesitábamos hablar de nada. Simplemente decimos: ‘Haz el trabajo. Se relacionan como los personajes entre sí “. Lo hace más simple y no [hablamos]. No hay razón para hacerlo “. A pesar de esto, Phoenix emite solo elogios para su co-estrella. “Él es mi actor favorito”, Phoenix aseguró sobre De Niro. “Tuve la impresión de que hizo cosas en [una] escena, ciertos comportamientos, ciertos gestos o movimientos, si la cámara estaba sobre él o no”.
[/ezcol_3fifth_end]Incluso Phoenix comentó que en esta última cinta, se nutrió de personajes como Travis Bickle de Taxi-Driver o Max Cady de Cabo de Miedo para dar vida a “Joker”.
La película ya ha sido considerada una “obra maestra” sorprendiendo, ya que se trata del desprendimiento de un personaje de reparto de un comic. Algunos tambén se muestran escépticos con esta pelea, que podría ser además un truco publicitario. Phoenix, tiempo atrás, desapareció durante un año del ojo público, aunque esto se trató de parte de la preparación y promoción de otra producción cinematográfica.
En “Joker”, Phoenix protagoniza el personaje principal, mientras que De Niro interpreta a un presentador de televisión nocturno que Joker idolatra. La película se estrenará en Estados Unidos el 4 de octubre.
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Octubre 2, 2019
1985: ROCK HUDSON MORÍA DE SIDA
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El 2 de octubre de 1985, el actor Rock Hudson, de 59 años, se convierte en la primera gran celebridad estadounidense en morir por complicaciones del SIDA. La muerte de Hudson aumentó la conciencia pública sobre la epidemia, que hasta ese momento había sido ignorada por muchos en la corriente principal como una “plaga gay”.
Hudson, nacido Leroy Harold Scherer Jr., el 17 de noviembre de 1925, en Winnetka, Illinois, era un rompecorazones de Hollywood cuya carrera en el cine y la televisión abarcó casi tres décadas. Con buena apariencia de protagonista, Hudson
interpretó numerosos dramas y comedias románticas en los años 50 y 60, incluyendo Magnificent Obsession, Giant y Pillow Talk. En la década de 1970, encontró el éxito en la pantalla chica con series como McMillan y Wife. Para proteger su imagen machista, la vida fuera de la pantalla de Hudson como hombre gay se mantuvo en secreto del público.
En 1984, mientras trabajaba en el programa de televisión Dynasty, Hudson fue diagnosticado con SIDA. El 25 de julio de 1985, reconoció públicamente que tenía la enfermedad en un hospital de París, donde había ido a buscar tratamiento. La noticia de que Hudson, un ícono internacional, tenía el SIDA concentró la atención mundial en la enfermedad y ayudó a cambiar las percepciones públicas de la misma.
Los primeros casos de SIDA se informaron en 1981 y las primeras víctimas fueron hombres homosexuales que a menudo enfrentaban hostilidad y discriminación públicas. Como los científicos y los funcionarios de atención médica solicitaron fondos para combatir la enfermedad, el presidente Ronald Reagan y su administración los ignoraron en gran medida. Rock Hudson era amigo de Reagan y se decía que su muerte había cambiado la visión del presidente sobre la enfermedad. Sin embargo, Reagan fue criticado por no abordar el tema del SIDA en un discurso público importante hasta 1987; Para entonces, más de 20,000 estadounidenses ya habían muerto de la enfermedad y se había extendido a más de 100 países.
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Septiembre 25, 2019
VEINTE AÑOS SIN GEORGE C. SCOTT
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Algunos afirmaron que bebía en exceso; otros que exceso era una palabra demasiado suave para describir su adicción. Hubo un sentimiento generalizado de que podía ser voluntario, testarudo, difícil, violento, peligroso, inmanejable y poco confiable. Si hubiera sido acusado de esa lista de discapacidades, él era el tipo de hombre que se reía y gruñía y decía: “Por supuesto, pero ¿qué esperas de un actor serio?” Era serio y de aspecto severo, pero también tenía un tono cómico triste.
George C. Scott era alto, moreno y guapo, con la mirada de un águila: era físicamente mucho más dominante que el general George Patton, el papel con el que siempre estará asociado. Tenía autoridad innata, inteligencia, una voz fina y algo que uno debía llamar pasión. Tenía solo tres años menos que Marlon Brando y, sin embargo, estaba tan dotado como Brando para desafiar los grandes papeles clásicos en el escenario. Era impresionante como Antony y Shylock, pero debería haber habido más. Pudo haber sido un gigante, y parecía en años posteriores que estaba herido por haber dejado caer sus grandes dones.
Mucho antes del final, una reputación rebelde había afectado el trabajo disponible para él. A fines de los años setenta y ochenta, se había convertido en un gran actor desvaído, a veces en el escenario o en el cine, pero con mayor frecuencia en películas de televisión y especiales. Aunque, 25 años antes, después de que el valiente y realista East Side / West Side (en el que interpretaba a un trabajador social idealista) había fallado, había jurado que nunca volvería a hacer una serie de televisión.
Era un hombre de votos sinceros y posturas comprometidas; después de todo, estuvo casado cinco veces, siempre con actrices, con quienes tuvo cinco hijos. Dos de estos matrimonios fueron con Colleen Dewhurst, quien lo hizo parecer más grande que la vida. Por algún dulce misterio, su hijo, Campbell Scott, resultó ser un actor extraordinariamente sutil y delicado.
George C. Scott
Profesion: Actor
Nacionalidad: Estados Unidos de América
americano
Las mejores películas: Patton, The Hospital y 12 Angry Men.
Nacido: 18 de octubre de 1927
Lugar de nacimiento: Wise, Virginia, EE. UU.
Murió: 22 de septiembre de 1999 (71 años)
Causa de la muerte: ruptura de un aneurisma aórtico abdominal
Scott nació en Wise, Virginia, y se crió en el área de Detroit, Michigan. En el último año de la guerra, ingresó en el Cuerpo de Marines y sirvió cuatro años. Luego fue a la Universidad de Missouri, donde estudió inglés y teatro. Fue solo entonces que vio la actuación como una posible carrera.
En 1956, tuvo un notable éxito interpretando a Ricardo III para el Festival de Shakespeare de Nueva York. Durante varios años estuvo activo en producciones fuera de Broadway; estaba en un renacimiento de Los hijos de la oscuridad de Edwin Justus Mayer (1958), con Colleen Dewhurst, e interpretó al juez defensor en el juicio de Andersonville (1959).
Muy pronto fue reclutado para la televisión y el cine. En 1958, interpretó a Sydney Carton en una producción de A Tale of Two Cities, y al año siguiente debutó en la pantalla grande como el villano en uno de los últimos westerns de Gary Cooper, The Hanging Tree. Al mismo tiempo, era rival para el astuto abogado del país de James Stewart, interpretando al fiscal de Lansing, en Anatomía de un asesinato de Otto Preminger (1959). Su silencios parecían latigazos en esa película, su cortesía helada y la competitividad letal lo hicieron parecer un veterano en medio de un elenco muy experimentado.
Pero eso no fue nada comparado con su gángster de la sala de billar en The Hustler (1961) de Robert Rossen, un hombre cuya repugnante explotación de los demás nunca oculta su inteligencia. Hay un momento en esa película, durante el primer gran partido entre Paul Newman y Jackie Gleason, cuando Scott mira al personaje de Newman y lo llama “un perdedor” con una finalidad tan decisiva que su juego comienza a desmoronarse.
Scott obtuvo nominaciones al Oscar como actor de reparto por Anatomy of a Murder y The Hustler (la vergonzosa historia tiene que admitir que Hugh Griffith ganó por Ben-Hur y George Chakiris por West Side Story en los años correspondientes, un momento en el que Scott podría haber aceptado La estatuilla).
Era una estrella, pero no siempre muy sensible en los años de gloria. En Broadway, apareció en The Little Foxes (1967) y en los tres papeles masculinos en Neil Simon’s Plaza Suite (1968), este último un gran éxito. En televisión, fue el policía del sacerdote de Olivier en una versión de The Power and the Glory (1961) de Graham Greene. Luego, después de East Side / West Side, interpretó el papel principal en las versiones televisivas de dos obras de Arthur Miller, The Crucible (1967) y The Price (1971). Este último le ganó un Emmy, pero rechazó el premio.
En el cine, sus papeles fueron más allá de una explicación fácil. Estaba en La coja de John Huston, The List of Adrian Messenger (1963); fue una de las muchas estrellas en The Yellow Rolls-Royce (1964); pero fue brillante y divertido como el general “Buck” Turgidson, obsesionado con sus fluidos corporales, en el Dr. Strangelove (1964) de Stanley Kubrick. Él fue Abraham en La Biblia de Huston (todo el tiempo enamorado de su Sarah, Ava Gardner). Estaba en una fatigada comedia romántica, ¡No con mi esposa, tú no! (1966), pero fue muy inteligente interpretando a un tramposo en The Flim-Flam Man (1967).
Eventos en la vida de George C. Scott
1964-01-29 “Dr Strangelove”, dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Peter Sellers y George C. Scott.
1970-02-04 “Patton” dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizada por George C. Scott se estrena en Nueva York.
1984-12-18 “A Christmas Carol” dirigida por Clive Donner protagonizada por George C. Scott se estrena en los Estados Unidos
1985-11-24 Miniserie de NBC “Mussolini: The Untold Story” protagonizada por George C. Scott se estrena en los Estados Unidos
Luego vino su mejor trabajo como protagonista en películas: era el hombre divorciado enamorado de Petulia (1968), la película que estableció su estatus como una figura de gran talento. Dos años después, para Franklin Schaffner, fue Patton, el controvertido general de la Segunda Guerra Mundial. Fue una gran parte, muy bien escrita por Francis Ford Coppola y Edmund H North.
Cuando fue nominado como mejor actor, pidió que la reunión de los premios de la Academia fuera clausurada. De hecho, había hecho la misma solicitud en el momento de la nominación de The Hustler. Algunos dijeron que había estado tan decepcionado por no haber ganado Anatomy of a Murder que se sintió agriado por todo el negocio de los premios. Scott dijo que la carrera de los Oscar fue “ofensiva, bárbara e innatamente corrupta”. Le dijo a la Academia que no asistiría a los premios de 1970, y hubo una controversia por adelantado, coronada por “¡Oh, Dios mío! ¡El ganador es George C Scott!” cuando ella abrió el sobre. Brando envió a una “doncella india” dos años más tarde, para declinar en su nombre, pero eso fue por otros motivos políticos. Scott fue el primero en hacer una desautorización tan completa del concurso. Fue honrado por eso, pero nadie que lo conociera pensó menos en su impulso competitivo.
Interpretó a Rochester junto a Jane Eyre (interpretada por )Susannah York, y también en 1971, fue el excéntrico que cree ser Sherlock Holmes en They Might Be Giants de Anthony Harvey (con Joanne Woodward como su Watson). Esa película podría haberse derrumbado fácilmente como una fantasía pretenciosa. Pero el proyecto aún hoy sigue siendo suavemente cómico debido al fiel trastorno y vueltas de tuerca de los vuelos mercuriales en la actuación de Scott. La película no fue un éxito, pero nunca fue más eléctrico o trágico, y el papel muy complicado requirió un actor de refinamiento incuestionable. El mismo año, fue nominado una vez más como mejor actor para The Hospital, dirigido por Arthur Hiller y escrito por Paddy Chayefsky, donde es el último portavoz del orden humano en un sistema que se está desmoronando. Raramente el noble agotamiento y el idealismo demente se transmiten mejor en la película.
Terminaron su tercer y cuarto matrimonio (1960-65 y 1967-72), ambos con Colleen Dewhurst. Se casó por quinta vez con una actriz aparentemente más flexible, Trish Van Devere. Sin embargo, por dentro parecía volverse más salvaje o más difícil de contener. En 1970, dirigió The Andersonville Trial para televisión, y en 1972 dirigió y protagonizó la película Rage (sobre un ranchero que busca vengarse del estúpido sistema). Luego, en 1974, dirigió The Savage is Loose (un melodrama que involucra incesto). Ambas películas fracasaron, y Scott quedó amargado: siempre se había enorgullecido de sus habilidades y conocimientos más allá de los de la mayoría de los actores. Pero en el mismo período, hizo un trabajo notable en el escenario: Astrov en Tío Vanya (1973); Willy Loman en un renacimiento de La muerte de un vendedor (1975); y otro triunfo cómico rico como Foxwell J Sly en la reelaboración de Volpone de Larry Gelbart, Sly Fox (1976).
Sin embargo, su actuación en películas comenzó a declinar. Tuvo una gran escena suicida como policía en The New Centurions (1972); fue divertido en Oklahoma Crude (1973), un western moderno sobre el petróleo; habló con credibilidad a los delfines en El día del delfín (1973); e hizo un intento respetable de ser Hemingway en la película de Schaffner Islands in the Stream (1977). Pero la mayoría de sus películas fueron intrascendentes.
La última gran prueba de Scott fue el padre calvinista que persigue a su hija fugitiva en el mundo del cine pornográfico en Hardcore (1979) de Paul Schrader. Su actuación fue errática; a veces parecía aburrido o perdido, pero el momento en que tiene que ver una película de su hija en acciones pornográficas fue desgarrador.
Después de eso, sus películas fueron más allá de la rima o la razón: The Changeling (1980); La fórmula (1980); otro comandante militar en Taps (1981); Firestarter (1984); Exorcista III (1990); y un papel secundario en Malicia (1993). Tuvo mejores oportunidades en televisión donde interpretó a Fagin en Oliver Twist (1982); Scrooge en A Christmas Carol (1984); il Duce en Mussolini: La historia no contada (1985); y una triste repetición de la vieja gloria en The Last Days of Patton (1986). Fue perseguido por una enfermedad e incluso cuando tuvo un éxito en Broadway y una nominación a Tony, en un resurgimiento de Inherit the Wind (1996), se perdió muchas actuaciones de su propio programa.
Quizás Scott era su peor enemigo, pero era un luchador y un actor de raro coraje. La gente todavía habla sobre la desastrosa producción de A Three Studio de The Three Sisters, en Londres, en la que Scott interpretó a Vershinin. Los críticos fueron despiadados. Al día siguiente, el director y el jefe del estudio, Lee Strasberg, reunieron al elenco para decirles que las críticas eran correctas. Strasberg Comenzó una diatriba contra su propio elenco. Pero Scott se puso de pie, se enfrentó al gran maestro de la actuación estadounidense y lo silenció con un discurso colorido y violento sobre asumir la responsabilidad del director. Luego, se dice, se fue a emborrachar con Ava Gardner. Era tan dominante, pero también era un paria.
PrisioneroEnArgentina.com
Septiembre 22, 2019
LAS MUJERES MÁS INFLUYENTES DE LA HISTORIA MODERNA . SEGUNDA PARTE
.
Durante demasiado tiempo, las contribuciones de las mujeres a la historia han sido marginadas, disminuidas y descartadas. Pero estas mujeres influyentes en la historia son imposibles de ignorar. Desde una científica en África hasta una de las primeras actrices más queridas de la historia, estas mujeres dejaron su huella en el mundo.
[ezcol_1half]Fue la primera mujer en convertirse en la
primera ministra de una nación musulmana.
Fue noticia en todo el mundo cuando ganó
las elecciones de 1988 en Pakistán. Bhutto
demostró ser una figura valiente y resistente
en una nación marcada por golpes militares
sangrientos.
Como parte del grupo que dirigió el Movimiento de
Derechos Civiles de Estados Unidos que tuvo lugar
en Selma, Alabama, Robinson desempeñó un papel
importante en la marcha del Domingo Sangriento
en 1965. Recibió la medalla de Libertad Martin
Luther King Jr. en 1990.
Elizabeth Blackwell es la primera mujer en la historia
de los Estados Unidos en recibir un título médico.
También es considerada la pionera de la educación
de la mujer en el campo de la medicina en todo el
país. Además, es la primera mujer en aparecer en
el Registro Médico del Reino Unido.
Actualmente presidenta de Liberia, Johnson-Sirleaf
es la primera mujer en la historia en ser elegida Jefa
de Estado en África. Junto con Leymah Gbowee y
Tawakel Karman, recibió el Premio Nobel de la
Paz en 2011.
Ampliamente considerada como la mejor actriz de
La historia de Hollywood, Meryl Streep ha sido
nominada al Oscar a la mejor actriz 15 veces
y ganó el codiciado premio tres veces. la
Actriz, recordada por sus papeles en películas
como Sophie’s Choice y The Iron Lady, recibió
la Medalla Presidencial de la Libertad en 2014.
Sirimavo Bandaranaike creó una historia al convertirse
en la primera mujer jefa de gobierno en Sri Lanka.
Dirigió el partido Freedom de Sri Lanka durante
mucho tiempo y tuvo un gran impacto durante su
tiempo como Primer Ministro de Sri Lanka.
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Septiembre 1, 2019
Parascevedecatriafobia
Para algunos paises es el día martes, pero hoy en día, las personas de la mayor parte el mundo se sentirán incómodas por tener que levantarse de la cama, abandonar sus hogares o realizar sus rutinas diarias normales, todo debido a una superstición. Estas personas desafortunadas sufren de Parascevedecatriafobia, una neurosis común que todos conocemos: el temor del viernes 13. Pero, ¿de dónde vino esta asociación supersticiosa y cómo se desarrolló?
La verdad es que nadie está absolutamente seguro de dónde se originó la idea de que el viernes 13 tuvo mala suerte. Donald Dossey, el fundador del Stress Management Center y el Instituto de Fobia en Asheville, Carolina del Norte, sospecha que el miedo se remonta a un mito nórdico sobre 12 dioses que cenaron en Valhalla, el legendario salón donde los legendarios héroes nórdicos festejaron por la
eternidad después de que murieron, eso fue interrumpido por un decimotercer invitado, el dios malvado y malvado Loki.
Según la leyenda, Loki engañó a Höðr (el dios ciego del invierno y el hijo de Odin, el dios supremo en la mitología nórdica) para disparar a su hermano Baldr (el dios benévolo del verano que también era un hijo de Odin) con una lanza mágica con punta de lanza. muérdago, la única sustancia que podría derrotarlo. Así, el número 13 fue calificado como desafortunado debido al ominoso período de luto tras la pérdida de tales dioses poderosos por este noveno invitado no deseado.
Por cualquier razón, entre muchas culturas, el número 12 surgió a lo largo de la historia como un número “completo”: hay 12 meses en un año, 12 signos del zodíaco, 12 dioses del Olimpo, 12 hijos de Odín, 12 labores de Hércules, 12 Jyotirlingas o santuarios hindúes donde se adora a Shiva, 12 sucesores de Muhammad en el Islam chiíta y 12 tribus de Israel. En el cristianismo, Jesús fue traicionado por uno de sus 12 apóstoles, Judas, que fue el decimotercer invitado en llegar a la Última Cena. Superar el número 12 aparentemente desequilibra la naturaleza ideal de las cosas; Debido a que se considera irregular e irrespetuoso con el sentido de la perfección, el número 13 tiene el estigma de la desgracia y la mala suerte que conocemos hoy en día.
¿Y el viernes?
con el Oxford Press Press Dictionary of Superstitions, la primera referencia al viernes 13 en sí no fue hasta 1913. (A pesar de que en realidad ocurrió el viernes 13 de octubre de 1307, la idea popular de que el viernes 13 es el estigma proviene de la fecha en la cual la famosa orden de los Caballeros Templarios fue anulada por el rey Felipe de Francia es solo una coincidencia.)
El viernes se une a la mezcla principalmente porque todos los primeros relatos de la crucifixión de Jesús están de acuerdo en que tuvo lugar el viernes, el día normal de las crucifixiones en Roma. Como Chaucer señaló en The Canterbury Tales, “Y un viernes cayó toda esta desgracia”. Sin embargo, perpetuar el viernes como un día de mala suerte en Estados Unidos vino de la tradición estadounidense de finales del siglo XIX de llevar a cabo todas las ejecuciones los viernes; El viernes 13 se convirtió en el día más desafortunado simplemente porque combinaba dos supersticiones distintas en una. De acuerdo
Las repercusiones de estas fobias repercutieron en la cultura estadounidense, particularmente en el siglo XX. La mayoría de los rascacielos y hoteles carecen de un piso 13, lo que se debe específicamente a la tendencia de los edificios de la ciudad de Nueva York a principios de 1900 a omitir el número de mala suerte (aunque el Empire State Building tiene un piso 13). Algunas direcciones de calles también omiten del 12 al 14, mientras que los aeropuertos pueden omitir la 13ª puerta. Al parecer, las populares películas del viernes 13 fueron llamadas así solo para sacar provecho de este reconocimiento de fecha amenazante, no porque los realizadores realmente creyeran que la fecha fuera desafortunada.
Entonces, ¿el viernes 13 es realmente desafortunado? A pesar de los siglos de comportamiento supersticioso, en gran parte parece psicológico jumbo. Un estudio de 1993 pareció revelar que, estadísticamente hablando, el viernes 13 es desafortunado, pero los autores del estudio dijeron a LiveScience que, aunque los datos eran precisos, “el documento fue muy divertido y no se lo debe tomar en serio”. Otros estudios no han demostrado una correlación entre cosas como el aumento de accidentes o lesiones y el viernes 13.
Y el viernes 13 no es un gran problema en otras culturas, que tienen sus propios días desafortunados: los griegos y los países de habla española consideran que el martes 13 es el día más desafortunado, mientras que los italianos se mantienen alejados del viernes 17. Así que en trece días, el pr◙ximo viernes 13, trata de descansar un poco: Puede que no sea tan desafortunado. Después de todo, el descanso del fin de semana está a la vuelta de la esquina, a menos que seas planero o político, quienes nunca trabajan.
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Septiembre 01, 2019
La Lucille
Lucille Desiree Ball, una de las pelirrojas más queridas del mundo del espectáculo de los Estados Unidos, nace el 6 de agosto de 1911 cerca de Jamestown, Nueva York.
A los 15 años, Ball fue a la ciudad de Nueva York para asistir a la escuela de teatro y convertirse en actriz. Sin embargo, recibió poco aliento y fue rechazada varias veces por las líneas de coro de Broadway. Después de trabajar como camarera y trabajar como modelo de sombreros, Ball fue contratada en 1933 como la chica de cigarrillos de Chesterfield. Alrededor de este tiempo, ella comenzó a interpretar papeles en películas de Hollywood. Pasó a papeles principales en docenas de películas B a fines de la década de 1930 y 1940. En 1940, Ball conoció al líder de la banda cubana Desi Arnaz mientras filmaba Too Many Girls y la pareja pronto se fugó.
[ezcol_1half]De 1947 a 1951, Ball interpretó a una esposa tonta en el programa de radio My Favorite Husband (Mi Esposo Favorito). Cuando CBS decidió lanzar la popular serie en el relativamente nuevo medio de televisión, Lucy insistió en que Arnaz fuera elegida como su esposo en la versión para televisión. Los ejecutivos de la red inicialmente discutieron contra la idea, argumentando que nadie creería que la pareja estaba casada. Sin embargo, Ball y Arnaz finalmente fueron elegidos como Lucy y Ricky Ricardo en I Love Lucy, que se emitió de 1951 a 1957 y se convirtió en una de las comedias de televisión más populares de la historia. Ella era Lucy Ricardo es la loca esposa del director de banda cubano Ricky Ricardo.
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Según el obituario de Ball en The New York Times: “Fue un evento nacional importante cuando, el 19 de enero de 1953, Lucy Ricardo dio a luz a Little Ricky en el aire la misma noche que Lucille Ball dio a luz a su segundo hijo, Desiderio Alberto Arnaz y de Acha 4to. La audiencia para el episodio se estimó en 44 millones, un récord en ese momento, y CBS dijo que 1 millón de televidentes respondieron con llamadas telefónicas de felicitación, telegramas, cartas o regalos “.
El éxito de I Love Lucy convirtió a la compañía de producción de la pareja, Desilu, en un negocio multimillonario. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, y su colaboración profesional también terminó. Arnaz murió en 1986. Ball también protagonizó varios otros programas de “Lucy”, incluyendo The Lucy Show, que se estrenó en 1962 y funcionó durante seis temporadas, y Here’s Lucy, en la que protagonizó con sus dos hijos; el programa se canceló en 1974. Un programa posterior, Life with Lucy, con Lucy como abuela, se canceló después de solo ocho episodios en 1986. Ball murió a los 77 años el 26 de abril de 1989. En 2001, el Servicio Postal de los Estados Unidos la honró con un sello conmemorativo.
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Agosto 6, 2019
Marilyn
El 5 de agosto de 1962, la actriz de cine Marilyn Monroe es encontrada muerta en su casa en Los Ángeles. Fue descubierta acostada desnuda en su cama, boca abajo, con un teléfono en una mano. Botellas vacías de píldoras, recetadas para tratar su depresión, estaban esparcidas por la habitación. Después de una breve investigación, la policía de Los Ángeles concluyó que su muerte fue “causada por una sobredosis autoadministrada de drogas sedantes y que el modo de muerte es un suicidio probable”.
Marilyn Monroe nació Norma Jean Mortenson en Los Ángeles el 1 de junio de 1926. Su madre era emocionalmente inestable y frecuentemente estaba confinada en un asilo, por lo que Norma Jean fue criada por una sucesión de padres adoptivos y en un orfanato. A los 16 años, se casó con un compañero de trabajo en una fábrica de aviones, pero se divorciaron unos años más tarde. Comenzó a modelar en 1944 y en 1946 firmó un contrato a corto plazo con 20th Century Fox, tomando como su nombre de pantalla Marilyn Monroe. Tuvo algunas partes pequeñas y luego volvió al modelaje, y posó desnuda para un calendario en 1949.
Comenzó a llamar la atención como actriz en 1950 después de aparecer en papeles menores en The Asphalt Jungle y All About Eve. Aunque solo estaba en pantalla brevemente interpretando a una amante en ambas películas, el público tomó nota de la bomba rubia y ganó un nuevo contrato de Fox. Su carrera como actriz comenzó a principios de la década de 1950 con actuaciones en Love Nest (1951), Monkey Business (1952) y Niagara (1953). Celebrada por su voluptuosidad y encanto de ojos abiertos, ganó fama internacional por sus papeles de símbolo sexual en Gentlemen Prefer Blondes (1953), How to Marry a Millionaire (1953) y There’s No Business Like Show Business (1954). The Seven-Year Itch (1955) mostró su talento cómico y presenta la escena clásica en la que se para sobre una rejilla del metro y hace que su falda blanca se levante por el viento de un tren que pasa. En 1954, se casó con el gran jugador de béisbol Joe DiMaggio, atrayendo más publicidad, pero se divorciaron ocho meses después.
En 1955, estudió con Lee Strasberg en el Actors Studio en la ciudad de Nueva York y, posteriormente, tuvo una gran actuación como una desventurada artista en Bus Stop (1956). En 1956, se casó con el dramaturgo Arthur Miller. Hizo de The Prince and the Showgirl, un fracaso crítico y comercial, con Laurence Olivier en 1957, pero en 1959 dio una actuación aclamada en la exitosa comedia Some Like It Hot. Su último papel, en The Misfits (1961), fue dirigido por John Huston y escrito por Miller, de quien se divorció solo una semana antes del estreno de la película.
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Agosto 5, 2019
ISABEL SARLI, UNA MUY BUENA PERSONA
ACOSADA
[ezcol_2third]Traducción de IMDB
[/ezcol_2third] [ezcol_1third_end]Bo e Isabel
Póster de Exhibición Internacional
[/ezcol_1third_end][ezcol_1half]
Claudio Kussman
Interno L.P.U. 345.349
Servicio Penitenciario Federal
Junio 26, 2019
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]hombres y los niños no son lo que fueron un día.
¡Qué horror y qué tristeza, la mirada del niño que
perdimos!”
Ernesto Sábato (1911-2011)
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Junio 26, 2019
Norma Jeane
Después de una tumultuosa infancia, tanto las abuelas maternas como su madre estaban internadas en instituciones mentales, y ella vivía con una serie de familias temporarias, Norma Jeane se casó con uno de sus vecinos, James Dougherty, cuando tenía 16 años. Más tarde el se unió a los Marines y Fue enviado al Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. Una fotógrafa “descubrió” a la fotogénica Norma Jeane cuando trabajaba en una fábrica de municiones de California, y pronto se lanzó a una exitosa carrera como modelo. Se divorció de Dougherty en junio de 1946 y poco después firmó un contrato de cine con 20th Century Fox.
Al comienzo de su carrera como actriz, Norma Jeane se tiñó de rubio castaño y volvió a cambiar su nombre, llamándose a sí misma Marilyn Monroe (Monroe era el apellido de su abuela). Después de una pequeña parte en The Shocking Miss Pilgrim en 1947, tuvo una serie de papeles olvidables antes de conseguir un lugar en la película de suspenso de John Huston, The Asphalt Jungle (1950). Ese mismo año, también llamó la atención por su trabajo en All About Eve, protagonizada por Bette Davis. Sin embargo, su verdadera actuación sobresaliente se produjo en Niagara (1953), un thriller en el que Monroe interpretó a una joven adúltera que conspiraba con su amante para asesinar a su marido.
[ezcol_1half][/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]
Después de protagonizar giros en Gentleman Prefer Blondes y Cómo casarse con un millonario, ambos también lanzados en 1953, Monroe estaba en la cima de la lista A de Hollywood. En enero de 1954, se casó con el gran jugador de béisbol Joe DiMaggio en el ayuntamiento de San Francisco después de un romance de dos años. Aunque la prensa aclamó su relación como el romance por excelencia de los estadounidenses, los problemas comenzaron a surgir casi de inmediato. DiMaggio estaba notoriamente incómodo con la sexy imagen pública de su nueva esposa, y su gran popularidad, como lo demuestra el alboroto entre los militares de Estados Unidos estacionados en Corea durante una actuación que dio en medio de la luna de miel de la pareja. Se divorciarían ese octubre, después de solo nueve meses de matrimonio, pero seguían siendo buenos amigos. (Después de la muerte de Monroe, DiMaggio envió rosas a su tumba varias veces por semana durante más de tres décadas, hasta su propia muerte en 1999).
[/ezcol_1half_end]PrisioneroEnArgentina.com
Junio 1, 2019
Hace 21 años se silenciaba La Voz
En un día como hoy en 1998, el legendario cantante, actor e ícono del espectáculo Frank Sinatra muere de un ataque al corazón en Los Ángeles, a la edad de 82 años.
[ezcol_2fifth]Sinatra surgió de una familia italoamericana en Hoboken, Nueva Jersey, para convertirse en la primera superestrella moderna de la música popular, con una carrera que abarcó más de cinco décadas. En la primera etapa de su carrera como cantante, fue un maestro de las baladas románticas populares durante la Segunda Guerra Mundial. Después de que su atractivo comenzara a decaer a fines de la década de 1940, Sinatra se reinventó a sí mismo como un swinger suave con un estilo de canto más áspero y cansado del mundo, y comenzó una reaparición espectacular en la década de 1950.
Además de su gran éxito musical, Sinatra apareció en 58 películas; Uno de sus primeros años fue Anchors Aweigh (1945). Interpretando a un arrogante soldado italiano-estadounidense que se encuentra con una muerte violenta en From Here to Eternity (1953), coprotagonizada por Burt Lancaster y Montgomery Clift, Sinatra ganó un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto. Su carrera cinematográfica floreció después de eso, cuando interpretó a Nathan Detroit en la película musical Guys and Dolls (1955) y interpretó a un adicto a la heroína en The Man With the Golden Arm (1955), por la cual fue nominado al Oscar al Mejor Actor. . También protagonizó los musicales High Society (1956) y Pal Joey (1957) y realizó una actuación memorable como investigador del Ejército en la aclamada película The Manchurian Candidate (1962).
A fines de la década de 1950, Sinatra se había convertido en el epítome del éxito del mundo del espectáculo y la masculinidad ruda y glamorosa. Incluso dirigió su propio séquito, conocido como Rat Pack, que incluía a Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop. El grupo se formó originalmente alrededor de Humphrey Bogart, quien murió en 1957. El Rat Pack apareció por primera vez juntos en la pantalla grande en el casino de 1960, el Ocean’s Eleven. Continuaron para hacer el sargento Tres (1962), Cuatro para Texas (1963) y Robin y las Siete Campanas (1964). En la pantalla y en la vida real, los famosos terrenos donde pisaba el Pack incluían Las Vegas, Los Ángeles y Nueva York (en particular, el famoso Club Copacabana).
Sinatra trabajó de manera constante en el cine a lo largo de la década de 1960, aunque muchas de sus actuaciones parecían casi superficiales. Su último papel importante en Hollywood llegó en 1980, “The First Deadly Sin”. Un famoso rompecorazones, Sinatra se casó cuatro veces, se divorció de su novia Nancy Barbato después de una década y tres hijos (Nancy, Frank Jr. y Christina) para casarse con la actriz Ava Gardner en 1951.
Su matrimonio duró menos de dos años, y en 1966 Sinatra se casó con la actriz de 21 años Mia Farrow, 30 años menor que él; se divorciaron en 1968. En 1976, se casó con Barbara Blakely Marx (la ex esposa de Zeppo Marx), y permanecieron juntos hasta su muerte.
[/ezcol_2fifth] [ezcol_3fifth_end]Nacido el 12 de diciembre de 1915, en un departamento de Hoboken, Nueva Jersey, Francis Albert Sinatra era azul y no respiraba cuando lo sacaron de su madre con un fórceps. Se pensó que estaba muerto, el bebé fue puesto en el mostrador de la cocina mientras el médico atendía a su madre. Su abuela recogió al recién nacido, lo metió bajo un poco de agua fría y el pequeño Frank sollozó su primera canción.
Las pinzas (fórceps) dejaron su marca en el lado izquierdo de la cara de Sinatra, en forma de una cicatriz que corría desde la esquina de su boca hasta la línea de su mandíbula. En su adolescencia, fue apodado “Scarface”. También sufrió un mal caso de acné adolescente, que dejó sus mejillas picadas. Tímido por su apariencia cuando era adulto, Sinatra a menudo aplicaba maquillaje para ocultar las cicatrices. Incluso con eso, odiaba ser fotografiado en su lado izquierdo. Las inseguridades físicas no terminaron ahí. Sinatra también usó zapatos de elevador para aumentar su estatura a dos o tres pulgadas mas.
La imagen del niño malo de Sinatra comenzó con su infame foto de 1938. ¿La prueba? En una discoteca, uno de sus novias atacó a su futura esposa, Nancy, y luego arrestaron a Frank dos veces, una por seducir a una menor (que finalmente no lo era) y otra vez por adulterio.
En la década de 1940, Frank, o Frankie, como se le conocía, se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes de Estados Unidos. No le quitó nada a su asombrosa voz y su capacidad para excitar a las multitudes femeninas, pero la locura del bobbysoxer que él incitó (así se llama porque los fanáticos de la escuela usaban calcetines bobby de estilo de escuela católica, rodados hasta los tobillos) tuvieron un poco de ayuda. El publicista de Sinatra, George Evans, audicionó a las chicas por lo fuerte que podían gritar, luego les pagó cinco dólares y las colocó estratégicamente en la audiencia para ayudar a estimular la emoción.
En 1945, Sinatra hizo un cortometraje, The House I Live In, que habló en contra del antisemitismo y la intolerancia racial. Irónicamente, una década más tarde, su inclinación liberal lo marcó como simpatizante comunista durante los juicios de Joseph McCarthy. Sinatra nunca testificó, pero fue más fácil para su creciente archivo del FBI. Ese archivo del FBI fue iniciado por J. Edgar Hoover, unos años más tarde, después de que un oyente de radio escribiera a la Oficina, diciendo: “El otro día activé un programa de Frank Sinatra y pensé en lo fácil que sería para los fabricantes con cierta mentalidad para crear otro Hitler aquí en América a través de la influencia de la histeria de masas “. Sinatra también había sido investigado por el FBI por haber pagado a los médicos 40,000 dólares para declararlo inútil para servir en los fuerzas armadas.
En 1946, el lanzamiento debut de Sinatra, The Voice of Frank Sinatra, ayudó a introducir tanto el álbum conceptual como el conjunto de discos en cajas (varios discos en una colección). En un momento en que los discos de larga duración aún eran novedosos, Sinatra emitió un conjunto de discos de 78 rpm con ocho canciones, todas con un tema de amores perdidos. Se vendió por una considerable cantidad de $ 2.50 (el equivalente a unos $ 30 en la actualidad). Pero el precio no impidió que encabezara las listas durante siete semanas. Dos años más tarde, se convirtió en uno de los primeros LP de vinilo de música pop de 10 “. Sinatra más tarde haría álbumes de concepto clásico como Only The Lonely e In The Wee Small Hours para Capitol Records.
La estrella de Frank cayó con fuerza a principios de los cincuenta. Estaba tan bajo en la consideración de los productores musiclaes y de filmes, que incluso intentó suicidarse. Caminando por Times Square, vio multitudes de chicas esperando para entrar en un concierto con el nuevo cantante Eddie Fisher. Sintiéndose deprimido, Sinatra volvió a su apartamento, apoyó la cabeza en la estufa y encendió el gas. Por suerte, su manager lo encontró a tiempo, tendido en el suelo, sollozando. Sinatra realizó otros tres intentos de suicidio, todos ellos en medio de su inestable relación con la actriz Ava Gardner.
Con sus amigos Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop y Peter Lawford, Sinatra dirigió a la pandilla de Las Vegas conocida como el Rat Pack. El nombre fue acuñado por la actriz Lauren Bacall años antes para describir un círculo de bebedores de Hollywood que incluía a su entonces esposo Humphrey Bogart y Sinatra. Los muchachos en el Rat Pack en realidad se referían a sí mismos con un nombre diferente: The Summit, jugando en una reunión cumbre de 1960 en París entre los principales líderes mundiales.
James Bond tiene sus martinis, agitados no revueltos. Y para Ol ‘Blue Eyes (Viejos ojos azules), el cóctel de elección fue una mezcla de cuatro cubitos de hielo, dos dedos del whisky de Jack Daniel’s y un chorrito de agua. “Esta es una bebida de caballeros”, dijo una vez. Y si quieres sostener la bebida como Frank, no toques el borde. Tápalo en tu mano, aislado por una servilleta de cóctel.
Sinatra en realidad tuvo dos éxitos llamados “Nueva York, Nueva York”. El primero fue en 1949, de la película On the Town, y fue escrito por Leonard Bernstein, Adolph Green y Betty Comden. Treinta años después, Sinatra interpretó su versión de “New York, New York”, de John Kander y Fred Ebb. Originalmente de la banda de sonido de la película New York, New York de Martin Scorsese. Sinatra la convirtió en una de las más importantes de su repertorio.
[/ezcol_3fifth_end]
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Mayo 14, 2019
Posible huelga sexual en Estados Unidos de América
La actriz y activista de #MeToo Alyssa Milano instó a las mujeres a participar en una “huelga sexual” para protestar contra una nueva ley de aborto en el estado de Georgia. “Hasta que las mujeres tengan control legal sobre nuestros propios cuerpos, simplemente no podemos arriesgarnos a un embarazo”, aseguró la actriz.
Georgia es el estado más reciente en promulgar una legislación que restringe el aborto. El tweet de la Sra. Milano dividió la opinión en las redes sociales, lo que desató un debate que condujo a la etiqueta del #SexStrike (huelga sexual) en Twitter en los EE. UU. El llamado proyecto de ley del “latido del corazón” firmado por el gobernador Brian Kemp el martes, está programado para entrar en vigencia el 1 de enero.
¿Qué es el proyecto de ley y por qué es controvertido? La ley prohíbe los abortos tan pronto como se puede detectar un latido fetal, lo que se produce aproximadamente a las seis semanas de embarazo. Muchas mujeres no saben que están embarazadas a las seis semanas. Las náuseas matutinas suelen comenzar después de aproximadamente nueve semanas. ¿Qué hay detrás del “proyecto de ley de latidos del corazón” contra el aborto de Georgia? Cómo llegó el debate sobre el aborto en los Estados Unidos. Sin embargo, se espera que la ley enfrente desafíos en los tribunales. Un juez federal bloqueó dicha ley en Kentucky. que estaba programado para entrar en vigencia de inmediato, ya que podría ser inconstitucional, mientras que Mississippi aprobó una ley de aborto de seis semanas en marzo que no entrará en vigencia hasta julio y también enfrenta desafíos. Ohio aprobó una ley similarmente restrictiva en 2016 que fue vetada por el gobernador.
Alyssa Milano
¿Qué pasa con la ‘huelga sexual’? La Sra. Milano tuiteó su llamado a la acción el sábado, y tanto ella como el hashtag #SexStrike pronto tuvieron una tendencia en Twitter. A más de 35,000 personas les gustó su tweet, y ha sido retwiteado más de 12,000 veces. La actriz Bette Midler escribió en Twitter para apoyar a la Sra. Milano.
[ezcol_3fifth]Pero hubo una reacción inmediata en línea, tanto de quienes apoyan la nueva ley como de quienes criticaron la idea de que las mujeres solo tienen relaciones sexuales para complacer a los hombres. “Aprecio la intención, pero “#sexstrike es una idea mala y sexista”, escribió una persona en Twitter. “Como si brindáramos sexo como una recompensa para los dignos. Es negar el placer de las mujeres”. “La abnegación y la abstinencia por algún tipo de ganancia es la antítesis de un mundo con poder sexual”, escribió otra persona. En su defensa, la Sra. Milano más tarde tuiteó un artículo de Quartz sobre cómo pueden funcionar las huelgas sexuales, lo que provocó más críticas en línea.
¿Y el boicot de los actores? Durante la aprobación del proyecto de ley sobre el aborto, 50 actores propusieron un boicot de producción de cine y televisión en el estado, incluida la Sra. Milano, Amy Schumer, Christina Applegate, Alec Baldwin y Sean Penn. “Queremos quedarnos (a trabajar) en Georgia”, se lee en la carta. “Pero no lo haremos en silencio, y haremos todo lo que esté a nuestro alcance para llevar a nuestra industria a un estado más seguro para las mujeres si [esto] se convierte en ley”.
[/ezcol_3fifth] [ezcol_1fifth]Midler
Baldwin
[/ezcol_1fifth] [ezcol_1fifth_end]Penn
Marie
[/ezcol_1fifth_end]Otros actores también han expresado su apoyo, al igual que los jefes de varios estudios. Sin embargo, algunos en la industria no se han comprometido con el boicot y están esperando para ver cuáles son los posibles desafíos legales. Chris Ortman, portavoz de la Asociación Cinematográfica, emitió un comunicado diciendo que el grupo planeaba “monitorear los desarrollos “.” La producción cinematográfica y televisiva en Georgia respalda más de 92,000 empleos y brinda importantes beneficios económicos a las comunidades y familias “, dijo.” Es importante recordar que se ha intentado una legislación similar en otros estados y que la ley ha impuesto los tribunales o actualmente están siendo impugnados. El resultado en Georgia también se determinará a través del proceso legal “. Y otros en la misma Georgia recomiendan apoyar los esfuerzos para cuestionar la nueva ley, más bien han boicoteado al estado.
“¿Qué pasa con la gente de la clase trabajadora que se verá afectada en las comunidades rurales de todo el estado? ¿Qué va a hacer un boicot de la industria cinematográfica por ellos? “, Escribió la activista y poeta Aurielle Marie en un hilo de Twitter, pidiendo a los actores que paguen dinero para apoyar a las organizaciones locales. La oficina del gobernador de Georgia dijo que las producciones de cine y televisión generaron $ 2.7 mil millones (2.100 millones de libras) en el estado en 2018. Los éxitos de taquilla de Hollywood, Black Panther y las series The Hunger Games fueron filmados allí, al igual que los programas Stranger Things y The Walking Dead.
PrisioneroEnArgentina.com
Mayo 12, 2019
ROBIN HOOD
A fines de 2018 se estrenó otra exitosa película de Robin Hood, esta vez protagonizada por el joven Taron Egerton en el papel principal. Esto se desprende de Robin Hood de Ridley Scott de 2010, en el que el líder es Russell Crowe, que fue más victorioso en su batalla con el Sheriff de Nottingham que en su batalla con acento de Yorkshire. Esto, a su vez, fue precedido por Robin Hood: Príncipe de los ladrones con Kevin Costner desde 1991.
Estas películas principales representan solo una pequeña proporción de la producción de Robin Hood en el cine y la televisión: desde 1950 apenas ha habido un año en el que no se haya realizado ningún programa de televisión o película sobre Robin Hood, Maid Marian o Merry Men. Robin también se ha mantenido presente en libros, cómics, obras de teatro, e incluso pantomimas, hasta el día de hoy.
Claramente, Robin es un ícono cultural, un personaje que sigue dando y no solo a los pobres. ¿Por qué es una de las leyendas más duraderas de todas?
En cierto sentido, esto es fácil de responder: sea cual sea la edad, siempre necesitamos un héroe, alguien que defienda a los pobres, los débiles, los oprimidos y los que no tienen voz. Este aspecto caballeresco fue sin duda importante para el desarrollo temprano de la leyenda, en el que una figura yanoma adquiere atributos caballerescos en su búsqueda de la justicia. Pero la perdurable longevidad de Robin también se debe a su gran capacidad de adaptación, un héroe que puede ser reinventado infinitamente para los tiempos en que vive su audiencia.
[ezcol_1half]Russell Crowe
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Kevin Costner
[/ezcol_1half_end]Los primeros cuentos de Robin Hood sobreviven a finales del siglo XV en Inglaterra. Nuestra fuente principal es el extenso poema The Gest of Robin Hood, compilado en algún momento después de 1450. Este fue un período de crisis nacional para Inglaterra: la pérdida de Normandía y la Guerra de los Cien Años agravó los problemas existentes, agravados e incluso causados por el fallido reinado de Enrique VI. El sistema de justicia no solo sufrió una percepción generalizada de su corrupción (un tema central de las primeras manifestaciones culturales de Robin Hood en obras de teatro, poemas y baladas), sino que, en general, se consideró que la ley y el orden se encontraban en un estado de desorden. Y desde 1455 hasta 1487 estamos en la era de las Guerras de las Rosas, que se suman a los problemas del país y posiblemente alimentan a la leyenda heroica.
Pero cuando los cuentos se establecieron en el Gest, la historia de Robin probablemente tenía más de 200 años y ya se había desarrollado y adaptado para adaptarse a los tiempos. Este es un patrón que se repite a lo largo de los siglos.
[ezcol_1half]Audrey Hepburn (Maryan) and Sean Connery
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Fox
[/ezcol_1half_end]Al final del período Tudor, Robin se fijó para siempre en la imaginación popular como el Conde de Huntingdon, una escalada social para nuestro héroe de la Edad Media. Esta elevación se deriva de dos obras de Anthony Munday en 1598, que reflejan el entusiasmo redescubierto por la caballería de la era isabelina tardía, fijada en torno al culto de la “Gloriana” y el servicio a una dama noble. Como era de esperar, Robin fue asignado por las clases superiores para su entretenimiento.
Las guerras civiles de Gran Bretaña de la década de 1640 vieron cómo una figura de la vida real adoptaba el disfraz de propaganda de Robin Hood en la forma de James (a veces, John) Hind, un soldado realista y famoso hombre de la carretera.
Un resurgimiento del interés anticuario en todas las cosas medievales mantuvo la leyenda muy viva en los siglos XVIII y XIX. El folio de Thomas Percy de antiguas baladas y poemas de mediados de la década de 1760 contenía ocho baladas de Robin Hood, lo que provocó colecciones completas de la literatura de Robin Hood de Joseph Ritson en 1795 y de Francis Child un siglo después. Éstos ofrecieron materiales de fuentes casi “oficiales” para escritores patrióticos en la era del Imperio dispuestos a demostrar la justicia británica y el juego limpio.
Entre Ritson y Child, la leyenda fue transformada por Sir Walter Scott a través de su novela Ivanhoe (1819/20). Aunque Robin (“Locksley”) es un personaje secundario aquí, el enorme éxito del libro lo llevó a una amplia audiencia. En un momento dado, cinco teatros en Londres presentaban simultáneamente la versión teatral de Ivanhoe. La popular Maid Marian de Thomas Love Peacock de 1822 se sumó al impulso y la alimentación del apetito victoriano para todas las cosas medievales, como lo ejemplificó espectacularmente el torneo Eglinton a gran escala de 1839, una recreación que atrajo a una multitud de quizás 100,000 personas.
[ezcol_1half]Douglas Fairbanks
[/ezcol_1half] [ezcol_1half_end]Errol Flynn
[/ezcol_1half_end]Con la llegada del cine en el siglo XX, más personas que nunca pudieron seguir las aventuras de Robin Hood. Robin, interpretado por los actores Douglas Fairbanks (1922) y Errol Flynn (1938), proporcionó un escapismo jovial en los años de entreguerras de la depresión económica y el ascenso del fascismo. En la proliferación de películas en la época de la Guerra Fría, Robin se convirtió en un defensor anticomunista de la democracia y en un luchador contra la libertad autoritario (del aliado británico de Estados Unidos en la OTAN). Más sutilmente, Robin se asoció con la justicia en la era de los “cazadores de brujas” de McCarthy, como lo indica el trato a los judíos en Ivanhoe (1952).
En Gran Bretaña, algunos influyen en la serie de televisión de mediados de los años ochenta Robin of Sherwood como una respuesta a las políticas económicas de libre mercado del gobierno conservador, en el poder desde 1979, que, según ellos, afectaron negativamente a los más pobres y más débiles. miembros de la sociedad que perdieron a las grandes empresas y gobernantes que carecían de compasión. Este es un Robin más gruñón y sombrío, que refleja la dureza percibida de los tiempos. El creciente multiculturalismo de Gran Bretaña se reflejó en la inclusión de un proscrito sarraceno en la banda de Robin, que se repite en el Príncipe de los ladrones.
Robin Hood se actualiza en el mundo financiero posterior a 2008 a través de la última película y, desde 2012, la serie de televisión Arrow, una nueva versión de Robin Hood (de un personaje de DC Comic) para el siglo XXI, en el que El héroe de los arcos lucha contra la avaricia corporativa, el terrorismo y otras preocupaciones apremiantes de nuestro tiempo. La historia nos sugiere que Robin tendrá muchas oportunidades para futuras reencarnaciones en el futuro.
PrisioneroEnArgentina.com
Abril 5, 2019
Liz
El 23 de marzo del año 2011, la actriz Elizabeth Taylor, quien apareció en más de 50 películas, ganó dos premios de la Academia y fue sinónimo de glamour de Hollywood, muere de complicaciones por insuficiencia cardíaca congestiva en un hospital de Los Ángeles a la edad de 79 años. Taylor, de ojos violetas comenzó su carrera como actriz cuando era niña y pasó la mayor parte de su vida en el centro de atención. Conocida por su sorprendente belleza, se casó ocho veces y más tarde en la vida se convirtió en una destacada activista del VIH / SIDA.
Elizabeth Rosemond Taylor nació en Londres, Inglaterra, el 27 de febrero de 1932, de un comerciante de arte estadounidense y su esposa, una ex actriz. En 1939, la familia se mudó al sur de California, y en 1942 Taylor hizo su debut en el cine en There’s One Born Every Minute. A los 12 años, llegó al estrellato en National Velvet en 1944, y luego pasó a roles adultos como A Place in the Sun en 1951, por lo que obtuvo críticas importantes. Como una de las principales estrellas de Hollywood en la década de 1950 y 1960, sus créditos incluyeron Giant de 1956, con Rock Hudson y James Dean; El condado de Raintree en 1957, con Montgomery Clift y Eva Marie Saint; El gato de 1958 en un techo de hojalata caliente, con Paul Newman; y de repente, Last Summer, con Clift y Katharine Hepburn, de 1959. Cada una de las tres últimas películas obtuvo nominaciones al Oscar Taylor, antes de llevarse a casa los honores de mejor actriz por Butterfield 8 en 1960, con Laurence Harvey y Eddie Fisher, y Who’s Afraid of Virginia Woolf de 1966, con Richard Burton.
Fuera de la pantalla, la colorida vida personal de Taylor generó numerosos titulares. En 1950, la actriz de 18 años se casó con el hotel heredero Conrad Hilton. La unión duró menos de un año, y en 1952, se casó con el actor británico Michael Wilding. La pareja tuvo dos hijos antes de divorciarse en 1957. Ese mismo año, Taylor se casó con el productor Mike Todd, con quien tuvo una hija. Poco más de un año después, Todd murió en un accidente aéreo. En 1959, Taylor se casó con el cantante Eddie Fisher (quien dejó a su esposa Debbie Reynolds por Taylor); La unión terminó en 1964. Días después de que se terminara su divorcio de Fisher, Taylor se casó con el actor galés Richard Burton, con quien coprotagonizó Cleopatra en 1963. (Al interpretar el papel principal de esa película, Taylor se convirtió en la actriz mejor pagada de Hollywood en ese momento). El público estaba fascinado por el lujoso estilo de vida de Taylor y Burton (entre sus dones para ella estaba un diamante de 69 quilates) y una relación tumultuosa. La pareja, que adoptó una hija, se divorció en 1974, se volvió a casar al año siguiente y se divorció nuevamente en 1976. Taylor más tarde llamó a Mike Todd y Burton, quienes murieron en 1984, los grandes amores de su vida.
En 1976, Taylor se casó con el político de Virginia, John Warner, quien se convirtió en senador de los Estados Unidos. La pareja se divorció en 1982. En la década de 1980, Taylor, quien luchaba contra las adicciones al alcohol, las drogas y la sobrealimentación, pasó un tiempo en el Centro Betty Ford. En 1991, se casó con el trabajador de la construcción Larry Fortensky, a quien conoció en el centro de tratamiento. Después de una ceremonia de boda en Neverland Valley Ranch en California, el actor Michael Jackson, la pareja se divorció cinco años después. Además de sus problemas de adicción, Taylor sufrió una variedad de problemas de salud a lo largo de su vida, desde reemplazos de cadera hasta discos espinales aplastados y tumores cerebrales.
Además de su carrera cinematográfica (su última aparición en pantalla de plata fue un cameo en The Flintstones en 1994), el legado de Taylor incluye su trabajo como activista pionero en la lucha contra el SIDA. A partir de la década de 1980, la actriz ayudó a recaudar millones de dólares para combatir la enfermedad. Taylor fue enterrada en el Parque Forest Lawn Memorial en Glendale, California, el mismo lugar donde su amigo, el hoy tristemente célebre Michael Jackson, fue enterrado.
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Marzo 23, 2019
EUGENE CURRAN KELLY
El 2 de Febrero de 1996, el bailarín, cantante, actor y coreógrafo Gene Kelly muere a la edad de 83 años, en su casa de Beverly Hills, California.
Nacido en Pittsburgh en 1912, Kelly se graduó con un título en economía de la Universidad de Pittsburgh durante la Gran Depresión. Con escasos empleos, él trabajaba en una escuela de baile, en parte propiedad de su madre, quien había insistido en que todos sus cinco hijos tomaran clases de música y danzas durante su infancia. Para obtener ingresos extra, formó un acto de baile con su hermano Fred, actuando en clubes nocturnos locales y producciones teatrales. En 1938, Kelly decidió probar suerte en la ciudad de Nueva York. Obtuvo su primer trabajo en Broadway en el coro de Leave It to Me, protagonizada por Mary Martin.
Inmediatamente después de su primer gran éxito en Broadway, en My Pal Joey, Kelly se dirigió a Hollywood, después de haber firmado un contrato exclusivo con el productor David O. Selznick. Selznick prestó rápidamente a Kelly a Metro-Goldwyn-Mayer, un estudio más conocido en ese momento por sus musicales de películas a gran escala. MGM puso a Kelly en su primera película, For Me and My Gal (1942), coprotagonizada por Judy Garland, y pronto compró su contrato a Selznick. Dos años más tarde, el estudio lo prestó a Columbia Pictures para que fuera coreógrafo y coprotagonista en Cover Girl, compartiendo pantalla con una Rita Hayworth, entonces desconocida. Esta película fue el primer gran éxito de Kelly en la pantalla grande y su primera colaboración con el director y coreógrafo Stanley Donen. Cover Girl presentó una secuencia innovadora en la que Kelly baila con su “alter ego”, otra imagen de sí mismo filmada por separado y combinada en una sola tira de película.
Kelly continuó su camino en el mundo del cine en su próximo gran éxito, Anchors Aweigh (1945), realizando una rutina de baile con el ratón animado Jerry de la popular serie de dibujos animados de Tom y Jerry. La secuencia de ocho minutos le costó a MGM $ 100,000 y tomó dos meses para filmar, pero se celebró como un momento de gran avance en el cine por su combinación de acción en vivo y material de archivo animado. Después de servir en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Kelly regresó a la pantalla de plata con The Pirate de 1948, nuevamente junto a Judy Garland. También hizo dos películas más con Frank Sinatra (su coprotagonista de Anchors Aweigh), incluido el éxito On the Town, que Kelly dirigió y coreografió con Donen.
En 1951, Kelly encabezó An American en París, que ganó ocho premios de la Academia, incluyendo Mejor Película. Kelly recibió un Oscar especial, en honor a su “extrema versatilidad como actor, cantante, director y bailarín, pero específicamente por su brillante logro en el arte de la coreografía”. En la cima de su carrera, Kelly consolidó su estatus icónico con Su trabajo en lo que fue posiblemente la última gran película musical, Singin’ in the Rain (1952). La película presentó una de las escenas más memorables de la historia del cine: Kelly bailando y cantando sola en la calle durante un aguacero, con solo su paraguas como soporte.
A medida que la popularidad de las películas musicales de gran presupuesto disminuía, las películas de Kelly durante la década de 1950 –Brandadoon (1954), It´s Always Fair Weather (1955) y Les Girls (1957) – alcanzaron diversos grados de éxito. Kelly y Donen se pelearon después de trabajar juntos en su última película, It´s Always Fair Weather, en parte por razones personales: la esposa de Kelly y Donen, Jeanne Coyne, se enamoró y se casó en 1960 (Kelly estaba casado con la actriz Betsy Blair). Kelly trabajó en otros proyectos destinados a elevar el perfil de la danza moderna, como Invitación a la danza sin diálogo en 1956 y un especial de televisión de la NBC, Dancing is a Men´s Game. También coreografió para el ballet en París y San Francisco.
Después de que Jeanne Coyne murió de leucemia en 1973, Kelly se centró en proyectos que lo mantendrían cerca de Los Ángeles, donde estaba criando a sus dos hijos. Al final de su carrera, continuó haciendo apariciones en películas y dirigiendo las películas ocasionalmente, como ¡Hello, Dolly! (1969). El último papel de Kelly en la pantalla grande fue en el kitsch Xanadu (1980), en el que realizó una rutina de baile en patines.
PrisioneroEnArgentina.com
Febrero 1, 2019